Film e serie TV trans e non binari da vedere

Questa è una guida per persone trans e non binarie adulte che stanno decidendo cosa guardare, non una classifica. Per ogni film o serie trovi chi l'ha realizzato, di che cosa si tratta, perché potrebbe contare per te, le critiche che ha ricevuto e che cosa si vede sullo schermo per cui potresti volere un avviso. Nessuna scheda rivela un finale.

Abbiamo scelto puntando sulla varietà più che sul prestigio: documentari e opere di finzione, lavori dagli anni Sessanta a oggi, film e serie da Belgio, Brasile, Canada, Cile, Francia, Giappone, Pakistan, Filippine, Spagna, Regno Unito e Stati Uniti. Donne trans, uomini trans e persone non binarie sono al centro di qualcosa, qui, e lo sono anche molte persone razzializzate. Abbiamo tenuto anche film famosi che a molte persone trans non piacciono. Prima o poi qualcuno te ne chiederà, e sapere perché sono stati criticati è utile di per sé.

Quando una scheda dice che una persona trans o non binaria ha scritto, diretto, prodotto o interpretato un'opera, quella persona lo ha detto pubblicamente, oppure è stata descritta così in un'intervista o in un profilo che compare tra le fonti della scheda. Non deduciamo l'identità di nessuno dal suo lavoro, dal suo aspetto o dai ruoli che interpreta. Se qualcuno non ne ha mai parlato, non diciamo nulla. Restano dei vuoti, e preferiamo i vuoti.

Ogni scheda riporta le proprie fonti. Non diciamo su quale piattaforma vedere un titolo, perché cambia ogni pochi mesi. Le avvertenze sui contenuti vengono da recensioni e descrizioni, non da un resoconto scena per scena: prendile come un punto di partenza, non come una garanzia. Nomi e pronomi sono quelli che le persone usano oggi, quindi nei crediti più vecchi può comparire un nome diverso.

Documentari

In un documentario, chi tiene la macchina da presa fa sempre parte della storia. Alcuni di questi film sono stati diretti da persone trans. Altri sono opera di persone che non si sono mai descritte come trans e che hanno passato anni con chi compare sullo schermo, e in qualche caso la tensione che ne nasce viene affrontata apertamente. Ogni scheda dice che cosa è documentato.

Se in questa pagina guardi una cosa sola, Disclosure è un buon punto di partenza: dà un nome a schemi che riconoscerai in quasi tutto il resto.

Southern Comfort (2001, documentario)

Chi c'è dietro: Regia, produzione, riprese e montaggio di Kate Davis, Stati Uniti. Il protagonista, Robert Eads, era un uomo trans, e nel film compaiono la sua compagna Lola Cola, una donna trans, e la sua famiglia scelta fatta di amicizie trans, tra cui Max e Cas.

Robert Eads era un uomo trans che viveva tra le colline della Georgia rurale: barba, pipa in mano, fiero di definirsi un hillbilly, un montanaro. Era gravemente malato di cancro ed era stato respinto da medici che non volevano un paziente trans. Kate Davis ha filmato l'ultimo anno della sua vita.

Nel corso delle stagioni lo vediamo innamorarsi di Lola, passare il tempo con la famiglia scelta che si è costruito, ricevere le visite dei genitori e del figlio, e inseguire il sogno di arrivare alla Southern Comfort Conference di Atlanta, un grande raduno di persone trans.

Perché conta. È una storia d'amore tra un uomo trans e una donna trans, e il ritratto di una famiglia scelta nel Sud rurale degli Stati Uniti: due cose ancora rare sullo schermo. Eads accettò di esporsi pubblicamente per la prima volta proprio per questo film perché, come disse a Davis, se fosse servito anche a un solo altro uomo trans ad andare da un medico, ne sarebbe valsa la pena. È anche una testimonianza dura di quanto costa la discriminazione in ambito medico.

Da sapere. Riguardando il film nel 2026, Blake Peterson, nella sua critica, concorda con quanto ha scritto Sally Jane Black: il film non è abbastanza arrabbiato per conto di Eads, perché Davis si concentra su chi era invece di fare i nomi dei medici che lo rifiutarono. Peterson segnala anche la tensione che nasce dal fatto che la sua storia sia presentata da una persona esterna con più potere sociale. Nelle sue note di produzione, Davis stessa scrive che diverse persone coinvolte non avevano fatto coming out, e questo ha limitato le riprese alla conferenza.

Avvertenze sui contenuti: negazione di cure mediche, malattia terminale e morte, misgendering da parte della famiglia, riferimenti al Ku Klux Klan

Screaming Queens: The Riot at Compton's Cafeteria (2005, documentario)

Chi c'è dietro: Regia, sceneggiatura e produzione di Susan Stryker e Victor Silverman, in associazione con ITVS e KQED per la televisione pubblica statunitense. Stryker, storica e donna trans, compare sullo schermo, e tra le persone intervistate ci sono donne trans che vivevano nel Tenderloin negli anni Sessanta, tra cui Felicia Elizondo, Amanda St. Jaymes e Tamara Ching.

Una notte d'agosto del 1966, nel quartiere del Tenderloin a San Francisco, la polizia entrò nella Gene Compton's Cafeteria, un locale aperto tutta la notte dove si ritrovavano donne trans, drag queen e giovani che si prostituivano per strada. Quando un agente afferrò una delle clienti, lei gli gettò il caffè in faccia e il locale esplose. Accadde tre anni prima di Stonewall, e fu quasi dimenticato.

Decenni dopo, la storica Susan Stryker ne trovò una traccia e andò a cercare le persone che c'erano state. Il film è costruito sulle loro interviste, insieme a quelle di un sergente di polizia, di membri del clero di una chiesa locale e di militanti del quartiere, e colloca la rivolta dentro la povertà della città, la riqualificazione urbana e i movimenti per i diritti civili degli anni Sessanta.

Perché conta. Se ti hanno insegnato che la storia trans comincia a Stonewall, questo film corregge il tiro, e a raccontarla sono in gran parte le donne trans del Tenderloin in prima persona. È breve, meno di un'ora, e si vede che è fatto per la televisione pubblica, ma ha contribuito a riportare Compton's nella memoria storica. Lega inoltre la sopravvivenza delle persone trans al lavoro, alla casa e all'azione della polizia, invece di trattare l'identità come se fosse tutta la storia.

