Películas y series trans y no binarias que vale la pena ver

Esto es una guía para personas trans y no binarias adultas que están decidiendo qué ver, no una clasificación. De cada película o serie sabrás quién la hizo, qué es, por qué podría importarte, qué críticas ha recibido y qué aparece en pantalla por si prefieres que te avisen. Aquí no se revela ningún final.

Hemos elegido pensando en la variedad más que en el prestigio: documentales y ficción, obras desde los años sesenta hasta hoy, y películas y series de Bélgica, Brasil, Canadá, Chile, España, Estados Unidos, Filipinas, Francia, Japón, Pakistán y el Reino Unido. Mujeres trans, hombres trans y personas no binarias están en el centro de alguna de ellas, y también muchas personas racializadas. Hemos mantenido además películas famosas que no gustan a una gran parte del público trans. Te van a preguntar por ellas, y saber por qué se criticaron ya es útil de por sí.

Cuando una entrada dice que una persona trans o no binaria escribió, dirigió, produjo o protagoniza algo, es porque esa persona lo ha dicho públicamente o porque se la ha descrito así en una entrevista o un perfil que figura entre las fuentes de la entrada. No deducimos la identidad de nadie a partir de su obra, su aspecto o sus papeles. Si alguien nunca ha hablado de ello, no decimos nada. Eso deja huecos, y preferimos los huecos.

Cada entrada indica sus propias fuentes. No decimos en qué plataforma ver nada, porque eso cambia cada pocos meses. Las advertencias de contenido salen de reseñas y descripciones, no de un registro escena por escena, así que tómalas como un punto de partida y no como una garantía. Los nombres y pronombres son los que cada persona usa hoy, así que en créditos antiguos puede aparecer otro nombre.

Documentales

En un documental, quién sostiene la cámara siempre forma parte de la historia. Algunas de estas películas son obra de cineastas trans. Otras las hicieron cineastas que no se han descrito como trans y que pasaron años con las personas que aparecen en pantalla, y unas pocas hablan abiertamente de la tensión que eso crea. Cada entrada cuenta lo que está documentado.

Si solo vas a ver una cosa de esta página, Disclosure es un buen punto de partida: pone nombre a patrones que reconocerás en casi todo lo demás.

Southern Comfort (2001, documental)

Créditos: Dirección, producción, fotografía y montaje de Kate Davis, Estados Unidos. Su protagonista, Robert Eads, era un hombre trans, y en la película aparecen su pareja, Lola Cola, una mujer trans, y su familia elegida de amistades trans, entre ellas Max y Cas.

Robert Eads era un hombre trans que vivía en las colinas de la Georgia rural: con barba, pipa en mano y orgulloso de llamarse a sí mismo hillbilly, montañés del sur profundo. Tenía un cáncer grave, y varios médicos que no querían un paciente trans lo habían rechazado. Kate Davis filmó el último año de su vida.

A lo largo de las estaciones lo vemos enamorarse de Lola, pasar tiempo con la familia elegida que construyó, recibir visitas de sus padres y de su hijo, y aferrarse al sueño de llegar a la Southern Comfort Conference de Atlanta, un gran encuentro de personas trans.

Por qué importa. Es una historia de amor entre un hombre trans y una mujer trans, y un retrato de la familia elegida en el sur rural de Estados Unidos, dos cosas que siguen siendo raras en pantalla. Eads aceptó dar la cara públicamente por primera vez para esta película porque, como le dijo a Davis, si ayudaba a un solo hombre trans más a ir al médico, valía la pena. También es un testimonio duro de lo que cuesta la discriminación médica.

Conviene saber. En una mirada retrospectiva de 2026, el crítico Blake Peterson coincidía con la escritora Sally Jane Black en que la película no se indigna lo suficiente en nombre de Eads: Davis se centra en quién era él en lugar de señalar a los médicos que lo rechazaron. Peterson apunta también la tensión de que su historia la presente alguien de fuera con más poder social. Las propias notas de producción de Davis dicen que varias de las personas participantes no habían salido del armario, lo que limitó el rodaje en la conferencia.

Advertencias de contenido: denegación de atención médica, enfermedad terminal y muerte, su familia lo misgenera, referencias al Ku Klux Klan

Screaming Queens: The Riot at Compton's Cafeteria (2005, documental)

Créditos: Dirección, guion y producción de Susan Stryker y Victor Silverman, en colaboración con ITVS y KQED para la televisión pública estadounidense. Stryker, historiadora y mujer trans, aparece en pantalla, y entre las personas entrevistadas hay mujeres trans que vivieron en el Tenderloin en los años sesenta, como Felicia Elizondo, Amanda St. Jaymes y Tamara Ching.

Una noche de agosto de 1966, en el barrio del Tenderloin de San Francisco, la policía entró en Gene Compton's Cafeteria, un local abierto toda la noche donde se reunían mujeres trans, drag queens y chicos jóvenes que se prostituían en la calle. Cuando un agente agarró a una de las clientas, ella le tiró el café a la cara y la cafetería estalló. Ocurrió tres años antes de Stonewall, y quedó casi olvidado.

Décadas después, la historiadora Susan Stryker encontró un rastro de aquello y salió a buscar a quienes habían estado allí. La película se construye con sus entrevistas, junto a las de un sargento de policía, pastores de una iglesia local y activistas del barrio, y sitúa la revuelta en el contexto de la pobreza de la ciudad, la renovación urbana y los movimientos por los derechos civiles de los años sesenta.

Por qué importa. Si te enseñaron que la historia trans empieza en Stonewall, aquí tienes la corrección, contada en buena parte por las propias mujeres trans del Tenderloin. Es corta, de menos de una hora, y se nota que está hecha para la televisión pública, pero ayudó a devolver Compton's al registro histórico. Además vincula la supervivencia trans al empleo, la vivienda y la actuación policial, en lugar de tratar la identidad como si fuera toda la historia.

Conviene saber. La revuelta apenas dejó rastro escrito. No hubo cobertura de prensa en su momento, no se sabe la noche exacta y, según NPR, el único relato escrito que sobrevivió es un breve artículo de 1972 del activista Raymond Broshears. La película se apoya en recuerdos reunidos décadas después, y eso es a la vez su fuerza y su límite.

Advertencias de contenido: acoso y violencia policial, trabajo sexual, consumo de drogas, pobreza

Bambi (2013, documental)

Créditos: Dirección de Sébastien Lifshitz, Francia, en francés; un retrato de alrededor de una hora. Su protagonista, Marie-Pierre Pruvot, conocida en los escenarios como Bambi, es una de las primeras mujeres trans de Francia en hacer la transición y vivirla públicamente.

Marie-Pierre Pruvot nació en 1935 en la Argelia francesa y desde la infancia sintió que era una niña, aunque la obligaron a vivir como un niño. De adolescente vio actuar a la artista trans Coccinelle y decidió vivir como mujer. Con el nombre de Bambi se convirtió en una estrella de los cabarés de París, como Le Carrousel, en los años cincuenta y sesenta.

Después, pasados los 30, volvió a estudiar, se hizo profesora de francés y dio clase durante décadas en un centro escolar de las afueras de París. Lifshitz se sienta con ella y deja que lo cuente. La película ganó el Teddy al mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2013.

Por qué importa. Bambi vivió décadas en las que, como dijo Lifshitz, todavía no existían las palabras para nombrarla, y cuenta su vida con un auténtico don de narradora. Es una ocasión poco común de escuchar a una mujer trans mayor describir una vida pública en el París de mediados de siglo y, después, una carrera larga, corriente y respetada. Recuerda que las mujeres trans de entonces tuvieron vidas enteras, no solo escándalos.

Conviene saber. El montaje de 2013 dura menos de una hora, y Lifshitz dijo más tarde que sentía que «no había llegado hasta el final» y que quería «reparar la película». En 2021 Canal+ emitió una versión de 90 minutos. Las dos versiones son, en esencia, el testimonio de una mujer, y esa es su fuerza.

Advertencias de contenido: hostilidad y rechazo en la Francia de mediados de siglo y en la Argelia colonial, presión en la infancia para vivir como un niño

Kumu Hina (2014, documental)

Créditos: Dirección y producción de Dean Hamer y Joe Wilson, Estados Unidos (Hawái), en inglés y hawaiano; se emitió en 2015 en Independent Lens, de PBS. Hinaleimoana Wong-Kalu, maestra māhū nativa hawaiana, figura en los créditos como haku moʻolelo (narradora de historias) y como voz narradora, y la cineasta nativa hawaiana Connie M. Florez es coproductora.

Hinaleimoana Wong-Kalu, conocida como Kumu (maestra) Hina, es una māhū nativa hawaiana, palabra que según PBS designa a quienes encarnan a la vez el espíritu masculino y el femenino. Es directora cultural de una escuela charter de lengua hawaiana en Honolulu.

La película la sigue mientras se apoya en la cultura tradicional para animar a una alumna, Hoʻonani, a ocupar su lugar como líder del grupo de hula masculino de la escuela. En su propia vida, anhela amor y compromiso, y está casada con un hombre tongano. Es una película sutil, de observación, narrada con la voz de la propia Hina.

Por qué importa. Muestra un género ajeno a las categorías occidentales como algo con raíces profundas y un lugar respetado dentro de su propia cultura, no como una idea nueva que haya que explicar. Hina no aparece como una santa: la reseña de IndieWire elogió que la película la muestre valiente y segura de sí misma pero también insegura, respetada en el trabajo y con dificultades en casa. Enseña una cara de Hawái que casi nunca se ve en pantalla.

Conviene saber. Ojo con las etiquetas. PBS y la web de la propia película traducen māhū como «transgénero», pero la reseña de IndieWire de 2014 sostenía que llamar a Hina mujer trans le imponía un término del continente, porque māhū es su propia palabra. La misma reseña observaba que la película no disimula las grietas de su matrimonio.

Advertencias de contenido: tensiones y conflictos en un matrimonio

Bixa Travesty (2018, documental)

Créditos: Dirección de Claudia Priscilla y Kiko Goifman, con aportaciones de Linn da Quebrada al guion, Brasil, en portugués. Linn, cantante y artista negra brasileña, se define como travesti, una palabra que según ella carga con mucha historia y que reivindica con orgullo; también aparece su amiga y compañera de escenario Jup do Bairro, que es igualmente música trans negra.

Linn da Quebrada creció en la periferia de São Paulo y hace música influida por el baile funk que desmonta el machismo, el racismo y las normas de género. Bixa Travesty la sigue en el escenario con Jup do Bairro, en un plató con aire de pódcast donde habla directamente a cámara, y en casa con su madre, con quien conversa sobre género y pobreza.

Más que un retrato convencional, es una mezcla de actuación, conversación y escenas preparadas, una forma que Linn describe no como ficción sino como «fricción». Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín y ganó el Teddy al mejor documental.

Por qué importa. Linn ha dicho que el cine «ayudó a construir la ausencia de la travesti» y que quería una película que llevara su propia mirada sobre sí misma. Eso es lo que hay aquí: una travesti negra que fija los términos en que se la mira, ruidosa, divertida y política, en un país donde, según The Guardian, en 2019 se asesinó a más personas trans que en ningún otro lugar.

Conviene saber. Quien sale en pantalla no es quien dirige, y Linn lo abordó de frente: dijo que no quería una película sobre ella sino una hecha con ella, y la llama «nuestra película». Priscilla contó a Veja que Linn siguió cada corte y tuvo tanta voz como quienes la dirigieron.

Advertencias de contenido: conversaciones francas sobre sexo y el cuerpo, se habla de imágenes explícitas, transfobia y racismo, tensiones familiares por el género

Happy Birthday, Marsha! (2018, cortometraje)

Créditos: Guion y dirección de Tourmaline (acreditada entonces como Reina Gossett) y Sasha Wortzel, Estados Unidos, con Zackary Drucker como productora asesora; Mya Taylor interpreta a Johnson y Eve Lindley a Rivera. Tourmaline se ha descrito como una mujer trans negra.