Da sapere. La rivolta non lasciò quasi traccia scritta. All'epoca non ci fu copertura giornalistica, la notte esatta non è nota e, secondo NPR, l'unico resoconto scritto sopravvissuto è un breve articolo del 1972 dell'attivista Raymond Broshears. Il film si basa su ricordi raccolti decenni dopo, e questo è insieme il suo punto di forza e il suo limite.

Avvertenze sui contenuti: molestie e violenze della polizia, lavoro sessuale, uso di droghe, povertà

Bambi (2013, documentario)

Chi c'è dietro: Regia di Sébastien Lifshitz, Francia, in francese, un ritratto di circa un'ora. La protagonista, Marie-Pierre Pruvot, conosciuta sul palco come Bambi, è una delle prime donne trans in Francia ad aver fatto la transizione e ad averla vissuta pubblicamente.

Marie-Pierre Pruvot nacque nel 1935 nell'Algeria francese e sentì fin dall'infanzia di essere una bambina, anche se fu costretta a vivere da maschio. Da adolescente vide sul palco l'artista trans Coccinelle e decise di vivere come donna. Con il nome di Bambi divenne una stella dei cabaret parigini come Le Carrousel negli anni Cinquanta e Sessanta.

Poi, passati i 30 anni, tornò a studiare, diventò insegnante di francese e insegnò per decenni in una scuola alle porte di Parigi. Lifshitz si siede accanto a lei e la lascia raccontare. Il film ha vinto il Teddy Award come miglior documentario al Festival internazionale del cinema di Berlino del 2013.

Perché conta. Bambi ha attraversato decenni in cui, come ha detto Lifshitz, le parole per definirla non esistevano ancora, e racconta la sua vita con un vero talento da narratrice. È un'occasione rara per ascoltare una donna trans anziana descrivere una vita pubblica nella Parigi di metà Novecento e poi, dopo, una carriera lunga, ordinaria e rispettata. Ricorda che le donne trans, allora, avevano vite intere, non solo scandali.

Da sapere. La versione del 2013 dura meno di un'ora, e in seguito Lifshitz ha detto di sentire di «non essere andato fino in fondo» e di voler «riparare il film». Una versione di 90 minuti è andata in onda su Canal+ nel 2021. In entrambe le versioni si tratta essenzialmente della testimonianza di una sola donna, ed è questo il suo punto di forza.

Avvertenze sui contenuti: ostilità e rifiuto nella Francia di metà Novecento e nell'Algeria coloniale, pressioni durante l'infanzia per vivere da maschio

Kumu Hina (2014, documentario)

Chi c'è dietro: Regia e produzione di Dean Hamer e Joe Wilson, Stati Uniti (Hawaiʻi), in inglese e hawaiano, trasmesso nel 2015 da PBS nella serie Independent Lens. Hinaleimoana Wong-Kalu, insegnante māhū nativa hawaiana, è accreditata come haku moʻolelo (narratrice di storie) e voce narrante, e alla coproduzione ha partecipato Connie M. Florez, cineasta di origine nativa hawaiana.

Hinaleimoana Wong-Kalu, conosciuta come Kumu (insegnante) Hina, è una māhū nativa hawaiana, parola che secondo PBS indica chi incarna lo spirito sia maschile sia femminile. È direttrice culturale di una charter school in lingua hawaiana a Honolulu.

Il film la segue mentre usa la cultura tradizionale per incoraggiare una studentessa, Hoʻonani, a rivendicare il suo posto alla guida del gruppo di hula della scuola, composto solo da maschi. Nella vita privata desidera amore e un legame stabile, ed è sposata con un uomo tongano. È un film delicato, di osservazione, narrato con la voce della stessa Hina.

Perché conta. Mostra un genere che sta fuori dalle categorie occidentali come qualcosa di profondamente radicato, con un posto rispettato nella propria cultura, e non come un'idea nuova da spiegare. Hina non viene presentata come una santa: la recensione di IndieWire ha lodato il film perché la mostra coraggiosa e sicura di sé ma anche insicura, rispettata al lavoro e in difficoltà a casa. Fa vedere un lato delle Hawaiʻi che compare di rado sullo schermo.

Da sapere. Attenzione alle etichette. PBS e il sito del film traducono māhū con «transgender», ma nella recensione di IndieWire del 2014 si legge che definire Hina una donna trans significava imporle un termine importato dal continente, dato che māhū è la parola che lei usa per sé. La stessa recensione notava che il film non nasconde le crepe del suo matrimonio.

Avvertenze sui contenuti: tensioni e conflitti in un matrimonio

Bixa Travesty (2018, documentario)

Chi c'è dietro: Regia di Claudia Priscilla e Kiko Goifman, con la collaborazione di Linn da Quebrada alla sceneggiatura, Brasile, in portoghese. Linn, cantante e performer nera brasiliana, si definisce travesti, una parola portoghese che secondo lei porta con sé molta storia e che rivendica con orgoglio; nel film compare anche la sua amica e compagna di palco Jup do Bairro, anche lei musicista trans nera.

Linn da Quebrada è cresciuta nella periferia di San Paolo e fa una musica influenzata dal baile funk che smonta il machismo, il razzismo e le norme di genere. Bixa Travesty la segue sul palco con Jup do Bairro, in un set in stile podcast in cui parla direttamente alla macchina da presa, e a casa con sua madre, con cui parla di genere e di povertà.

Più che un ritratto convenzionale è un misto di performance, conversazione e scene costruite, una forma che Linn descrive non come finzione ma come qualcosa di «frizionale». È stato presentato in anteprima al Festival internazionale del cinema di Berlino e ha vinto il Teddy Award come miglior documentario.

Perché conta. Linn ha detto che il cinema «ha contribuito a costruire l'assenza della travesti» e che voleva un film che portasse il suo sguardo su sé stessa. Eccolo: una travesti nera che decide lei come essere vista, chiassosa, divertente e politica, in un paese in cui, secondo il Guardian, nel 2019 sono state uccise più persone trans che in qualsiasi altro luogo.

Da sapere. Chi ha diretto il film non ne è la protagonista, e Linn ha affrontato la questione di petto: ha detto di non volere un film su di lei ma un film fatto con lei, e lo chiama «il nostro film». Priscilla ha raccontato a Veja che Linn ha seguito ogni taglio del montaggio e ha avuto voce in capitolo quanto le due persone alla regia.

Avvertenze sui contenuti: discorsi franchi su sesso e corpo, discussione di immagini esplicite, transfobia e razzismo, tensioni familiari legate al genere

Happy Birthday, Marsha! (2018, cortometraggio)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Tourmaline (all'epoca accreditata come Reina Gossett) e Sasha Wortzel, Stati Uniti, con Zackary Drucker come consulente alla produzione; Mya Taylor interpreta Johnson ed Eve Lindley interpreta Rivera. Tourmaline si è descritta come una donna trans nera.

Questo è un cortometraggio di finzione, non un documentario. Immagina Marsha P. Johnson in una giornata calda del giugno 1969: organizza una festa di compleanno e non si presenta nessuno, mentre la sua amica Sylvia Rivera ha i suoi guai. Attraverso una giornata dura, fatta di molestie e solitudine, le due amiche arrivano allo Stonewall Inn, la notte in cui la polizia ha in programma di fare irruzione.

All'inizio Tourmaline e Wortzel volevano fare un documentario su Johnson e Rivera, poi hanno cambiato strada e sono passate a un corto narrativo, finanziato con una raccolta fondi su Kickstarter, che hanno descritto come una prova di concetto per un lungometraggio.

Perché conta. È un omaggio a due persone razzializzate che stanno al cuore della liberazione queer e trans, firmato da una donna trans nera che ha passato più di dieci anni a cercare la storia di Johnson negli archivi e nei salotti di casa. Ritrae Johnson e Rivera come due amiche alle prese con una giornata ordinaria e difficile, non solo come simboli. Guardalo come un omaggio, non come una ricostruzione storica.

Da sapere. Si prende delle libertà rispetto ai fatti documentati: il compleanno di Johnson era ad agosto, e in un'intervista successiva lei disse che la rivolta era già cominciata quando arrivò. Il film è anche al centro di una disputa pubblica con il documentario di David France The Death and Life of Marsha P. Johnson, di cui si parla più sotto, nella scheda di quel film.

Avvertenze sui contenuti: molestie della polizia e un'irruzione della polizia, uso di droghe, solitudine e rifiuto

Disclosure (2020, documentario)

Chi c'è dietro: Regia di Sam Feder, cineasta trans, produzione di Feder e Amy Scholder, con Laverne Cox, che compare anche nel film, nella produzione esecutiva, Stati Uniti. Feder ha raccontato a Deadline che al film hanno lavorato più di 150 persone trans e che, quando non si riusciva ad assumere una persona trans per un ruolo della troupe, si offriva un percorso di mentoring a una persona trans che fa cinema.

Disclosure ripercorre circa un secolo di cinema e televisione, soprattutto statunitensi, attraverso gli occhi delle persone trans che sono cresciute guardandoli. Laverne Cox, Jen Richards, Yance Ford, Lilly Wachowski, Angelica Ross, Brian Michael Smith, Chaz Bono, Susan Stryker e molte altre persone guardano spezzoni e raccontano che cosa quelle immagini hanno insegnato loro, e al resto del pubblico, su chi sono le persone trans.

Passa dal doloroso, come la «rivelazione» messa in scena per suscitare disgusto e il personaggio trans usato come barzelletta o come killer, all'inaspettatamente tenero, come Cox che ritrova qualcosa di sé in Yentl, o Stryker e Wachowski in Bugs Bunny.

Perché conta. Spesso queste immagini le abbiamo assorbite prima di avere le parole per descriverci. Disclosure dà un nome a tutto questo, e a parlare sono solo persone trans che recitano, scrivono o fanno ricerca, con persone trans anche dietro la macchina da presa. Feder ha descritto la lavorazione come un'esperienza «straziante e validante allo stesso tempo», e guardarlo può fare lo stesso effetto.

Da sapere. Parla quasi solo della cultura audiovisiva statunitense, e Feder ha detto che in quella montagna di materiale «manca ancora molto». Feder ha anche detto che la visibilità in sé non è l'obiettivo, perché a più visibilità si sono accompagnate più reazioni ostili, e il film tiene aperta questa tensione invece di risolverla.

Avvertenze sui contenuti: battute transfobiche e scene di «rivelazione», spezzoni che rappresentano le persone trans come ingannatrici, disgustose o violente, discussione della violenza contro le donne trans

No Ordinary Man (2020, documentario)

Chi c'è dietro: Regia di Aisling Chin-Yee e Chase Joynt, sceneggiatura di Chin-Yee e Amos Mac, Canada. Joynt è trans, e Billy Tipton è interpretato, nei provini e nelle scene, da attori che sono uomini trans, tra cui Marquise Vilsón e Scott Turner Schofield.

Billy Tipton era un pianista e cantante jazz che visse come uomo dal 1933, suonò nei locali di tutto il West e il Midwest americano e più tardi si stabilì a Spokane con la moglie Kitty e i loro tre figli adottivi. Quando morì, nel 1989, divenne pubblico che alla nascita gli era stato assegnato il sesso femminile, e tabloid e talk show trasformarono la vita della sua famiglia in uno spettacolo.

No Ordinary Man non cerca di stabilire chi fosse «davvero» Tipton. Chi ha fatto il film sottopone attori uomini trans a provini per scene scritte sulla sua vita, poi chiede loro che cosa smuove in loro quel ruolo. Persone trans che scrivono e fanno ricerca discutono di come è stata raccontata la sua storia, e suo figlio Billy Jr. parla del padre.

Perché conta. I film sulla mascolinità trans sono ancora pochi, e questo tratta con vera cura un uomo che non ha mai parlato per sé. È commovente vedere uomini trans di età e percorsi diversi riconoscersi in una vita vissuta prima delle parole che usiamo oggi, e discuterci. Joynt ha detto che l'obiettivo era mettere il racconto «nelle mani del maggior numero possibile di persone che si identificano come transmascoline».