Es un cortometraje de ficción, no un documental. Imagina a Marsha P. Johnson un día caluroso de junio de 1969: organiza una fiesta de cumpleaños y no aparece nadie, mientras su amiga Sylvia Rivera tiene sus propios problemas. Tras un día duro de acoso y soledad, las dos amigas acaban llegando al Stonewall Inn la noche en que la policía tiene prevista una redada.

Tourmaline y Wortzel se propusieron primero hacer un documental sobre Johnson y Rivera, y después cambiaron de rumbo hacia un corto de ficción, financiado con una campaña en Kickstarter, que describieron como una prueba de concepto para un largometraje.

Por qué importa. Es un homenaje a dos personas racializadas que estuvieron en el centro de la liberación queer y trans, hecho por una mujer trans negra que pasó más de una década buscando la historia de Johnson en archivos y en casas particulares. Presenta a Johnson y a Rivera como dos amigas que pasan un día corriente y difícil, no solo como símbolos. Tómalo como un homenaje, no como historia.

Conviene saber. Se toma libertades con los hechos: el cumpleaños de Johnson era en agosto, y en una entrevista posterior ella contó que la revuelta ya había empezado cuando llegó. La película forma parte además de una disputa pública con el documental de David France The Death and Life of Marsha P. Johnson, que se explica más abajo, en la entrada de esa película.

Advertencias de contenido: acoso policial y una redada, consumo de drogas, soledad y rechazo

Disclosure (2020, documental)

Créditos: Dirección de Sam Feder, cineasta trans, y producción de Feder y Amy Scholder, con Laverne Cox, que también aparece, entre quienes firman la producción ejecutiva, Estados Unidos. Feder contó a Deadline que en la película trabajaron más de 150 personas trans y que, cuando no se podía contratar a una persona trans para un puesto del equipo, se ofrecía una mentoría a alguien trans del mundo del cine.

Disclosure repasa alrededor de un siglo de cine y televisión, sobre todo estadounidenses, a través de los ojos de las personas trans que crecieron viéndolos. Laverne Cox, Jen Richards, Yance Ford, Lilly Wachowski, Angelica Ross, Brian Michael Smith, Chaz Bono, Susan Stryker y muchas otras personas ven fragmentos y hablan de lo que esas imágenes les enseñaron, y le enseñaron a todo el mundo, sobre quiénes son las personas trans.

Va de lo doloroso, como la «revelación» planteada para provocar asco o el personaje trans convertido en chiste o en asesino, a lo inesperadamente tierno, como Cox encontrando algo de sí misma en Yentl, o Stryker y Wachowski en Bugs Bunny.

Por qué importa. Muchas personas trans absorbimos estas imágenes antes de tener palabras para nombrarnos. Disclosure le pone nombre a eso, con intérpretes, guionistas y especialistas trans llevando toda la conversación, y con personas trans también detrás de la cámara. Feder ha descrito el rodaje como algo «desgarrador y reafirmante a la vez», y verla puede sentirse igual.

Conviene saber. Trata casi por completo de la cultura audiovisual estadounidense, y Feder ha dicho que en esa montaña de material «todavía falta mucho». Feder ha dicho también que la visibilidad en sí misma no es el objetivo, porque más visibilidad ha traído más reacción hostil, y la película sostiene esa tensión en lugar de resolverla.

Advertencias de contenido: chistes tránsfobos y escenas de «revelación», fragmentos que presentan a las personas trans como engañosas, repugnantes o violentas, se habla de la violencia contra las mujeres trans

No Ordinary Man (2020, documental)

Créditos: Dirección de Aisling Chin-Yee y Chase Joynt, guion de Chin-Yee y Amos Mac, Canadá. Joynt es trans, y a Billy Tipton lo interpretan, en audiciones y escenas, actores que son hombres trans, entre ellos Marquise Vilsón y Scott Turner Schofield.

Billy Tipton fue un pianista y cantante de jazz que vivió como hombre desde 1933, tocó en clubes de todo el Oeste y el Medio Oeste de Estados Unidos y más tarde se instaló en Spokane con su esposa Kitty y sus tres hijos adoptivos. Cuando murió, en 1989, se hizo público que al nacer se le había asignado el sexo femenino, y la prensa sensacionalista y los programas de entrevistas convirtieron la vida de su familia en un espectáculo.

No Ordinary Man no intenta zanjar quién era Tipton «en realidad». Quienes la dirigen hacen audiciones a actores que son hombres trans para escenas escritas sobre su vida, y después les preguntan qué les remueve el papel. Voces trans de la escritura y la investigación analizan cómo se ha contado su historia, y su hijo Billy Jr. habla de su padre.

Por qué importa. Las películas sobre la masculinidad trans siguen siendo pocas, y esta trata con verdadero cuidado a un hombre que nunca habló por sí mismo. Emociona ver a hombres trans de distintas edades y orígenes reconocerse en una vida vivida antes de nuestras palabras actuales, y discutir con ella. Joynt ha dicho que el objetivo era poner la narración «en manos de tantas personas que se identifican como transmasculinas como fuera posible».

Conviene saber. Tipton nunca se explicó en público, así que cualquier relato sobre él es una interpretación. La película discute abiertamente con el más conocido, la biografía de Diane Wood Middlebrook de 1998, que según las personas participantes presentaba su vida como una decisión práctica para poder trabajar en la música. Richard Brody, de The New Yorker, que la admiró, señaló que su enfoque meta tiene límites y que rara vez se detiene en su propio proceso.

Advertencias de contenido: outing después de su muerte, fragmentos de archivo de programas de entrevistas y prensa sensacionalista que tratan la vida de Tipton como un fraude, preguntas intrusivas a su familia, se habla de las circunstancias de su muerte

Framing Agnes (2022, documental)

Créditos: Dirección de Chase Joynt, guion de Joynt y Morgan M. Page, Canadá. Joynt, que es trans, hace de entrevistador, y dan vida a las personas de los expedientes Angelica Ross, Zackary Drucker, Jen Richards, Max Wolf Valerio, Silas Howard y Stephen Ira, intérpretes trans, con la historiadora Jules Gill-Peterson como guía.

A principios de los años sesenta, una joven mujer trans conocida por el seudónimo de Agnes participó en la investigación sobre género del sociólogo Harold Garfinkel en UCLA y se convirtió en un caso famoso de la sociología. Décadas después, Chase Joynt y la socióloga Kristen Schilt encontraron en un archivador oxidado las transcripciones de las entrevistas de Garfinkel con ella y con otras personas trans.

Framing Agnes vuelve a escenificar esas entrevistas como un talk show en blanco y negro al estilo de los años sesenta, y luego corta a sus intérpretes, a quienes hicieron la película y a la historiadora Jules Gill-Peterson, que hablan de lo que significa interpretar a estas personas, de cómo se cuentan las historias trans y de por qué buscamos iconos. Nació del cortometraje homónimo que Joynt hizo en 2019.

Por qué importa. Buena parte de nuestra historia temprana nos llega a través de expedientes médicos y programas de televisión. En lugar de fingir que recupera a la Agnes «real», esta película pone el archivo en manos de personas trans y les deja discutir con él, y con la idea misma de icono trans. Como dice Angelica Ross en la película: «Hemos oído las historias contadas por el cazador, y no por el león».

Conviene saber. Las críticas se dividieron sobre su forma. En Paste, Shayna Maci Warner la encontró «formalmente incompleta e irregular», dijo que aprovechaba demasiado poco unas transcripciones extraordinarias y calificó su enfoque teórico de bastante inaccesible para un proyecto construido sobre el testimonio de personas trans corrientes. Si buscas un relato histórico sin rodeos, no lo encontrarás aquí.

Advertencias de contenido: recreación de entrevistas de investigación sobre el género y el cuerpo, escrutinio de personas trans al estilo de un talk show, fragmentos de prensa que diseccionan a celebridades trans

Kokomo City (2023, documental)

Créditos: Dirección, producción, fotografía y montaje de D. Smith, Estados Unidos, con Lena Waithe y Rishi Rajani entre quienes firman la producción ejecutiva. Smith es una mujer trans y productora musical ganadora de un Grammy, y las cuatro protagonistas de la película son mujeres trans negras.

Cuatro mujeres trans negras que ejercen o han ejercido el trabajo sexual, Daniella Carter y Dominique Silver en Nueva York y Koko Da Doll y Liyah Mitchell en Atlanta, hablan a la cámara de D. Smith en sus dormitorios, sus coches y sus casas. Son divertidas, directas y afiladas cuando hablan de clientes, del peligro, de la familia y de cómo los hombres cis negros que las buscan en privado a menudo las humillan en público.

Smith rueda en blanco y negro con la energía de un videoclip, añade recreaciones cargadas de ironía y entrevista también a algunos hombres negros sobre el deseo, el género y la masculinidad.

Por qué importa. No reduce a las mujeres trans negras al trauma. Estas mujeres cuentan sus propias historias, en sus propios términos, a una directora que, según su propio relato, perdió su carrera musical y su vivienda después de hacer la transición. Rechaza la respetabilidad y los discursos prudentes de siempre, que es justo lo que a una parte del público le encantará y a otra le costará.

Conviene saber. La reseña de The Hollywood Reporter consideró que las entrevistas con hombres negros a veces encajan mal junto al testimonio de las mujeres. Peter Debruge, de Variety, señaló una secuencia hacia el final centrada en el cuerpo de las mujeres como una decisión que parte del público trans considera polémica. Koko Da Doll fue asesinada a tiros en Atlanta en abril de 2023, pocos meses después del estreno, y la película está dedicada a ella.

Advertencias de contenido: conversaciones sexuales explícitas, desnudos, un encuentro violento con un cliente armado, insultos en boca de las propias protagonistas, rechazo familiar, se habla de la violencia contra las mujeres trans

Orlando, ma biographie politique (Orlando, mi biografía política) (2023, documental)

Créditos: Guion y dirección de Paul B. Preciado, Francia, en francés, con producción de Les Films du Poisson junto a 24 Images y ARTE France. Preciado, filósofo nacido en España y afincado en París, a quien sus productores describen como escritor y activista transgénero, reunió a 26 personas trans y no binarias de entre 8 y 70 años, la mayoría sin experiencia profesional en la interpretación.

Cuando le preguntan por qué nunca escribió su propia biografía, Paul B. Preciado responde que Virginia Woolf ya lo hizo, en 1928. El Orlando de Woolf es un poeta que cambia de sexo y vive a lo largo de siglos. La película de Preciado es una carta filmada a Woolf: su Orlando ha salido del libro y vive hoy, en la piel de 26 personas trans y no binarias que se presentan, cada una, como Orlando.

Leen pasajes de la novela, hablan de sus vidas, de sus familias y de sus encontronazos con la psiquiatría, e interpretan escenas en decorados deliberadamente caseros, con apariciones de los artistas Pierre et Gilles y de la novelista Virginie Despentes. Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2023, donde ganó el Teddy al mejor documental.

Por qué importa. Da a un grupo grande y variado de personas trans y no binarias, de la infancia a la vejez, el mismo papel protagonista, y deja que cada una lo haga suyo. Es juguetona y furiosa a la vez, trata el género como una cuestión tan política como personal y lee un clásico de la literatura como una historia nuestra, contada por nuestra propia gente. Si te gustan más los ensayos que las tramas, empieza por aquí.

Conviene saber. Es ensayística y de bajo presupuesto a propósito, con decorados filmados más allá de su encuadre. A Redmond Bacon, de Journey Into Cinema, le gustó, pero aun así la encontró «algo teatral y repetitiva por momentos». Preciado ha dicho que quería evitar dar «una imagen fija de lo que es lo trans», así que espera ideas y voces más que una historia.