Da sapere. Tipton non ha mai dato spiegazioni pubbliche su di sé, quindi ogni racconto su di lui è un'interpretazione. Il film discute apertamente con quella più nota, la biografia di Diane Wood Middlebrook del 1998, che secondo chi partecipa al film presentava la sua vita come una scelta pratica per poter lavorare nella musica. Richard Brody del New Yorker, che lo ha apprezzato, ha notato che il suo approccio meta ha dei limiti e che raramente si sofferma sul proprio processo.

Avvertenze sui contenuti: outing dopo la morte, spezzoni d'archivio di talk show e tabloid che trattano la vita di Tipton come una truffa, domande invadenti alla sua famiglia, discussione delle circostanze della sua morte

Framing Agnes (2022, documentario)

Chi c'è dietro: Regia di Chase Joynt, sceneggiatura di Joynt e Morgan M. Page, Canada. Joynt, che è trans, interpreta l'intervistatore, e le persone dei fascicoli clinici sono interpretate da Angelica Ross, Zackary Drucker, Jen Richards, Max Wolf Valerio, Silas Howard e Stephen Ira, interpreti trans, con la storica Jules Gill-Peterson come guida.

All'inizio degli anni Sessanta, una giovane donna trans nota con lo pseudonimo di Agnes partecipò alle ricerche sul genere del sociologo Harold Garfinkel alla UCLA e diventò un caso celebre della sociologia. Decenni dopo, Chase Joynt e la sociologa Kristen Schilt trovarono in uno schedario arrugginito le trascrizioni delle interviste di Garfinkel a lei e ad altre persone trans.

Framing Agnes rimette in scena quelle interviste come un talk show in bianco e nero in stile anni Sessanta, poi stacca su chi recita, su chi ha fatto il film e sulla storica Jules Gill-Peterson, che parlano di cosa significhi interpretare queste persone, di come vengono raccontate le storie trans e del perché cerchiamo delle icone. Nasce dal cortometraggio omonimo che Joynt ha girato nel 2019.

Perché conta. Gran parte della nostra storia più antica ci arriva attraverso cartelle cliniche e talk show. Invece di fingere di recuperare la «vera» Agnes, questo film consegna l'archivio a persone trans e lascia che ci discutano, e che discutano anche con l'idea stessa di icona trans. Come dice Angelica Ross nel film: «Abbiamo sentito le storie raccontate dal cacciatore, e non dal leone».

Da sapere. Sulla forma le recensioni sono state contrastanti. Su Paste, Shayna Maci Warner lo ha trovato «formalmente incompleto e frastagliato», ha scritto che usa troppo poco di quelle trascrizioni straordinarie e ha definito il suo approccio teorico piuttosto inaccessibile per un progetto costruito sulla testimonianza di persone trans comuni. Se cerchi una storia raccontata in modo lineare, non è questo il film.

Avvertenze sui contenuti: interviste di ricerca su genere e corpi rimesse in scena, persone trans passate al setaccio in stile talk show, spezzoni in cui la stampa fa a pezzi celebrità trans

Kokomo City (2023, documentario)

Chi c'è dietro: Regia, produzione, riprese e montaggio di D. Smith, Stati Uniti, con Lena Waithe e Rishi Rajani nella produzione esecutiva. Smith è una donna trans e una produttrice musicale vincitrice di un Grammy, e le quattro protagoniste del film sono donne trans nere.

Quattro donne trans nere che fanno o hanno fatto sex work, Daniella Carter e Dominique Silver a New York e Koko Da Doll e Liyah Mitchell ad Atlanta, parlano alla macchina da presa di D. Smith nelle loro camere da letto, in auto e a casa. Sono divertenti, dirette e taglienti quando parlano di clienti, di pericolo, di famiglia e del modo in cui gli uomini cis neri che le cercano in privato spesso le umiliano in pubblico.

Smith gira in bianco e nero con l'energia di un videoclip, aggiunge ricostruzioni ironiche e intervista anche alcuni uomini neri su desiderio, genere e mascolinità.

Perché conta. Non riduce le donne trans nere al trauma. Queste donne raccontano le proprie storie, alle proprie condizioni, a una regista che, stando al suo racconto, ha perso la carriera musicale e la casa dopo la transizione. Rifiuta la rispettabilità e i soliti discorsi prudenti, ed è proprio ciò che una parte del pubblico amerà e un'altra troverà difficile.

Da sapere. La recensione dell'Hollywood Reporter ha trovato che le interviste agli uomini neri a volte stonino accanto alla testimonianza delle donne. Peter Debruge di Variety ha segnalato una sequenza verso la fine, centrata sui corpi delle donne, come una scelta che parte del pubblico trans trova controversa. Koko Da Doll è stata uccisa a colpi d'arma da fuoco ad Atlanta nell'aprile 2023, pochi mesi dopo la prima, e il film è dedicato a lei.

Avvertenze sui contenuti: discorsi franchi sul sesso, nudità, un incontro violento con un cliente in cui compare una pistola, insulti usati dalle protagoniste, rifiuto da parte della famiglia, discussione della violenza contro le donne trans

Orlando, ma biographie politique (Orlando, My Political Biography) (2023, documentario)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Paul B. Preciado, Francia, in francese, prodotto da Les Films du Poisson con 24 Images e ARTE France. Preciado, filosofo nato in Spagna e residente a Parigi, descritto dalla sua produzione come scrittore e attivista transgender, ha scelto 26 persone trans e non binarie tra gli 8 e i 70 anni, per lo più senza esperienza professionale di recitazione.

Quando gli chiedono perché non abbia mai scritto la propria biografia, Paul B. Preciado risponde che l'ha già fatto Virginia Woolf, nel 1928. L'Orlando di Woolf è un poeta che cambia sesso e vive attraverso i secoli. Il film di Preciado è una lettera filmata a Woolf: il suo Orlando è uscito dal libro ed è vivo oggi, nelle 26 persone trans e non binarie che si presentano, una per una, come Orlando.

Leggono brani del romanzo, parlano della propria vita, delle famiglie e degli scontri con la psichiatria, e recitano scene su set volutamente artigianali, con camei degli artisti Pierre et Gilles e della scrittrice Virginie Despentes. È stato presentato in anteprima al Festival internazionale del cinema di Berlino del 2023, dove ha vinto il Teddy Award come miglior documentario.

Perché conta. Dà a un gruppo numeroso e vario di persone trans e non binarie, dall'infanzia alla vecchiaia, lo stesso ruolo da protagonista, e lascia che ognuna lo faccia proprio. È giocoso e furioso insieme, tratta il genere come una questione politica tanto quanto personale e legge un classico della letteratura come la nostra storia, raccontata da noi. Se ti piacciono i saggi più delle trame, comincia da qui.

Da sapere. È saggistico e a basso budget per scelta, con i set filmati anche oltre i bordi dell'inquadratura. Redmond Bacon di Journey Into Cinema, che lo ha apprezzato, lo ha comunque trovato «un po' teatrale e ripetitivo in alcuni punti». Preciado ha detto di voler evitare di dare «un'immagine fissa di che cosa sia l'essere trans», quindi aspettati idee e voci più che una storia.

Avvertenze sui contenuti: discussione del controllo psichiatrico sull'accesso alla transizione, rifiuto da parte della famiglia e transfobia, discorsi franchi sulla transizione

The Stroll (2023, documentario)

Chi c'è dietro: Regia di Kristen Lovell e Zackary Drucker per HBO Documentary Films, Stati Uniti. Entrambe sono cineaste trans, e Lovell, che è nera, ha fatto lei stessa sex work sulla Stroll negli anni Novanta ed è una delle voci del film.

Per decenni il tratto della West 14th Street vicino al fiume Hudson, oggi negozi di lusso e High Line, è stato il luogo in cui molte donne trans nere e latine si guadagnavano da vivere con il lavoro sessuale. Lo chiamavano The Stroll. Kristen Lovell era una di loro. Ha cominciato a filmare le altre donne lì intorno ai 19 anni e, anni dopo, insieme a Zackary Drucker, è tornata a cercare quelle che erano sopravvissute.

Il film intreccia le loro conversazioni con i servizi dei telegiornali che un tempo le trattavano come un problema, animazioni a ritaglio e la storia di come l'azione della polizia e la gentrificazione le abbiano spinte via, compreso l'omicidio di Amanda Milan nel 2000 e la risposta della comunità.

Perché conta. È storia trans raccontata dalla strada, dalle donne che l'hanno vissuta, e non chiede scusa per il lavoro sessuale né lo trasforma in un racconto ammonitore. Drucker ha detto che il cliché della sex worker ha spinto le persone a concentrarsi su altre storie, e questo ha cancellato queste donne dalla nostra storia. L'eredità di Sylvia Rivera lo attraversa da cima a fondo.

Da sapere. Fionnuala Halligan di Screen Daily ha notato che non è una ricostruzione storica fondata sui dati: non c'è un elenco delle persone morte, si dice poco su che fine abbiano fatto quelle scomparse e non si parla apertamente di AIDS né dell'epidemia di crack. Include anche un vecchio spezzone in cui RuPaul prende in giro le donne di quell'isolato, uno spezzone che chi ha diretto il film ha scelto di mostrare.

Avvertenze sui contenuti: l'omicidio di Amanda Milan, abusi della polizia, carcerazione, violenza da parte dei clienti, uso di droghe, filmati d'archivio che deridono le donne trans

Film con persone trans al centro

Opere di finzione con personaggi trans al cuore della storia, per lo più affidati a interpreti trans. Alcuni film sono scritti e diretti da persone trans; altri sono diretti da persone che non si sono descritte come trans e che hanno lavorato con interpreti trans nei ruoli principali. Sono in gran parte piccoli film indipendenti, diversi non sono in inglese, e non tutti sono delicati.

By Hook or by Crook (2001, film)

Chi c'è dietro: Scritto, diretto e prodotto da Silas Howard e Harry Dodge, che ne sono anche protagonisti, con Stanya Kahn alla co-sceneggiatura (Stati Uniti). Howard è un regista trans e usa il pronome he. Dodge usa he, si è descritto come «una specie di butch macho» e ha detto di aver evitato a lungo qualsiasi discorso sul genere.

Shy (Howard), che chi ha fatto il film descrive come «un bel butch di provincia che scompiglia il genere», lascia il Kansas per San Francisco dopo la morte del padre. Lì conosce Valentine (Dodge), cresciuto in adozione e alla ricerca della madre biologica, e i due diventano migliori amici e piccoli complici nel crimine, insieme a Billie (Kahn), l'amante di Val. Sono al verde, un po' persi e sicurissimi l'uno dell'altro.

Perché conta. Girato quasi senza soldi da due artisti della scena queer punk e performativa di San Francisco, è un buddy movie su due outsider butch in cui, come ha scritto IndieWire, Shy e Val non mettono mai in discussione il genere l'uno dell'altro. IndieWire lo ha anche definito uno dei film trans più influenti mai realizzati. È un pezzo di storia trans e butch che sembra ancora vivo.

Da sapere. È girato in mini DV e ha un aspetto grezzo. All'epoca le recensioni furono contrastanti: Robert Koehler di Variety lo trovò noioso, e Wesley Morris (Boston Globe) lo definì «non particolarmente riuscito». Nel 2022 Howard e Dodge hanno raccontato a Filmmaker Magazine che stavano raccogliendo fondi per restaurarlo.

Avvertenze sui contenuti: piccoli reati, risse, povertà, lutto per la morte di un genitore, la minaccia dell'arresto

Tangerine (2015, film)

Chi c'è dietro: Regia di Sean Baker, sceneggiatura di Baker e Chris Bergoch (Stati Uniti), girato con degli iPhone 5s. Le due protagoniste, Kitana Kiki Rodriguez e Mya Taylor, sono attrici trans e, secondo Variety, hanno dato un contributo significativo alla sceneggiatura.

È la vigilia di Natale a Hollywood. Sin-Dee Rella (Rodriguez), una sex worker trans, ha appena finito di scontare 28 giorni di carcere quando la sua migliore amica Alexandra (Taylor) si lascia sfuggire che il fidanzato di Sin-Dee, che è anche il suo protettore, la tradisce. Sin-Dee attraversa il quartiere come una furia per trovare lui e l'altra donna, mentre Alexandra distribuisce volantini per una serata in cui canterà e a cui spera che qualcuno venga davvero.

È veloce, rumoroso e molto divertente, e una trama parallela segue un tassista armeno che ha anche lui un segreto.