Advertencias de contenido: se habla del control psiquiátrico sobre el acceso a la transición, rechazo familiar y transfobia, conversaciones francas sobre la transición

The Stroll (2023, documental)

Créditos: Dirección de Kristen Lovell y Zackary Drucker para HBO Documentary Films, Estados Unidos. Las dos directoras son cineastas trans, y Lovell, que es negra, trabajó ella misma en The Stroll en los años noventa y es una de las voces de la película.

Durante décadas, el tramo de West 14th Street cercano al río Hudson, hoy lleno de tiendas de lujo y con el High Line al lado, fue el lugar donde muchas mujeres trans negras y latinas se ganaban la vida con el trabajo sexual. Lo llamaban The Stroll. Kristen Lovell era una de ellas. Empezó a grabar allí a otras mujeres hacia los 19 años, y años después, con Zackary Drucker, volvió para buscar a las que habían sobrevivido.

La película entrelaza sus conversaciones con imágenes de informativos que en su día las trataban como un problema, animación con recortes y la historia de cómo la presión policial y la gentrificación las expulsaron, incluido el asesinato de Amanda Milan en 2000 y la respuesta de la comunidad.

Por qué importa. Es historia trans contada desde la calle, por las mujeres que la vivieron, y no pide perdón por el trabajo sexual ni lo convierte en una lección moralizante. Drucker ha dicho que el tópico de la trabajadora sexual empujó a centrarse en otras historias, y que eso borró a estas mujeres de nuestra historia. El legado de Sylvia Rivera la atraviesa de principio a fin.

Conviene saber. Fionnuala Halligan, de Screen Daily, señaló que no es una historia construida sobre datos: no se nombra una a una a las que murieron, apenas se cuenta qué fue de las que desaparecieron y no se mencionan abiertamente el sida ni la epidemia de crack. Incluye además un viejo fragmento de RuPaul burlándose de las mujeres de la zona, que las directoras decidieron mostrar.

Advertencias de contenido: el asesinato de Amanda Milan, abusos policiales, encarcelamiento, violencia de clientes, consumo de drogas, imágenes de archivo que se burlan de mujeres trans

Largometrajes con personas trans en el centro

Ficción con personajes trans en el corazón de la historia, casi siempre con intérpretes trans en esos papeles. Algunas películas están escritas y dirigidas por cineastas trans; otras vienen de cineastas que no se han descrito como trans y que trabajan con intérpretes trans en el papel principal. La mayoría son pequeñas producciones independientes, varias no están en inglés y no todas son amables.

By Hook or by Crook (2001, largometraje)

Créditos: Guion, dirección y producción de Silas Howard y Harry Dodge, que también la protagonizan, con Stanya Kahn como coguionista (Estados Unidos). Howard es un director trans y usa el pronombre he (él). Dodge usa he (él), se ha descrito como «una especie de butch macho» y ha dicho que durante mucho tiempo evitó por completo hablar de género.

Shy (Howard), a quien sus creadores describen como «un butch guapo y de pueblo que juega con el género», deja Kansas y se va a San Francisco tras la muerte de su padre. Allí conoce a Valentine (Dodge), que es adoptado y busca a su madre biológica, y los dos se hacen mejores amigos y socios en pequeños delitos, junto a Billie (Kahn), la amante de Val. Están sin dinero, algo perdidos y completamente seguros el uno del otro.

Por qué importa. Hecha casi sin dinero por dos artistas de la escena queer punk y de performance de San Francisco, es una buddy movie sobre dos marginados butch en la que, como dijo IndieWire, Shy y Val nunca cuestionan el género del otro. IndieWire la calificó además de una de las películas trans más influyentes jamás hechas. Es un pedazo de historia trans y butch que sigue sintiéndose viva.

Conviene saber. Se rodó en mini DV y tiene un aspecto tosco. Las críticas de la época se dividieron: Robert Koehler, de Variety, la encontró aburrida, y Wesley Morris (Boston Globe) dijo que «no es especialmente buena». En 2022, Howard y Dodge contaron a Filmmaker Magazine que estaban reuniendo dinero para restaurarla.

Advertencias de contenido: pequeños delitos, peleas, pobreza, duelo tras la muerte de un padre, la amenaza de una detención

Tangerine (2015, largometraje)

Créditos: Dirección de Sean Baker y guion de Baker y Chris Bergoch (Estados Unidos), rodada con cámaras de iPhone 5s. Las dos protagonistas, Kitana Kiki Rodriguez y Mya Taylor, son actrices trans, y según Variety hicieron aportaciones importantes al guion.

Es Nochebuena en Hollywood. Sin-Dee Rella (Rodriguez), una trabajadora sexual trans, acaba de cumplir 28 días de cárcel cuando a su mejor amiga, Alexandra (Taylor), se le escapa que el novio de Sin-Dee, que además es su proxeneta, la ha estado engañando. Sin-Dee cruza el barrio hecha una furia para encontrarlo a él y a la otra mujer, mientras Alexandra reparte folletos de una actuación como cantante a la que espera que vaya alguien de verdad.

Es rápida, ruidosa y muy divertida, y una trama paralela sigue a un taxista armenio que también guarda un secreto.

Por qué importa. Dos mujeres trans racializadas sostienen toda la película, y pueden ser rencorosas, leales, furiosas y desternillantes en lugar de lecciones trágicas para que aprenda otra persona. Sus productores y su distribuidora organizaron lo que se describió como la primera campaña de premios para actrices trans, y Mya Taylor fue la primera mujer trans en ganar un Gotham Award. La amistad entre Sin-Dee y Alexandra es la verdadera historia de amor.

Conviene saber. The Advocate recogió críticas a la película por mostrar, una vez más, a mujeres trans como trabajadoras sexuales. Rodriguez respondió: «Yo diría que es realista». Taylor, que había ejercido el trabajo sexual, aprovechó la atención para hablar contra el estigma que lo rodea.

Advertencias de contenido: trabajo sexual mostrado sin rodeos, consumo de drogas, insultos y acoso tránsfobos, peleas físicas, policía

Karera ga honki de amu toki wa (2017, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Naoko Ogigami (Japón, en japonés). A Rinko, la mujer trans que está en el centro de la película, la interpreta Toma Ikuta, a quien la reseña de Seventh Row describe como un actor cisgénero. Las fuentes que encontramos no documentan a ninguna persona trans en el reparto principal ni en los puestos clave del equipo.

Tomo tiene 11 años y está acostumbrada a cuidarse sola. Cada vez que su madre se va con un hombre nuevo, Tomo se queda con su tío Makio. Esta vez Makio vive con su novia Rinko, una mujer trans que lleva la casa con muchísimo cuidado y que teje. Rinko acoge a Tomo con una calidez que la niña nunca ha conocido, y los tres empiezan a sentirse una familia, aunque no todo su entorno se lo tome con amabilidad.

Por qué importa. Es una película familiar japonesa, delicada y pensada para el gran público, en la que una mujer trans es querida, respetada y necesaria. Elena Lazic (Seventh Row) la calificó de hito para una cinematografía nacional que muy rara vez reconoce siquiera la existencia de las personas trans, y menos aún de forma positiva. Ganó el Premio Especial del Jurado de los Teddy en la Berlinale.

Conviene saber. A Rinko la interpreta un hombre cis. Lazic escribió que «es una pena, por supuesto, que a Rinko la interprete el actor cisgénero Toma Ikuta», y encontró la película «decepcionantemente conservadora», con «un enfoque decididamente nada combativo de la transfobia». La misma reseña elogió su calidez.

Advertencias de contenido: abandono infantil, hostilidad tránsfoba y homófoba por parte de un progenitor, un chico que oculta que es gay

Una mujer fantástica (2017, largometraje)

Créditos: Dirección de Sebastián Lelio, guion de Lelio y Gonzalo Maza. Película chilena coproducida con Alemania y España, en español. Daniela Vega, que interpreta a Marina, es una mujer trans; se incorporó primero como asesora del guion, antes de que Lelio le ofreciera el papel protagonista.

Marina es cantante y camarera en Santiago y vive con su pareja, Orlando, que es mayor que ella. Cuando él muere de repente una noche, su familia y la policía no la tratan como a una pareja en duelo, sino como a una sospechosa y un problema que gestionar. La interrogan, le dicen que no se acerque al funeral y la echan de la casa que compartían, y ella sigue buscando la manera de despedirse a su modo.

Por qué importa. Vega interpreta a Marina con una dignidad obstinada que nunca le pide lástima al público, y la película se mantiene de su lado. Ganó el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, el primero de Chile en esa categoría, y Vega se convirtió en la primera persona trans en presentar en la ceremonia de los Óscar. En Chile, donde un proyecto de ley de identidad de género avanzaba lentamente en el Congreso, activistas trans la describieron como un referente.

Conviene saber. Lelio y Maza contaron a The Guardian que, cuando empezaron a escribir, no conocían a ninguna persona trans en Chile, y por eso incorporaron a Vega. Parte de la crítica sintió que a la película le interesa más lo que le hacen a Marina que quién es ella: Emily Yoshida (Vulture) habría querido que Vega y Lelio «nos dejaran entrar un poco más para verla como individuo, más allá de la hostilidad que encuentra», y Christopher Gray (Slant) la calificó de regresiva.

Advertencias de contenido: duelo, hostilidad tránsfoba de la familia de su pareja, la policía la misgenera y usa su deadname, un examen policial forzado y humillante, una agresión y un secuestro a manos de familiares

Lingua Franca (2019, largometraje)

Créditos: Guion, dirección, producción y montaje de Isabel Sandoval, que también interpreta a la protagonista (producción filipina y estadounidense, sobre todo en inglés). Sandoval es una mujer trans filipina e inmigrante que vive en Brooklyn, como su personaje, y ha dicho que fue la primera película que hizo después de su transición.

Olivia es una mujer trans filipina indocumentada que trabaja como cuidadora interna de Olga, una anciana judía de origen ruso de Brighton Beach, en Brooklyn, que empieza a perder la memoria. Olivia manda dinero a su familia y le paga a un hombre estadounidense por un matrimonio que podría conseguirle la green card. Entonces se instala en la casa Alex, el nieto adulto de Olga, recién salido de rehabilitación, y entre él y Olivia empieza algo lento e incierto, mientras el miedo a las redadas de inmigración no abandona nunca la habitación.

Por qué importa. Aquí una mujer trans racializada cuenta con su propia voz una historia sobre el deseo, el trabajo y los papeles, y además la interpreta. Ser trans forma parte de la vida de Olivia, no es toda la trama. Sandoval ha dicho que tomó prestada a propósito la forma de un melodrama conocido para que la película pudiera mostrar que Olivia es «algo más que una mujer trans que busca amor, o una inmigrante sin papeles». Si alguna vez has tenido que sopesar la seguridad frente a la intimidad, la sentirás cercana.

Conviene saber. Es callada y contenida a propósito, y no toda la crítica entró en ella: Stephen Dalton (The Hollywood Reporter) la calificó de «decepción floja y amateur», y Jeannette Catsoulis (The New York Times) la encontró «demasiado tímida en lo dramático y demasiado leve en lo narrativo como para conmover».

Advertencias de contenido: miedo a las redadas de inmigración y a la deportación, burlas tránsfobas, alcohol y adicción, outing y violación de la intimidad, contenido sexual

Port Authority (2019, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Danielle Lessovitz (Estados Unidos y Francia), con producción de la compañía de Martin Scorsese. Leyna Bloom, que interpreta a Wye, es una actriz trans racializada que viene de la comunidad ballroom; Lessovitz dijo que nunca se planteó dar el papel a alguien que no fuera trans.

Paul, un chico de 20 años sin sitio donde quedarse, llega a la terminal de autobuses Port Authority de Nueva York y se siente atraído por Wye, una joven que hace voguing en la acera con su familia del ballroom. Acaba dividido entre dos mundos: una pandilla de tipos muy machos que le consiguen trabajo en desahucios y la casa de la escena kiki del ballroom a la que pertenece Wye. Su romance empieza antes de que él sepa que ella es trans, y la película sigue lo que él hace con eso.

Por qué importa. Bloom se convirtió en la primera actriz trans racializada en protagonizar una película en Cannes, y lleva a la pantalla la vida real del ballroom: «Soy una mujer trans del ballroom interpretando a un personaje», dijo a Los Angeles Times. Incluso la crítica a la que no le gustó la película la elogió a ella, y las escenas con su familia de la casa son la razón para verla.

Conviene saber. La historia se cuenta desde el lado de Paul, y la crítica lo señaló. Odie Henderson (RogerEbert.com) escribió que Wye es «a veces casi un añadido» y que «es una pena que esta película no trate de verdad sobre esas personas». Robert Daniels (The Playlist) la calificó de «otra película corta de miras que usa a gente negra como lección para forasteros blancos ignorantes».

Advertencias de contenido: insultos homófobos y tránsfobos, un atraco, violencia homófoba, desahucios, mentiras y una relación oculta

Joyland (2022, largometraje)

Créditos: Dirección de Saim Sadiq, guion de Sadiq y Maggie Briggs (Pakistán, en urdu y panyabí). Alina Khan, que interpreta a Biba, es una actriz trans de Lahore que ya había protagonizado Darling, el cortometraje de Sadiq.

En Lahore, Haider, el hijo menor y en paro de un patriarca que quiere un nieto varón, acepta en secreto un trabajo como bailarín de apoyo en un teatro de danza erótica. La estrella del espectáculo es Biba, una bailarina trans de lengua afilada y grandes ambiciones, y Haider se enamora de ella. En casa, a su mujer, Mumtaz, le ordenan que deje el trabajo en el salón de belleza que tanto le gusta. La película sigue lo que esta casa llena de normas le hace a cada persona que vive en ella.

Por qué importa. Biba es orgullosa, divertida, exigente y está decidida a ser una estrella, y la interpreta una actriz trans de la ciudad en la que transcurre la película. Sadiq dijo que «es muy refrescante ver a un personaje trans tan empoderado que además es de piel morena y musulmana, y en un país como Pakistán». Ganó el Premio del Jurado de Un Certain Regard y la Queer Palm en Cannes.

Conviene saber. El Gobierno de Pakistán la prohibió en noviembre de 2022 tras las quejas de sectores religiosos radicales que la calificaron de «repugnante». La prohibición federal se levantó, pero la provincia de Punyab, donde está Lahore, mantuvo la suya; en agosto de 2025, Dawn informó de que por fin se proyectaría en Lahore, en un espacio para eventos. Ten en cuenta que el protagonista es Haider, no Biba.

Advertencias de contenido: violencia contra mujeres trans (se describe un asesinato), tocamientos y acoso sexual, preguntas groseras sobre el cuerpo de una mujer trans, control patriarcal, contenido sexual, una muerte repentina en la familia

Monica (2022, largometraje)

Créditos: Dirección de Andrea Pallaoro, guion de Pallaoro y Orlando Tirado (Estados Unidos e Italia). Trace Lysette, que interpreta a Monica, es una actriz trans; hizo su primera prueba para el papel en 2016.

Monica, una mujer trans, recibe una llamada de su cuñada: su madre, que la rechazó cuando era adolescente, está gravemente enferma. Monica vuelve a la casa familiar para ayudar a cuidarla. Su madre, que no la ha visto desde antes de su transición y cuya enfermedad le afecta a la mente, no la reconoce, y Monica decide no decirle quién es.

Por qué importa. Es un papel protagonista poco común para una mujer trans, y Lysette lo sostiene casi sin discursos, con miradas y respiraciones contenidas. La película entiende el distanciamiento desde dentro: volver a casa como una extraña, cuidar de alguien que te hizo daño, desear algo que no puedes pedir. Se estrenó en la sección oficial a competición de Venecia, donde, según Out, recibió una ovación de 11 minutos con el público en pie.

Conviene saber. Su contención no funciona con todo el mundo: Jon Frosch (The Hollywood Reporter) la calificó de «un ejercicio de formalismo cansino» que «parece una película que lucha constantemente por conectar». Es callada y lenta, y explica muy poco.

Advertencias de contenido: rechazo de un progenitor, enfermedad grave de un progenitor, distanciamiento familiar, soledad

Something You Said Last Night (2022, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Luis De Filippis (Canadá y Suiza, en inglés e italiano). De Filippis es una mujer trans. La protagonista, Carmen Madonia, es trans y hacía su primera película, y De Filippis puso en marcha un programa de mentoría que incorporó al equipo a cinco jóvenes trans.

Ren está a mitad de la veintena, quiere ser escritora, acaba de perder su trabajo y la han arrastrado a pasar una semana de vacaciones de verano con sus padres italocanadienses y su hermana en un complejo de playa de Ontario. Esa es más o menos la historia: discusiones, aburrimiento, una madre que se preocupa demasiado, dos hermanas que se pelean por un sombrero hortera. Ren está dividida entre el deseo de tener una vida propia e independiente y lo fácil que es dejar que su familia vuelva a cuidarla.

Por qué importa. No hay salida del armario, ni trama de transición, ni violencia esperando a la vuelta de la esquina. De Filippis ha dicho que estaba cansada de películas trans contadas desde una mirada cis y obsesionadas con la transición o con salir del armario. Mel Woods, en su reseña para Xtra, cuenta que se pasó la película esperando un comentario cruel o que alguien misgenerara a la protagonista, algo que nunca llegó. Ren puede estar de mal humor, ser cariñosa y andar algo perdida, como cualquiera en unas vacaciones familiares.

Conviene saber. Esa calma es también su límite para algunas personas: Lovia Gyarkye (The Hollywood Reporter) sintió que, sin conocer mejor a Ren, «a veces puede resultar impenetrable sin pretenderlo», y Erik Piepenburg (The New York Times) echaba en falta algo más que naturalismo y ternura para darle impulso.

Advertencias de contenido: discusiones y tensión familiar (según las reseñas, evita la violencia tránsfoba y las escenas en las que se misgenera)

20.000 especies de abejas (2023, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Estibaliz Urresola Solaguren, en su primer largometraje (España, en español, euskera y francés). La directora trabajó con Naizen, una asociación de familias de menores trans, para reflejar con fidelidad la experiencia de la protagonista.

Durante un verano en el País Vasco, una niña de ocho años a la que llaman por un apodo y que por dentro se piensa como Lucía pasa una temporada en casa de su abuela con su madre, Ane, y sus hermanos. La casa está ligada a la apicultura, y Ane, escultora en plena crisis de la mediana edad, trabaja con su cera. Mientras Lucía intenta hacerse entender, las mujeres de tres generaciones que la rodean empiezan también a mirar de frente sus propias vidas.

Por qué importa. Mira a una niña trans con paciencia y delicadeza, y hace del lento camino de la familia hacia la comprensión el drama, no de la existencia de la niña. Sofía Otero se convirtió en la persona más joven en ganar el Oso de Plata a la mejor interpretación protagonista de la Berlinale. Si de peque ya lo sabías antes que nadie a tu alrededor, hay partes que te van a tocar de lleno.

Conviene saber. Leigh Monson (The A.V. Club) señaló que Urresola Solaguren no es trans, así que la película tiene límites a la hora de adentrarse en los sentimientos de Lucía, y le encontró fallos de ritmo y de profundidad, aunque elogió su empatía.

Advertencias de contenido: en la familia misgeneran a la niña y usan su nombre de nacimiento, la negación de un progenitor, indicios de la intolerancia de una abuela o un abuelo, el miedo de una niña al rechazo

Mutt (2023, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Vuk Lungulov-Klotz (Estados Unidos, en inglés y español). Lungulov-Klotz es un hombre trans y se inspiró en su propia vida como hijo de una familia chilena y serbia. Lío Mehiel, que encabeza el reparto, es trans, usa they/them y se ha descrito como alguien de «géneros mixtos» con raíces puertorriqueñas y griegas.

Durante un día frenético en Nueva York, Feña, un joven hombre trans, se topa con tres personas con las que perdió el contacto después de su transición: su exnovio heterosexual, su media hermana pequeña, con la que no se habla, y su padre, que llega en avión desde Chile y al que tiene que recoger en el aeropuerto. Cada una de ellas tiene que conocer a la persona que Feña es ahora, y él tiene que decidir cuánto de sí mismo está dispuesto a seguir explicando.

Por qué importa. Los hombres trans siguen siendo rara vez el centro de una película, y esta se hizo desde dentro, con un reparto y un equipo mayoritariamente trans y queer. Mehiel se convirtió en la primera persona trans en ganar en Sundance el Premio Especial del Jurado a la interpretación de la sección U.S. Dramatic. Es honesta con los pequeños costes cotidianos, como que te misgeneren en el banco, e igual de honesta con la ternura y el deseo.

Conviene saber. Clayton Dillard (Slant) escribió que «Feña sufre para que otras personas trans no tengan que hacerlo», algo que a juicio de la reseña «reduce Mutt a un Afterschool Special», los telefilmes aleccionadores para adolescentes de la televisión estadounidense. Lungulov-Klotz ha dicho que el público trans suele encontrar la película equilibrada y dulce, mientras que quienes no son trans creen que le hace pasar demasiado a su personaje.

Advertencias de contenido: misgenerar, un padre que cuestiona e invalida la transición de su hijo, distanciamiento familiar, intimidad sexual

I Saw the TV Glow (2024, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Jane Schoenbrun (Estados Unidos), con Justice Smith y Jack Haven. Schoenbrun es trans, usa they/them y escribió la película después de salir del armario. Haven, que aparece en los créditos con su antiguo nombre, Brigette Lundy-Paine, salió del armario como persona no binaria en 2019 y anunció el nombre Jack Haven en 2025.

En 1996, dos adolescentes de un barrio residencial que viven en soledad, Owen (Smith) y Maddy (Haven), se unen gracias a The Pink Opaque, una serie de madrugada sobre dos chicas con una conexión psíquica que luchan contra un villano. A Owen no le dejan quedarse despierto para verla, así que Maddy la comparte con él. Con los años, la serie empieza a parecerles más real que sus propias vidas, y la frontera entre ambas se va difuminando.

Por qué importa. Schoenbrun la ha descrito como una película sobre la eclosión del huevo y sobre la disforia tal como la vivió durante 30 años antes de tener palabras para ella: interna, subliminal, a veces aterradora. No hay escena de salida del armario ni historia de transición, solo la sensación. Si pasaste años intuyendo que algo iba mal sin saber qué, esta película está hecha desde dentro de esa sensación.

Conviene saber. Es una alegoría, lenta y deliberadamente incómoda, no algo reconfortante de ver. A parte de la crítica se le hizo cuesta arriba: Amy Nicholson (Los Angeles Times) la describió como «una colección de escenas plomizas que podrían hacer que el público quisiera arrancarse la piel a arañazos».

Advertencias de contenido: autolesiones explícitas, depresión y una crisis nerviosa, un progenitor controlador, la enfermedad y la muerte de un progenitor, imágenes de entierros

Series

La televisión le da espacio a un personaje: varias temporadas para tener amistades, trabajos, días malos y vida amorosa. Estas series están aquí por lo que hicieron con sus personajes trans y no binarios. En algunas, esos personajes son toda la historia; en otras son un hilo entre muchos, y cada entrada dice cuál es el caso.