Perché conta. Due donne trans razzializzate reggono l'intero film, e possono essere dispettose, leali, furiose ed esilaranti invece che lezioni tragiche a uso di qualcun altro. Produzione e distribuzione hanno portato avanti quella che è stata descritta come la prima campagna per i premi a favore di attrici trans, e Mya Taylor è diventata la prima donna trans a vincere un Gotham Award. La vera storia d'amore è l'amicizia tra Sin-Dee e Alexandra.

Da sapere. The Advocate ha riportato le critiche rivolte al film per aver mostrato, ancora una volta, le donne trans come sex worker. Rodriguez ha risposto: «Direi che è realistico». Taylor, che aveva fatto lei stessa sex work, ha usato l'attenzione ricevuta per parlare apertamente contro lo stigma che lo circonda.

Avvertenze sui contenuti: lavoro sessuale mostrato senza filtri, uso di droghe, insulti e molestie transfobiche, scontri fisici, polizia

Karera ga honki de amu toki wa (Close-Knit) (2017, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Naoko Ogigami (Giappone, in giapponese). Rinko, la donna trans al centro del film, è interpretata da Toma Ikuta, descritto nella recensione di Seventh Row come un attore uomo cisgender. Le fonti che abbiamo trovato non documentano persone trans tra gli interpreti principali o nei ruoli chiave della troupe.

Tomo ha 11 anni ed è abituata a cavarsela da sola. Ogni volta che sua madre scappa con un uomo nuovo, Tomo va a stare dallo zio Makio. Questa volta Makio vive con la sua fidanzata Rinko, una donna trans che si occupa della loro casa con grande cura e che lavora a maglia. Rinko accoglie Tomo con un calore che la bambina non ha mai conosciuto, e i tre cominciano a sentirsi una famiglia, anche se non tutti intorno a loro la prendono bene.

Perché conta. È un film familiare giapponese, delicato e pensato per il grande pubblico, in cui una donna trans è amata, rispettata e necessaria. Elena Lazic (Seventh Row) lo ha definito una pietra miliare per una cinematografia nazionale che riconosce molto di rado l'esistenza delle persone trans, figurarsi in una luce positiva. Ha vinto il Teddy Special Jury Award alla Berlinale.

Da sapere. Rinko è interpretata da un uomo cis. Lazic ha scritto che «è ovviamente un peccato che Rinko sia interpretata da un attore uomo cisgender, Toma Ikuta», e ha trovato il film «deludentemente conservatore», con «un approccio decisamente non conflittuale alla transfobia». La stessa recensione ne ha lodato il calore.

Avvertenze sui contenuti: trascuratezza di una bambina, ostilità transfobica e omofoba da parte di un genitore, un ragazzo che nasconde di essere gay

Una mujer fantástica (Una donna fantastica) (2017, film)

Chi c'è dietro: Regia di Sebastián Lelio, sceneggiatura di Lelio e Gonzalo Maza. Film cileno coprodotto con Germania e Spagna, in spagnolo. Daniela Vega, che interpreta Marina, è una donna trans; è entrata nel progetto come consulente per la sceneggiatura, prima che Lelio le offrisse il ruolo da protagonista.

Marina è una cantante e cameriera di Santiago che vive con il compagno più grande di lei, Orlando. Quando lui muore all'improvviso una notte, la famiglia di lui e la polizia la trattano non come una compagna in lutto ma come una sospettata e un problema da gestire. Viene interrogata, le si intima di stare lontana dal funerale e viene cacciata dalla casa che condividevano, e intanto continua a cercare un modo per dirgli addio alle sue condizioni.

Perché conta. Vega interpreta Marina con una dignità ostinata che non chiede mai pietà al pubblico, e il film resta dalla sua parte. Ha vinto l'Oscar per il miglior film in lingua straniera, il primo del Cile in quella categoria, e Vega è diventata la prima persona trans a presentare sul palco degli Oscar. In Cile, dove una legge sull'identità di genere avanzava a rilento in Parlamento, militanti trans l'hanno indicata come un modello.

Da sapere. Lelio e Maza hanno raccontato al Guardian che quando hanno cominciato a scrivere non conoscevano nessuna persona trans in Cile, ed è per questo che hanno coinvolto Vega. Una parte della critica ha trovato il film più interessato a ciò che viene fatto a Marina che a chi è: Emily Yoshida (Vulture) avrebbe voluto che Vega e Lelio «ci lasciassero entrare un po' di più, per vederla come individuo, al di là dell'ostilità che incontra», e Christopher Gray (Slant) lo ha definito regressivo.

Avvertenze sui contenuti: lutto, ostilità transfobica da parte della famiglia del compagno, misgendering e uso del deadname da parte della polizia, un esame forzato e umiliante imposto dalla polizia, un'aggressione e un sequestro da parte di familiari

Lingua Franca (2019, film)

Chi c'è dietro: Scritto, diretto, prodotto e montato da Isabel Sandoval, che ne è anche la protagonista (produzione filippina e statunitense, in gran parte in inglese). Sandoval è una donna trans filippina, immigrata e residente a Brooklyn, come il suo personaggio, e ha detto che è il primo film che ha realizzato dopo la sua transizione.

Olivia è una donna trans filippina senza documenti che lavora come badante convivente per Olga, un'anziana ebrea di origine russa di Brighton Beach, a Brooklyn, che comincia a perdere la memoria. Olivia manda soldi a casa e sta pagando un uomo americano per un matrimonio che potrebbe farle ottenere la green card. Poi in casa arriva a vivere Alex, il nipote adulto di Olga, appena uscito da un percorso di disintossicazione, e tra Olivia e lui comincia qualcosa di lento e incerto, mentre la paura dei raid dell'immigrazione non esce mai dalla stanza.

Perché conta. Qui è una donna trans razzializzata a raccontare con la propria voce una storia di desiderio, lavoro e documenti, e a interpretarla lei stessa. L'essere trans di Olivia fa parte della sua vita, non è l'intera trama. Sandoval ha detto di aver preso in prestito di proposito la forma di un melodramma riconoscibile, perché il film potesse mostrare che Olivia è «più di una donna trans in cerca d'amore, o di un'immigrata senza documenti». Se ti è mai capitato di mettere sui piatti della bilancia la sicurezza e l'intimità, lo sentirai vicino.