Orange Is the New Black (2013, serie)

Créditos: Creada por Jenji Kohan para Netflix, Estados Unidos, a partir de las memorias carcelarias de Piper Kerman; siete temporadas, de 2013 a 2019. Laverne Cox, que se ha descrito como «una orgullosa mujer transgénero afroamericana», interpreta a Sophia Burset, un personaje recurrente.

La serie sigue a Piper Chapman, una mujer blanca y privilegiada a la que envían a una cárcel de mujeres, y luego se abre a las mujeres que la rodean. Esta entrada trata de una de ellas: Sophia Burset, la peluquera de la prisión, antigua bombera que cumple condena por fraude con tarjetas de crédito. Su esposa, Crystal, ha aceptado su transición. Su hijo, Michael, lo lleva mal y ha dejado de hablarle.

Uno de los primeros episodios vuelve a la vida de Sophia antes de la cárcel, con una escena tierna en la que Crystal la ayuda a vestirse de mujer por primera vez. Las temporadas posteriores la hacen pasar por cosas mucho más duras dentro.

Por qué importa. En 2013, TV Guide calificó de primicia en la televisión generalista que una mujer trans racializada interpretara a una mujer trans racializada. Sophia es madre, esposa, amiga y empresaria, no el blanco de los chistes. Cox fue la primera persona trans nominada a un Emmy, en 2014, y la primera persona trans en la portada de Time. TV Guide apuntó que probablemente era la primera persona trans que mucha gente del público había visto nunca, en televisión o en cualquier otro sitio.

Conviene saber. Sophia es un personaje secundario en una serie construida alrededor de Piper; Kohan ha llamado a Piper su «caballo de Troya» para llevar a la televisión historias de mujeres negras, latinas y mayores. Eso significa que el tiempo en pantalla de Sophia es desigual a lo largo de siete temporadas, y que varias de sus tramas posteriores se centran en lo que el sistema penitenciario le hace.

Advertencias de contenido: cárcel, misgenerar, burlas y amenazas, una prisión que niega a una mujer trans la atención que necesita, una agresión tránsfoba, un largo aislamiento en régimen de castigo, agresiones sexuales que afectan a otros personajes, adicción a las drogas

Boy Meets Girl (2015, serie)

Créditos: Creada y escrita por Elliott Kerrigan, producida por Tiger Aspect para BBC Two, Reino Unido; dos temporadas, 2015 y 2016. Rebecca Root, que interpreta a Judy, es una mujer trans, y la BBC se comprometió desde el principio a dar el papel a una persona trans.

Leo tiene 26 años, acaba de volver a quedarse sin trabajo y su madre no le da tregua. Judy tiene 40. En su primera cita, ella le cuenta que es trans. Él sigue interesado, y la comedia acompaña a los dos mientras se enamoran y lidian con sus familias, que no siempre están preparadas.

En la forma es una sitcom familiar británica tradicional: madres, hermanos y hermanas, cenas incómodas y chistes gruesos, todo construido alrededor de una historia de amor.

Por qué importa. Root la describió como la primera sitcom generalista del Reino Unido en dar a una persona trans un papel protagonista trans, y la primera del país en mostrar un romance entre una actriz trans en un papel trans y un hombre cis. El romance es lo central: la que recibe el cortejo es una mujer trans de cuarenta y tantos. El guion salió del Trans Comedy Award, un concurso de BBC Writersroom en busca de guiones de comedia que retrataran de forma positiva a las personas trans.

Conviene saber. En su crítica del primer episodio en The Telegraph, Jasper Rees la calificó de gran momento televisivo, pero dijo que se desvivía por agradar al público generalista con «clichés burdos», incluidos chistes sobre el cuerpo de Judy. Cuánto la disfrutes puede depender de cuánto te guste el humor de las sitcoms familiares de toda la vida.

Advertencias de contenido: chistes sobre cuerpos trans, comentarios torpes y a veces tránsfobos de familiares, planteados como humor

Sense8 (2015, serie)

Créditos: Creada por Lana Wachowski, Lilly Wachowski y J. Michael Straczynski para Netflix, Estados Unidos, y rodada en ciudades de todo el mundo; dos temporadas entre 2015 y 2017 y un episodio final en 2018. Lana y Lilly Wachowski son trans, y Jamie Clayton, que interpreta a Nomi Marks, es una mujer trans.

Ocho personas desconocidas repartidas por el mundo, de San Francisco a Bombay y a Ciudad de México, descubren de repente que están conectadas mental y emocionalmente. Pueden sentir lo que sienten las demás, tomar prestadas sus habilidades y sus idiomas y entrar en sus vidas. Y una organización persigue a gente como ellas.

En San Francisco, Nomi Marks es hacker y bloguera política y vive con su novia, Amanita. Es una de las ocho, y su historia no trata de la transición: trata del amor, del peligro y de aprender a vivir conectada con otras siete personas.

Por qué importa. A Nomi la escribió una mujer trans y la interpreta una mujer trans. Clayton dijo que trabajar con Lana Wachowski, una directora trans que había escrito un personaje trans, fue su principal motivo para aceptar el papel, y que era importante que la historia no girara en torno a la transición. Toda la serie se construye sobre una empatía que cruza fronteras de género, sexualidad y nacionalidad, y a sus fans les importó lo suficiente como para hacer campaña por un final en condiciones.

Conviene saber. Al principio es lenta y dispersa. En su crítica de los primeros episodios para Variety, Brian Lowry escribió que la serie «no tiene mucho sentido» y la encontró deslavazada. Netflix la canceló en 2017 alegando que su audiencia era demasiado pequeña para lo que costaba; tras las campañas de fans, en 2018 se estrenó un final de dos horas, «Amor Vincit Omnia».

Advertencias de contenido: una mujer trans retenida en un hospital contra su voluntad, una madre que la rechaza, violencia y personas perseguidas

Pose (2018, serie)

Créditos: Creada por Ryan Murphy, Brad Falchuk y Steven Canals para FX, Estados Unidos; tres temporadas, de 2018 a 2021. Janet Mock, mujer trans, fue guionista, directora y productora; Our Lady J, guionista trans, formó parte de la sala de guion; el director trans Silas Howard fue coproductor ejecutivo; y MJ Rodriguez, Indya Moore, Dominique Jackson, Hailie Sahar y Angelica Ross, intérpretes trans, forman parte del reparto fijo.

Nueva York, 1987. Blanca hace manicuras de día y desfila en los balls por la noche, las competiciones en las que casas de personas queer y trans se disputan trofeos y gloria. Harta de la crueldad de Elektra, la madre de su casa, funda una casa propia y acoge a jóvenes que no tienen adónde ir. A su alrededor están Angel, una trabajadora sexual que se enamora de un cliente casado, y Pray Tell (Billy Porter), que presenta los balls.

La serie se mueve entre el ballroom, las casas y las salas de hospital en lo peor de la crisis del sida. Es un melodrama, abiertamente y a propósito: grandes emociones, grandes vestidos, familia elegida.

Por qué importa. Pose dio papeles fijos a más intérpretes trans que ninguna serie de ficción anterior, y pone a mujeres trans negras y latinas en el centro de su propia historia. Con ella, Janet Mock se convirtió en la primera mujer trans racializada en escribir y dirigir un episodio de televisión. Si solo conoces el ballroom por Paris Is Burning, aquí tienes el mismo mundo imaginado desde dentro, con tanto espacio para la alegría como para el duelo.

Conviene saber. Ben Travers, de IndieWire, la encontró a veces demasiado directa, con escenas que se detienen para aleccionar al público sobre cuestiones trans. En el estreno de la última temporada, en 2021, Janet Mock dio un discurso en el que criticó lo que le pagaban («¿Por qué cobro 40.000 dólares por episodio?»), que los primeros guiones los escribieran hombres y una industria que, en sus palabras, «nos ha pisoteado».

Advertencias de contenido: VIH y sida, enfermedad y duelo, trabajo sexual, jóvenes a quienes sus familias echan de casa

Veneno (2020, serie)

Créditos: Creada por Javier Calvo y Javier Ambrossi para Atresplayer Premium, España, en español; una temporada de ocho episodios, basada en el libro de la periodista Valeria Vegas sobre Cristina Ortiz. Los creadores se propusieron dar los papeles trans a mujeres trans: a Cristina la interpretan en distintas edades Jedet, Daniela Santiago e Isabel Torres, y a Valeria, Lola Rodríguez, que es trans.

En los años noventa, Cristina Ortiz, conocida como La Veneno, irrumpió en la televisión nocturna española y se convirtió en una estrella nacional: divertida, directa y sin ninguna vergüenza. Años después, cuando ya se había apartado de la vista del público, Valeria Vegas, una joven estudiante de periodismo que está haciendo las paces con su propia transición, la busca, y entre las dos nace una amistad que se convierte en un libro.

La serie va y viene entre la dura infancia de Cristina en un pueblo pequeño, sus años en Madrid, su fama y el presente de Valeria, y a través de ellas cuenta una historia de la vida LGBT en España desde los años sesenta. Es ruidosa, divertida y tierna, y no finge que su vida fuera fácil.

Por qué importa. Veneno trata de mujeres trans, interpretadas por mujeres trans, y la hicieron unos creadores que dijeron que las historias LGBT deben hacerse con personas LGBT. Le devuelve a Cristina Ortiz toda su humanidad, y muestra cómo una mujer en una pantalla de televisión puede cambiar la vida de alguien que la ve desde casa. Isabel Torres, que interpreta a Cristina en sus últimos años, había sido la primera persona trans de Canarias en cambiar legalmente su nombre y su género.

Conviene saber. En las fuentes que leímos no encontramos críticas importantes. Torres murió en 2022, lo que convierte su interpretación aquí también en un testimonio de su trabajo.

Advertencias de contenido: una infancia violenta y rechazo, uso del deadname, trabajo sexual, enfermedad y muerte

Sort Of (2021, serie)

Créditos: Creada por Zaiba Baig y Fab Filippo, que también fueron sus showrunners y guionistas, para CBC, Canadá; tres temporadas, de 2021 a 2023. Baig, que es queer, transfemenina y musulmana, interpreta además a Sabi.

Sabi Mehboob es una persona millennial no binaria de Toronto, de familia inmigrante pakistaní, que usa el pronombre they/them y reparte sus días entre servir copas en un bar LGBTQ y cuidar a los dos hijos de una pareja muy ocupada. Sabi está a punto de mudarse a Berlín con 7ven, su mejor amistad, cuando la madre de los niños, Bessy, sufre un accidente grave, y Sabi decide quedarse.

Los episodios duran unos 20 minutos. A la serie le importan menos los grandes acontecimientos que el ir y venir de la vida diaria: una madre que intenta entender a la persona que ha criado, un novio complicado, peleas por el exceso de azúcar que comen los niños, una amistad que tiene que estirarse.

Por qué importa. Sort Of no trata el género de Sabi como el problema que hay que resolver. Es una comedia en la que alguien no binario, de familia inmigrante, está sencillamente en el centro de una vida corriente y desordenada, cocreada e interpretada por Baig, artista queer y transfemenina. Su idea amable, en palabras de la propia cadena, es que «cada persona, sin excepción, está en transición». Ganó un Premio Peabody.

Conviene saber. John Powers, de NPR, elogió su modestia, lo que también te dice lo que no es: no hay grandes giros, solo pequeños cambios. Su cocreadora y protagonista se llama ahora Zaiba Baig, así que en los créditos antiguos y en muchos artículos sobre la serie aparece otro nombre de pila.

Advertencias de contenido: un accidente grave y un personaje en coma, tensión familiar por el género

Dead End: Paranormal Park (2022, serie)

Créditos: Creada por Hamish Steele a partir de sus cómics DeadEndia y producida por Blink Industries en Londres para Netflix; dos temporadas, ambas estrenadas en 2022. A Barney, el protagonista, le pone voz Zach Barack, que es trans y judío como su personaje.

Barney, un adolescente trans, gay y judío, huye de una casa difícil y acepta un trabajo de verano en Phoenix Parks, un parque temático dedicado a una estrella de cine al estilo de Dolly Parton. También lo acepta Norma, una superfan con ansiedad y un conocimiento enciclopédico de la estrella. La casa encantada del parque resulta esconder una entrada al mundo de los demonios, y un pedazo del alma de un señor demonio acaba dentro de Pugsley, el carlino de Barney, que de repente puede hablar.

Es una comedia de terror animada con mascotas zombis, presentadores demoníacos de concursos, un episodio musical y primeros amores, dirigida a un público más joven que el de los cómics.

Por qué importa. Un chico trans protagoniza una serie de animación para todos los públicos, con la voz de un actor trans, y ser trans forma parte de él, no es toda la trama: tiene un amor platónico, un perro, amistades y demonios contra los que luchar. Barack dijo que interpretar a un chico trans en una serie infantil era «un sueño hecho realidad». Las dificultades de Norma están inspiradas en la propia vida de Steele como persona autista, y la reseña de Paste, escrita por una persona autista, consideró que el personaje está escrito con mucha autenticidad.

Conviene saber. Reuben Baron, de Paste, elogió los guiones pero sintió que la animación perdía el encanto visual de los cómics, y señaló que algunos elementos más oscuros se suavizaron. Antes del estreno, un grupo de miembros del Senado de Estados Unidos la señaló entre las series infantiles a las que querían poner advertencias de contenido. Netflix la canceló en enero de 2023; Steele recomendó a sus fans el tercer y último libro de DeadEndia para cerrar un poco la historia.

Advertencias de contenido: una familia que no lo acepta, demonios y terror de dibujos animados, ansiedad

Clásicos que siguen importando

Películas antiguas que siguen saliendo en las conversaciones y que siguen mereciendo la pena. Cada una viene con contexto: qué tenía de nuevo en su momento y qué se lee hoy de otra manera. Las palabras que se usan en pantalla, y en las críticas de la época, a menudo no son las que se usan ahora.

The Queen (1968, documental)

Créditos: Dirección de Frank Simon, Estados Unidos. Flawless Sabrina (Jack Doroshow), que organizaba el certamen, lo presenta y narra. Entre las concursantes están Rachel Harlow, que hizo la transición después de la película, y Crystal LaBeija, que más tarde fundó la House of LaBeija.

En 1967, drag queens de todo Estados Unidos acudieron al Town Hall de Nueva York para el Miss All-America Camp Beauty Contest, organizado por Flawless Sabrina. Frank Simon lo filmó todo: reuniones de organización, una visita a un proveedor de vestuario, ensayos y charlas en habitaciones de hotel sobre novios, el reclutamiento para Vietnam y si harían la transición si pudieran. Después, el propio certamen, con Andy Warhol en el jurado.

Cuando se conocen los resultados, no todo el mundo está de acuerdo, y una concursante lo dice con unas palabras que todavía hoy se citan.

Por qué importa. Es una de las primeras películas que dejó a drag queens hablar ante la cámara de sus vidas, incluido su género, en una época en la que, como señala Richard Brody en The New Yorker, el propio drag era ilegal en Nueva York. Se ve a gente buscando un lenguaje sobre el género que aún no existía. Y el momento de Crystal LaBeija conecta directamente con las casas del ballroom de Paris Is Burning y de Pose.

Conviene saber. Es un documento de 1967: las palabras que la gente usa sobre el género y sobre sí misma son las de aquella época, y las vidas drag, gais y trans no aparecen separadas como suelen estarlo hoy. Harlow contó a Rolling Stone en 2019 que «muchas de las historias trans y drag que salen hoy a la luz nacen de algún modo de The Queen».

Advertencias de contenido: lenguaje de la época sobre género y sexualidad, conversaciones sobre el reclutamiento militar, desnudos parciales, una acusación airada de que el concurso estaba amañado

Paris Is Burning (1990, documental)

Créditos: Dirección y producción de Jennie Livingston, Estados Unidos; se rodó en Nueva York entre mediados y finales de los años ochenta. Livingston dijo en 2020: «Ahora me identifico como genderqueer». Las personas que aparecen en pantalla son hombres gais negros y latinos, drag queens y mujeres trans de la escena de los balls, entre ellas Dorian Corey, Pepper LaBeija, Venus Xtravaganza, Octavia St. Laurent y Willi Ninja.

En la Nueva York de los años ochenta, personas queer y trans negras y latinas construyeron un mundo propio: los balls, donde quienes compiten desfilan en categorías que se juzgan por el estilo, la actitud y el «realness», en representación de casas que funcionan como familias elegidas, cada una encabezada por una madre. Livingston pasó años en los balls y grabando entrevistas con las personas que los hacían posibles.

La película es en parte celebración y en parte historia oral. Explica el lenguaje (houses, mothers, shade, reading, voguing) y deja hablar a sus protagonistas, a menudo con mucha gracia, sobre el dinero, la raza, el género, la fama y cómo sobreviven.

Por qué importa. Es el registro más conocido de una cultura creada por personas queer y trans racializadas, filmado cuando todavía podían hablar por sí mismas; la mayoría murió en las décadas siguientes, por violencia tránsfoba, pobreza y sida. Tanto lenguaje del ballroom ha llegado a la cultura dominante que vale la pena oírlo primero de su boca. También dio forma a Pose, en la que Livingston trabajó más tarde. La Biblioteca del Congreso la incorporó al National Film Registry en 2016.

Conviene saber. Ha generado polémica desde su estreno. bell hooks cuestionó si Livingston, cineasta blanca de clase media, estaba ofreciendo los balls como espectáculo. En 1993, algunas de las personas participantes sintieron que se habían quedado fuera de los beneficios de la película; sus reclamaciones se abandonaron, pero la producción repartió unos 55.000 dólares entre 13 de ellas. Livingston ha dicho que la película se inclinó hacia la actuación y la familia elegida y dejó fuera muchas otras cosas.

Advertencias de contenido: violencia tránsfoba, incluido el asesinato de una mujer que aparece en la película, pobreza, sida, trabajo sexual, rechazo familiar

Ma vie en rose (Mi vida en rosa) (1997, largometraje)

Créditos: Dirección de Alain Berliner, guion de Berliner y Chris Vander Stappen; coproducción belga, francesa y británica, en francés.

Ludovic, de siete años, acaba de mudarse con su familia a un barrio residencial impecable donde el jefe de su padre vive en la casa de al lado. Ludo lo tiene claro y lo dice con calma: es una niña, y un lío con los cromosomas simplemente tiene que arreglarse. Lleva vestidos, planea casarse con su amigo Jérôme, el hijo del jefe, y se evade a un luminoso mundo de fantasía gobernado por Pam, una princesa televisiva con aspecto de muñeca.

Al vecindario no le sienta bien, y a medida que aumenta la presión, sus padres, que la quieren, no saben bien qué hacer.

Por qué importa. Se toma en serio la certeza de una niña pequeña y la muestra en gran parte desde su lado, a través de la fantasía y el color y no de un informe clínico. En un texto para el BFI, Juliet Jacques la calificó de una de las películas trans más sensibles de los años noventa y elogió lo bien que entiende Berliner lo simples, y lo importantes, que son los marcadores de género en la infancia. Ganó el Globo de Oro a la mejor película extranjera.

Conviene saber. Se hizo y se reseñó con los términos de 1997: Roger Ebert, como mucha de la crítica de entonces, describió a Ludovic como un niño con una idea equivocada. La crítica posterior, como Jacques, escribe sobre Ludo como una niña, y así la describe esta guía. La película es delicada, pero no oculta lo crueles que pueden ser las personas adultas.

Advertencias de contenido: un vecindario que se vuelve contra una familia, una niña a la que otros niños acosan y agreden, el intento de suicidio de una niña, un progenitor que pega a la niña, un corte de pelo a la fuerza

Todo sobre mi madre (1999, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Pedro Almodóvar; España y Francia, en español. A Agrado la interpreta Antonia San Juan y a Lola, Toni Cantó.

Manuela, enfermera en Madrid, pierde a su hijo adolescente en un accidente la noche en que cumple diecisiete años. Viaja a Barcelona para encontrar a la otra persona que le dio la vida al chico, Lola, una mujer trans que nunca supo que él existía. Allí se reencuentra con su vieja amiga Agrado, mujer trans y trabajadora sexual, y entra en un círculo de mujeres: una famosa actriz de teatro, la conflictiva pareja de la actriz y una monja joven que trabaja en un centro de acogida para trabajadoras sexuales.

Es un melodrama sobre el duelo, la maternidad y las familias que la gente se construye, lleno de teatro, color y humor.

Por qué importa. Agrado es cálida, aguda y está completamente a gusto consigo misma, y protagoniza la escena más querida de la película: un monólogo divertido y orgulloso sobre lo que le ha costado llegar a ser quien es, que termina con la idea de que «una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma». Como escribió Rebecca Bodenheimer en RogerEbert.com, que una mujer trans juzgara la feminidad de una mujer cis, y no al revés, era una posición que a las mujeres trans rara vez se les permitía ocupar.

Conviene saber. La película trata mejor a Agrado que a Lola, su otra mujer trans, que pasa casi todo el tiempo fuera de plano y a la que Bodenheimer describe como una presencia «imprudente y narcisista». Las críticas de la época, incluidas las de Variety y The New York Times, usaban para ambas mujeres palabras y pronombres que la mayoría de las personas trans no usaría hoy.

Advertencias de contenido: la muerte repentina de un adolescente, una mujer trans a la que dan una paliza, trabajo sexual, VIH y sida, adicción a las drogas

Hedwig and the Angry Inch (2001, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de John Cameron Mitchell, que también interpreta a Hedwig, a partir del musical teatral de 1998 que creó con Stephen Trask, autor de las canciones; Estados Unidos.

Hedwig creció en Berlín Oriental, se enamoró de un soldado estadounidense y, para casarse con él y salir de allí, aceptó bajo presión algo que se hizo mal y que da título a la película. Abandonada en un parque de caravanas de Kansas, se enamora de Tommy, hijo de un general, que la deja y se convierte en una estrella del rock de estadios con canciones que escribió ella.

Ahora Hedwig recorre cadenas de restaurantes baratos con su banda, The Angry Inch, siguiendo la gira de Tommy y contando su historia en canciones sobre el amor, el género y la plenitud. Es un musical de glam rock: divertido, furioso, con una secuencia animada, una canción para cantar a coro y grandes números.

Por qué importa. Muchas personas trans y de género no normativo han encontrado algo de sí mismas en Hedwig, una artista glamurosa, herida y furiosa cuyo género no cabe en ninguna casilla, y sus creadores han dicho que se alegran de que las personas trans se hayan sentido identificadas con ella. Pertenece a una categoría poco común, el musical de rock original, y sus canciones plantean una reflexión sobre el género y la plenitud que sigue llegando.

Conviene saber. Hedwig no está escrita como una mujer trans. En 2020, después de que activistas trans defendieran que en una producción de Sídney debería haberse elegido a una persona trans, Mitchell y Trask dijeron que el viaje de género del personaje se lo imponen a «un chico gay joven y afeminado» un novio y un gobierno, y que el papel está más cerca del drag, «una máscara al alcance de cualquiera». Algunas personas trans leen a Hedwig de otra manera.

Advertencias de contenido: coacción por parte de una pareja y de un Estado, abandono, trabajo sexual, contenido sexual

Famosas pero criticadas

Seguramente has oído hablar de ellas, y mucha gente trans siente hacia ellas algo entre la ambivalencia y la hostilidad. La queja más conocida tiene que ver con el reparto: actores cis, normalmente hombres, interpretando a mujeres trans, mientras a intérpretes trans les cuesta conseguir esos mismos papeles.