Da sapere. È silenzioso e trattenuto per scelta, e non tutta la critica lo ha seguito: Stephen Dalton (The Hollywood Reporter) lo ha definito «una delusione fiacca e dilettantesca», e Jeannette Catsoulis (The New York Times) lo ha trovato «troppo timido sul piano drammatico e troppo esile sul piano narrativo per smuovere qualcosa».

Avvertenze sui contenuti: paura dei raid dell'immigrazione e dell'espulsione, scherni transfobici, alcol e dipendenza, outing e violazione della privacy, contenuti sessuali

Port Authority (2019, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Danielle Lessovitz (Stati Uniti e Francia), prodotto con la società di Martin Scorsese. Leyna Bloom, che interpreta Wye, è un'attrice trans razzializzata che viene dalla comunità ballroom; Lessovitz ha detto di non aver mai preso in considerazione, per quel ruolo, qualcuno che non fosse trans.

Paul, un ventenne senza un posto dove stare, arriva al terminal degli autobus di Port Authority, a New York, e rimane colpito da Wye, una giovane donna che fa voguing sul marciapiede con la sua famiglia ballroom. Finisce diviso tra due mondi: un gruppo di tipi machi che gli trovano lavoro con gli sfratti, e la house kiki di Wye, nella scena ballroom. La loro storia d'amore comincia prima che lui sappia che lei è trans, e il film segue che cosa ne fa lui.

Perché conta. Bloom è diventata la prima attrice trans razzializzata protagonista di un film a Cannes, e porta sullo schermo la vera vita della ballroom: «Sono una donna trans della ballroom che interpreta un personaggio», ha detto al Los Angeles Times. Anche le recensioni negative hanno lodato lei, e le scene con la sua famiglia della house sono il motivo per guardarlo.

Da sapere. La storia è raccontata dal punto di vista di Paul, e la critica lo ha fatto notare. Odie Henderson (RogerEbert.com) ha scritto che Wye è «a volte quasi un ripensamento» e che «è un peccato che questo film non parli davvero di loro». Robert Daniels (The Playlist) lo ha definito «l'ennesimo film miope che usa le persone nere come lezione per outsider bianchi e ignoranti».

Avvertenze sui contenuti: insulti omofobi e transfobici, una rapina per strada, aggressioni omofobe, sfratti, bugie e una relazione nascosta

Joyland (2022, film)

Chi c'è dietro: Regia di Saim Sadiq, sceneggiatura di Sadiq e Maggie Briggs (Pakistan, in urdu e punjabi). Alina Khan, che interpreta Biba, è un'attrice trans di Lahore che era già stata protagonista di Darling, il cortometraggio di Sadiq.

A Lahore, Haider, il figlio minore e disoccupato di un patriarca che vuole un nipote maschio, accetta di nascosto un lavoro come ballerino di fila in un teatro di danza erotica. La stella dello spettacolo è Biba, una ballerina trans dalla lingua tagliente e dalle grandi ambizioni, e Haider si innamora di lei. A casa, a sua moglie Mumtaz viene ordinato di lasciare il lavoro al salone di bellezza che ama. Il film segue ciò che questa casa piena di regole fa a chiunque ci viva.

Perché conta. Biba è orgogliosa, divertente, esigente e decisa a diventare una star, ed è interpretata da un'attrice trans della città in cui il film è ambientato. Sadiq ha detto che «è semplicemente rinfrescante vedere un personaggio trans pieno di forza che per di più ha la pelle scura, è musulmano e vive in un paese come il Pakistan». Ha vinto il Premio della giuria nella sezione Un Certain Regard e la Queer Palm a Cannes.

Da sapere. Il governo pakistano lo ha vietato nel novembre 2022 dopo le proteste di religiosi intransigenti che lo avevano definito «ripugnante». Il divieto federale è stato revocato, ma la provincia del Punjab, dove si trova Lahore, ha mantenuto il proprio; nell'agosto 2025 Dawn ha riferito che sarebbe stato finalmente proiettato a Lahore, in uno spazio per eventi. Da notare: il protagonista è Haider, non Biba.

Avvertenze sui contenuti: violenza contro le donne trans (viene descritto un omicidio), palpeggiamenti e molestie sessuali, domande volgari sul corpo di una donna trans, controllo patriarcale, contenuti sessuali, una morte improvvisa in famiglia

Monica (2022, film)

Chi c'è dietro: Regia di Andrea Pallaoro, sceneggiatura di Pallaoro e Orlando Tirado (Stati Uniti e Italia). Trace Lysette, che interpreta Monica, è un'attrice trans; ha fatto il primo provino per il ruolo nel 2016.

Monica, una donna trans, riceve una telefonata dalla cognata: sua madre, che l'ha rifiutata quando era adolescente, è gravemente malata. Monica torna nella casa di famiglia per aiutare ad assisterla. La madre, che non la vede da prima della transizione e la cui malattia colpisce anche la mente, non la riconosce, e Monica decide di non dirle chi è.

Perché conta. È un raro ruolo da protagonista per una donna trans, e Lysette lo regge quasi senza discorsi, con gli sguardi e il respiro trattenuto. Il film capisce il distacco dalla famiglia dall'interno: tornare a casa come una persona estranea, prendersi cura di chi ti ha ferito, desiderare qualcosa che non puoi chiedere. È stato presentato in concorso a Venezia, dove secondo Out ha ricevuto 11 minuti di applausi in piedi.

Da sapere. La sua misura non convince tutti: Jon Frosch (The Hollywood Reporter) lo ha definito «un fiacco esercizio di formalismo» che «sembra un film perennemente in difficoltà nel creare un legame». È silenzioso e lento, e spiega pochissimo.

Avvertenze sui contenuti: rifiuto da parte di un genitore, grave malattia di un genitore, distacco dalla famiglia, solitudine

Something You Said Last Night (2022, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Luis De Filippis (Canada e Svizzera, in inglese e italiano). De Filippis è una donna trans. Carmen Madonia, che interpreta Ren, è trans ed era alla sua prima esperienza in un film, e De Filippis ha organizzato un programma di mentoring che ha portato nella troupe cinque giovani trans.