En 2018, Scarlett Johansson abandonó Rub & Tug, un proyecto de película en el que iba a interpretar a Dante «Tex» Gill, tras las críticas de intérpretes trans como Trace Lysette, y en su comunicado dijo que entendía «por qué muchas personas creen que debería interpretarlo una persona transgénero».

El reparto no es el único problema. Algunas de estas obras convierten el cuerpo de un personaje trans en un giro argumental, una la hizo un cineasta trans y aun así sufrió un boicot, y otra desató una disputa pública sobre a quién se reconoce el mérito en la historia trans. Están aquí porque te van a preguntar por ellas, porque algunas siguen valiendo la pena si se ven con los ojos abiertos y porque las discusiones forman parte de la historia.

The Crying Game (Juego de lágrimas) (1992, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Neil Jordan, Reino Unido. Stephen Rea interpreta a Fergus, Forest Whitaker a Jody, y Jaye Davidson, debutante sin experiencia en la interpretación, a Dil.

Un thriller que se convierte en historia de amor. Fergus, voluntario de una unidad del IRA en Irlanda del Norte, recibe el encargo de vigilar a Jody, un soldado británico negro secuestrado, y entre los dos hombres surge un vínculo improbable. Jody le pide a Fergus que, si le pasa algo, vaya a ver a su amante, Dil, en Londres.

Más tarde Fergus se va a Londres con otro nombre, encuentra a Dil y se enamora de ella mientras intenta dejar atrás su pasado. La película aborda la raza, la sexualidad y la identidad, y se hizo con una financiación precaria, reunida a base de retales.

Por qué importa. Fue un éxito de taquilla y una película de Óscar con una mujer trans en un papel protagonista: ganó el Óscar al mejor guion original, y Davidson recibió una nominación. Su escena central se parodió después en Ace Ventura, así que, aunque nunca la hayas visto, seguramente te has cruzado con chistes que vienen de ella. El documental Disclosure la trata como una de las películas que más peso han tenido en cómo se ha visto a las mujeres trans en pantalla, y eso hace que valga la pena conocerla, decidas lo que decidas sobre verla.

Conviene saber. En Estados Unidos, Miramax vendió la película con un secreto: un antiguo ejecutivo contó a The Hollywood Reporter que llamaron «periodista por periodista» para que no se desvelara. El secreto era que Dil es trans, así que su cuerpo, y el asco que le provoca a su amante, se convirtieron en el giro. Oliver Whitney, en Vulture, la sitúa en la tradición del «engaño trans». El documental Disclosure (2020) se detiene en la escena; quien lo dirigió, Sam Feder, dice que a las personas que participaron les resultó perturbadora, mientras que Zackary Drucker cuenta en la película que en su momento no vio el problema y solo vio a una mujer preciosa. Para Feder, se puede «amar las cosas de forma crítica».

Advertencias de contenido: secuestro y violencia con armas de fuego, una mujer trans que recibe el asco de su pareja y a la que golpean sin querer, desnudos, pensamientos suicidas

Boys Don't Cry (1999, largometraje)

Créditos: Dirección de Kimberly Peirce, guion de Peirce y Andy Bienen, Estados Unidos. Hilary Swank, que es cisgénero, interpreta a Brandon Teena, y Chloë Sevigny a Lana Tisdel.

Una dramatización de la vida de Brandon Teena, un joven hombre trans de la Nebraska rural que fue asesinado en 1993. Brandon se muda a Falls City, empieza a salir con un grupo de gente joven del lugar y se enamora de Lana.

La película sigue lo que ocurre cuando las personas de su entorno descubren que es trans. Está basada en hechos reales, y Peirce ficcionalizó partes de la historia, así que tómala como su versión de la vida de Brandon y no como un registro de ella.

Por qué importa. Para buena parte del público de 1999 fue el primer retrato sensible de una persona trans que había visto. Jude Dry, de IndieWire, escribe que en muchos sentidos fue el punto de partida de la conversación sobre la representación trans en el cine que todavía sigue abierta. Swank cuenta que hay gente que le ha escrito y que se le ha acercado llorando para darle las gracias. En 2019 se incorporó al National Film Registry de Estados Unidos.

Conviene saber. En noviembre de 2016, estudiantes del Reed College protestaron por la visita de Peirce al campus e interrumpieron su charla después de una proyección. Según Willamette Week, se oponían a que alguien no trans dirigiera la película y se beneficiara de representar la violencia contra personas trans, a que se eligiera a Swank en lugar de a un actor trans y a la explícita escena de violación; la universidad criticó la forma en que se interrumpió la charla. En 2019, Swank dijo que estaba «feliz de que los tiempos estén cambiando» y de que la gente pueda contar sus propias historias. Otras objeciones tenían que ver con la fidelidad a los hechos: Peirce eliminó a Philip DeVine, un hombre negro asesinado junto a Brandon, alegando que no tenía espacio, y la verdadera Lana Tisdel demandó por la forma en que se la retrataba.

Advertencias de contenido: acoso y violencia tránsfobos, un hombre trans al que exponen a la fuerza, una escena de violación explícita, policías que interrogan a una víctima sobre su género, asesinato (basado en hechos reales)

Transamerica (2005, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Duncan Tucker, Estados Unidos. Felicity Huffman interpreta a Bree, con Kevin Zegers como Toby. Para preparar el papel, Huffman trabajó con dos mujeres trans, Andrea James y Calpernia Addams, que la entrenaron en la voz.

Bree, una mujer trans de Los Ángeles, está cerca de dar un paso largamente esperado en su transición cuando recibe una llamada de una cárcel de Nueva York: un adolescente fugado de casa llamado Toby busca a la persona que lo engendró y a la que nunca ha conocido, y esa persona es Bree. Su terapeuta no le dará el visto bueno para seguir adelante hasta que se enfrente a ello.

Así que Bree vuela a Nueva York, paga la fianza de Toby sin decirle quién es, y los dos acaban cruzando el país juntos en coche, con una parada en casa de la familia de la que lleva mucho tiempo distanciada.

Por qué importa. Es una comedia dramática de carretera con una mujer trans como protagonista, no como víctima ni como villana, y Huffman estuvo nominada al Óscar por el papel. En un artículo de 2014 en IndieWire, Dominic Clarke la calificó de «tan adelantada a su tiempo» que el mundo del cine aún no la había alcanzado, señaló lo poco que las películas muestran a una persona corriente que resulta ser trans y elogió la humanidad con la que Tucker trata a Bree, también cuando su familia la rechaza.

Conviene saber. Encontramos menos críticas publicadas por personas trans sobre esta película que sobre las demás de este grupo, y la mayoría tienen que ver con el reparto. Paris Lees, una mujer trans que escribió en The Independent en 2014, calificó la interpretación de Huffman de «aproximación a una mujer trans» y destacó una escena que le pareció inverosímil, pese a que la producción había contado con asesoramiento trans. La propia Huffman dijo en 2014 que entiende y apoya la idea de que los papeles trans deben ir a intérpretes trans, porque las personas trans han estado «marginadas durante mucho tiempo».

Advertencias de contenido: uso del deadname, rechazo tránsfobo de una familia, con un momento invasivo por parte de la madre de Bree, referencias a abusos sexuales en la infancia y al suicidio de un progenitor en el pasado de Toby, trabajo sexual, consumo de drogas

Dallas Buyers Club (2013, largometraje)

Créditos: Dirección de Jean-Marc Vallée, guion de Craig Borten y Melisa Wallack, Estados Unidos. Matthew McConaughey interpreta a Ron Woodroof, y Jared Leto, que no es trans, a Rayon, una mujer trans ficticia.

Basada en la historia real de Ron Woodroof, un electricista texano heterosexual al que diagnosticaron el VIH a mediados de los años ochenta. Empieza a introducir en Estados Unidos fármacos contra el sida no aprobados y a distribuirlos a través de un club de socios, desafiando a la clase médica.

En el hospital conoce a Rayon, una mujer trans que vive con sida, y tras un comienzo hostil ella se convierte en su socia y, poco a poco, en su amiga. Woodroof existió; Rayon se inventó para la película.

Por qué importa. Es una película muy vista sobre los primeros años de la crisis del sida en Estados Unidos, y dio a la historia de una mujer trans un lugar destacado en una película que disfrutaron millones de personas. Leto ganó por ella un Globo de Oro y después un Óscar. Paris Lees, mujer trans, fue a verla esperando sentirse ofendida y no fue así: dijo que era estupenda, que Leto la hizo llorar y que probablemente habría que verla, con una ceja levantada.

Conviene saber. Las críticas se centraron sobre todo en quién interpretaba a Rayon y en cómo estaba escrita. Con el estreno, un artículo de opinión de Susan Rohwer en Los Angeles Times defendió que el papel debería haber sido para una intérprete trans, y citaba a Shawna Virago, del San Francisco Transgender Film Festival, que lo llamó una oportunidad perdida. El discurso de Leto en los Globos de Oro, en el que llamó a Rayon «criatura preciosa» y bromeó sobre depilarse las piernas, provocó indignación. Paris Lees escribió que Rayon es menos una persona que «una función», callada mientras incluso sus amistades la llaman «él». En un festival de 2014, una mujer le dijo a Leto que «la transmisoginia no merece un premio»; él le rebatió y después habló con ella.

Advertencias de contenido: enfermedad y muerte por sida, consumo de drogas, la misgeneran constantemente, hostilidad homófoba y tránsfoba

Transparent (2014, serie)

Créditos: Creada por Joey Soloway para Amazon, Estados Unidos; cinco temporadas, de 2014 a 2019. Soloway es una persona no binaria, usa they/them y figuraba en los créditos como Jill Soloway mientras se hizo la serie. Jeffrey Tambor, que es cisgénero, interpretó a Maura hasta que lo despidieron en 2018. Entre las personas trans que trabajaron en la serie están Our Lady J, guionista de plantilla, Zackary Drucker y Rhys Ernst en la producción, y la actriz Trace Lysette.

Los Pfefferman son una familia judía de Los Ángeles. Cuando Maura, profesora jubilada y madre de tres hijos adultos, sale del armario como mujer trans, la vida de toda la familia cambia, y ni ella ni sus hijos lo llevan siempre con elegancia.

La serie sigue a toda la familia, a menudo con flashbacks a su historia, y termina con un final musical en 2019. Soloway se inspiró libremente para crear a Maura en la transición de quien le dio la vida.

Por qué importa. En su mejor momento se la presentaba, en palabras de The Hollywood Reporter, como «un faro del progresismo social», recibió elogios de organizaciones como GLAAD y ganó Globos de Oro. También intentó cambiar quién hacía la serie: Soloway eligió a Our Lady J entre un grupo de mujeres trans que optaban a escribir para ella, y hubo personas trans trabajando delante y detrás de la cámara. Si te interesa cómo empezó la industria a contratar talento trans, forma parte de esa historia.

Conviene saber. La elección de Tambor, un hombre cis, se cuestionó desde el principio; en uno de los primeros pases, alguien del público la comparó con el blackface. Al recoger su Emmy en 2016, Tambor pidió a la industria que «dé una oportunidad al talento transgénero» y dijo: «No me disgustaría ser el último hombre cisgénero que interprete a una mujer transgénero en televisión». Ese mismo año, Soloway calificó de «absolutamente inaceptable» dar a un hombre cis el papel de una mujer trans. A finales de 2017, la antigua asistente de Tambor, Van Barnes, y la actriz Trace Lysette, ambas mujeres trans, lo acusaron de acoso sexual. Él negó sus versiones, y en febrero de 2018 lo despidieron de la serie.

Advertencias de contenido: misgenerar y uso del deadname, exclusión tránsfoba de espacios de mujeres, se habla de pensamientos suicidas, conflictos familiares

The Danish Girl (La chica danesa) (2015, largometraje)

Créditos: Dirección de Tom Hooper, guion de Lucinda Coxon a partir de la novela de David Ebershoff publicada en 2000; Reino Unido y Estados Unidos. Eddie Redmayne, un hombre cis, interpreta a Lili Elbe, y Alicia Vikander a Gerda Wegener.

Un drama romántico ambientado en el Copenhague y el París de los años veinte. Gerda y su cónyuge se dedican a la pintura. Un día Gerda le pide a su cónyuge que sustituya a una modelo que llega tarde, y esa pequeña petición abre una puerta: la persona con la que Gerda se casó empieza a vivir como Lili Elbe.

La película sigue la transición de Lili y lo que les exige a las dos mujeres y a su matrimonio. Llega a la vida de Lili a través de una novela que la ficcionalizó mucho, así que es una versión de su historia, no la historia.

Por qué importa. Puso la vida de una mujer trans en el centro de una gran película de premios, y es la vía por la que mucha gente oyó hablar por primera vez de Lili Elbe. Vikander, que ganó un Óscar por interpretar a Gerda, dijo en 2025 que ya parece «extremadamente anticuada», pero que consiguió que el tema se «debatiera, al menos». Incluso Casey Plett, a quien no le gustó, menciona a una mujer trans que conoce y a la que le encantó.

Conviene saber. La crítica trans fue dura con ella. Carol Grant, que escribía en IndieWire como mujer trans al comienzo de su propia transición, la calificó de «regresiva, reduccionista y dañina», y sostuvo que la cámara de Hooper se recrea con lascivia en la ropa y el cuerpo de Lili y reduce su condición de mujer a un estereotipo. La escritora Casey Plett, en The Walrus, encontró el guion «atroz y aburrido», criticó una escena inventada en la que a Lili le dan una paliza y dijo que debería haberla interpretado una mujer trans. La película se toma además muchas libertades con la vida real de Elbe. En 2021, Redmayne dijo a The Times que hoy no aceptaría el papel: «Hice esa película con la mejor de las intenciones, pero creo que fue un error».

Advertencias de contenido: una agresión tránsfoba en la calle, maltrato psiquiátrico, incluida la amenaza de un internamiento, misgenerar, desnudos, entornos médicos

The Death and Life of Marsha P. Johnson (2017, documental)

Créditos: Dirección de David France, que la coescribió con Mark Blane, Estados Unidos. Sigue a Victoria Cruz, mujer trans e investigadora del New York City Anti-Violence Project. France conocía a Johnson y cubrió su muerte como periodista.

El cuerpo de Marsha P. Johnson, veterana de la revuelta de Stonewall que cofundó el grupo activista STAR con Sylvia Rivera, apareció en el río Hudson en 1992. La policía lo calificó de suicidio; muchas de las personas que la conocían nunca lo aceptaron.

La película sigue a Victoria Cruz mientras reabre las preguntas sobre la muerte de Johnson, visita a viejas amistades y se topa con puertas cerradas, y entrelaza imágenes de archivo de Johnson y Rivera de sus años de organización política.

Por qué importa. Puso a Johnson y a Rivera, con sus propias voces y en imágenes, delante de un público enorme, y conecta la muerte de Johnson con la poca atención que sigue recibiendo la violencia contra las personas trans. Cruz la sostiene: Eric Kohn, de IndieWire, describe a una investigadora trans que nunca afloja el paso. Si quieres ver y oír a Johnson en lugar de solo leer sobre ella, la película reúne mucho material suyo.

Conviene saber. Cuando llegó a Netflix, Tourmaline (entonces conocida como Reina Gossett), cineasta trans negra que llevaba años investigando sobre Johnson, acusó a France de aprovecharse de su trabajo de archivo y de una solicitud de subvención para su propia película sobre Johnson, y de sacar provecho de vidas trans mientras ella pedía dinero prestado para pagar el alquiler. France negó haberse apropiado de su trabajo y dijo que llevaba años investigando la historia. Reconoció los obstáculos, mucho mayores, a los que ella se enfrenta como mujer trans racializada y dijo que «está mal que nuestros proyectos no hayan recibido la misma atención». Una investigación de The Advocate de 2018 concluyó que France había obtenido la licencia de la mayor parte de su material de archivo de otras fuentes, pero que el uso de 14 segundos de imágenes que vio por primera vez en una presentación de Tourmaline en 2015 respaldaba la acusación de ella. Tourmaline ha planteado la disputa como una cuestión de quién se beneficia del trabajo de las mujeres trans racializadas mientras a ellas no se les reconoce el mérito.

Advertencias de contenido: la muerte sin esclarecer de Marsha P. Johnson, indiferencia policial, violencia contra las personas trans, duelo

Girl (2018, largometraje)

Créditos: Dirección de Lukas Dhont, guion de Dhont y Angelo Tijssens; Bélgica, en neerlandés y francés. A Lara la interpreta Victor Polster, que no es trans. La película se inspiró en Nora Monsecour, bailarina profesional belga y mujer trans, que trabajó con Dhont en ella desde el principio.

Lara, una chica trans de 15 años, consigue una plaza a prueba en una exigente escuela de ballet de Amberes y se muda allí con su hermano pequeño y su padre, que la apoya sin dudarlo.

La película se mantiene muy cerca de Lara: las horas de trabajo en puntas, el dolor en el cuerpo, la impaciencia porque su transición avance y lo dura que es consigo misma.

Por qué importa. Ganó la Caméra d'Or a la mejor ópera prima y la Queer Palm en Cannes. Para Monsecour es su historia: escribió que hacerla la ayudó a aceptarse y que muestra el hogar lleno de cariño que tuvo la suerte de tener. Es también un caso claro en el que la crítica trans y la mujer trans cuya vida inspiró una película ven la misma obra de formas opuestas, algo que conviene saber antes de decidir si verla.

Conviene saber. Varias voces de la crítica trans la vieron de forma muy distinta a la crítica de Cannes. Oliver Whitney, en The Hollywood Reporter, la calificó de peligro para la comunidad trans, citando «una inquietante fascinación por los cuerpos trans», una cámara que insiste una y otra vez en la parte inferior del cuerpo de Lara, una escena explícita de autolesión y un mensaje dañino sobre la transición. También se cuestionó que se eligiera a un actor cis para una historia contada por dos hombres cis. Monsecour respondió en el mismo medio que la película «cuenta mi historia de una forma que no miente» y que descartarla porque Dhont y el protagonista son cis «me ofende». Dhont dijo que «todos queremos talento trans en pantalla», pero defendió haber elegido el reparto pensando en la empatía.

Advertencias de contenido: autolesiones explícitas, desnudos repetidos centrados en el cuerpo de Lara, acoso tránsfobo, un familiar que usa su deadname, dolor físico por el entrenamiento

Adam (2019, largometraje)

Créditos: Dirección de Rhys Ernst, cineasta trans, a partir de un guion de Ariel Schrag que adapta su novela de 2014, Estados Unidos. Nicholas Alexander interpreta a Adam, y en el reparto de la película hubo varias personas trans.

En el verano de 2006, Adam, un adolescente heterosexual y tímido, va a pasar una temporada con su hermana mayor, Casey, en Nueva York, donde el mundo de ella es queer y trans. En una fiesta conoce a Gillian, una lesbiana, que da por hecho que él es un hombre trans.

Adam no la corrige, y mantiene la mentira a medida que la relación crece y lo acogen en espacios donde las comunidades lesbiana y trans se encuentran y discuten.

Por qué importa. Es una película de un director trans que toma una idea dañina con mucha historia, la de que las personas trans engañan a la gente, y le da la vuelta. Oliver Whitney, voz trans de la crítica que fue a verla con recelo por la novela, consideró que subvierte con inteligencia el relato del «engaño trans», pincha en la presión que se ejerce sobre las personas trans para que revelen que lo son y muestra a un joven cis que aprende de un hombre trans una masculinidad más sana.

Conviene saber. La premisa provocó un boicot antes de que la mayoría de la gente hubiera visto la película: peticiones con más de 6000 firmas la tacharon de homófoba y tránsfoba, a partir de las críticas a la novela de Schrag, que Tom Leger, en una reseña, calificó de «extraña, hiriente y estrambótica» en su forma de tratar a los hombres trans. Un extra trans dijo además que lo habían misgenerado en el rodaje. Ernst dijo que la película se aparta del libro en aspectos importantes, Whitney señaló que elimina la escena más criticada de la novela, y Ernst añadió que «ahora mismo hay una guerra contra los matices». Sobre las acusaciones del rodaje, dijo que «es posible que se misgenerara a alguien sin querer» pese a la formación que había recibido el equipo.

Advertencias de contenido: un personaje cis que miente sobre ser trans, misgenerar, discusiones propias de la época sobre excluir a las mujeres trans de los espacios de mujeres

Emilia Pérez (2024, largometraje)

Créditos: Guion y dirección de Jacques Audiard, Francia, en español. Karla Sofía Gascón, mujer trans española, interpreta el papel protagonista, con Zoe Saldaña como la abogada Rita y con Selena Gomez.

Un musical criminal que su director llama ópera. Rita, una abogada de Ciudad de México con dificultades, que gana casos en contra de su propia conciencia, recibe una oferta de trabajo secreta y muy bien pagada. Quien la contrata es la temida cabeza de un cártel, que quiere su ayuda para fingir una muerte, desaparecer y hacer la transición.

La película mezcla canciones, melodrama y violencia de cárteles a todo volumen, y sigue lo que ocurre cuando empieza la nueva vida.

Por qué importa. Fue una enorme película de premios: ganó el Premio del Jurado en Cannes y cuatro Globos de Oro, obtuvo 13 nominaciones a los Óscar, y Gascón se convirtió en la primera persona abiertamente trans nominada a un Óscar de interpretación. Pienses lo que pienses de la película, esa nominación fue una primicia, y las peleas en torno a ella forman ya parte de la historia reciente del cine trans.

Conviene saber. La crítica trans estuvo entre la más dura. GLAAD la calificó de «un retrato profundamente retrógrado de una mujer trans» y señaló que los primeros elogios en Cannes vinieron de voces de la crítica que no eran trans; Drew Burnett Gregory, mujer trans que escribe en Autostraddle, la llamó «un desastre glorioso» construido sobre tópicos conocidos. En México, mucho público se burló de su español acartonado, de sus estereotipos y de que solo una persona del reparto principal fuera mexicana; Audiard respondió que es «una ópera, no una crítica de nada sobre México». A principios de 2025 resurgieron antiguas publicaciones de Gascón sobre los musulmanes, George Floyd y la diversidad en los Óscar. Ella dijo que lo sentía profundamente; Audiard las calificó de «odiosas».

Advertencias de contenido: violencia y asesinatos de cárteles, secuestros, la búsqueda de víctimas de desaparición forzada, personajes que reaccionan con rechazo ante el cuerpo de una mujer trans, misgenerar

Por dónde seguir

Algunas se ven mejor con otras personas trans que a solas, y la conversación de después es la mitad de la gracia. Si todavía estás buscando a esa gente, cómo hacer amistades trans y cómo encontrar un grupo de apoyo trans son buenos sitios para empezar.

Si quieres conocer la historia que hay detrás de algunas de estas películas, lee nuestros artículos sobre Marsha P. Johnson, Sylvia Rivera y Lili Elbe. Si prefieres leer a ver, la guía complementaria es libros escritos por personas trans y no binarias.

Una lista así envejece. Salen obras nuevas, la gente cambia la forma de describirse y la opinión de la crítica se mueve. Si ves un error, un crédito que hemos atribuido mal o algo que debería estar aquí, puedes escribirnos desde la página de contacto.