Ren ha circa venticinque anni, sogna di fare la scrittrice, ha appena perso il lavoro e si è fatta trascinare in una vacanza estiva di una settimana con i genitori italo-canadesi e la sorella, in una località balneare dell'Ontario. La storia è più o meno tutta qui: battibecchi, noia, una madre che si preoccupa troppo, sorelle che litigano per un cappello pacchiano. Ren è divisa tra il desiderio di una vita indipendente e la facilità con cui può lasciare che la famiglia torni a prendersi cura di lei.

Perché conta. Non c'è nessun coming out, nessuna trama sulla transizione e nessuna violenza in agguato dietro l'angolo. De Filippis ha detto di essere stanca dei film trans raccontati da una prospettiva cis e fissati sulla transizione o sul coming out. Mel Woods, nella recensione per Xtra, racconta di aver aspettato con i nervi tesi un misgendering o una frase crudele che non sono mai arrivati. Ren può essere lunatica, affettuosa e un po' persa, come chiunque in vacanza con la famiglia.

Da sapere. La sua quiete, per qualcuno, è anche il suo limite: Lovia Gyarkye (The Hollywood Reporter) ha trovato che, senza uno sguardo più profondo su Ren, «a tratti può risultare involontariamente impenetrabile», ed Erik Piepenburg (The New York Times) avrebbe voluto che a muoverlo ci fosse qualcosa di più del naturalismo e della tenerezza.

Avvertenze sui contenuti: litigi e tensioni familiari (le recensioni notano che evita la violenza transfobica e il misgendering)

20.000 especies de abejas (20.000 specie di api) (2023, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Estibaliz Urresola Solaguren, al suo primo lungometraggio (Spagna, in spagnolo, basco e francese). La regista ha lavorato con Naizen, un'associazione di famiglie di minori trans, per rendere con fedeltà l'esperienza della bambina.

Durante un'estate nei Paesi Baschi, una bambina di otto anni che si fa chiamare con un soprannome e che, dentro di sé, si pensa come Lucía passa del tempo nella casa della nonna con la madre Ane e i fratelli. La casa è legata all'apicoltura, e Ane, scultrice nel pieno di una sua crisi di mezza età, lavora con la cera d'api di famiglia. Mentre Lucía cerca di farsi capire, anche le donne di tre generazioni che la circondano cominciano a guardare a fondo nelle proprie vite.

Perché conta. Guarda una bambina trans con pazienza e delicatezza, e il dramma è la lenta comprensione della famiglia, non l'esistenza della bambina. Sofía Otero è diventata la più giovane vincitrice di sempre dell'Orso d'argento per la migliore interpretazione da protagonista alla Berlinale. Se ricordi un'infanzia in cui sapevi già quello che nessuno intorno a te aveva capito, alcune parti ti colpiranno forte.

Da sapere. Leigh Monson (The A.V. Club) ha fatto notare che Urresola Solaguren non è trans, e che quindi ci sono limiti a quanto il film possa scendere nei sentimenti di Lucía, e ha trovato difetti nel ritmo e nella profondità, pur lodandone l'empatia.

Avvertenze sui contenuti: misgendering e nome di nascita di una bambina usato in famiglia, la negazione da parte di un genitore, accenni ai pregiudizi di uno dei nonni, la paura di una bambina di essere rifiutata

Mutt (2023, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Vuk Lungulov-Klotz (Stati Uniti, in inglese e spagnolo). Lungulov-Klotz è un uomo trans e si è ispirato alla propria vita di figlio di genitori cileni e serbi. Lío Mehiel, protagonista, è trans, usa i pronomi they/them e ha detto di sé di avere «generi misti» e radici portoricane e greche.

Nell'arco di una giornata frenetica a New York, Feña, un giovane uomo trans, si scontra con tre persone che ha perso di vista dopo la transizione: il suo ex fidanzato etero, la sorellastra più piccola con cui non ha più rapporti, e suo padre, che arriva in aereo dal Cile e va preso all'aeroporto. Ognuna di queste persone deve incontrare chi Feña è oggi, e lui deve decidere quanto di sé è disposto a continuare a spiegare.

Perché conta. Gli uomini trans sono ancora raramente al centro di un film, e questo è stato fatto dall'interno, con un cast e una troupe in gran parte trans e queer. Mehiel è la prima persona trans ad aver vinto al Sundance il Premio speciale della giuria per l'interpretazione nella sezione U.S. Dramatic. È onesto sui piccoli costi quotidiani, come il misgendering in banca, e altrettanto onesto sulla tenerezza e sul desiderio.

Da sapere. Clayton Dillard (Slant) ha scritto che «Feña soffre perché altre persone trans non debbano soffrire», il che, secondo la recensione, «riduce Mutt a un telefilm educativo per ragazzi». Lungulov-Klotz ha detto che il pubblico trans tende a trovare il film equilibrato e dolce, mentre chi non è trans pensa che faccia passare parecchio al suo personaggio.

Avvertenze sui contenuti: misgendering, un padre che mette in discussione e sminuisce la transizione del figlio, distacco dalla famiglia, intimità sessuale

I Saw the TV Glow (2024, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Jane Schoenbrun (Stati Uniti), con Justice Smith e Jack Haven. Schoenbrun è trans, usa i pronomi they/them e ha scritto il film dopo il coming out. Nei crediti Haven compare con il nome precedente, Brigette Lundy-Paine; ha fatto coming out come persona non binaria nel 2019 e ha annunciato il nome Jack Haven nel 2025.

Nel 1996 Owen (Smith) e Maddy (Haven), due adolescenti di periferia che vivono in solitudine, legano grazie a The Pink Opaque, una serie TV in onda a tarda sera su due ragazze con un legame psichico che combattono un cattivo. Owen non ha il permesso di restare alzato fino a tardi per vederla, così Maddy la condivide con lui. Con il passare degli anni la serie comincia a sembrare loro più reale della loro stessa vita, e il confine tra le due si fa sempre più sfocato.

Perché conta. Schoenbrun lo ha descritto come un film sull'uovo che si schiude e sulla disforia come l'ha vissuta per 30 anni prima di avere le parole per dirla: interna, subliminale, a volte terrificante. Non c'è nessuna scena di coming out e nessuna storia di transizione, solo la sensazione. Se hai passato anni a sentire che qualcosa non andava senza sapere cosa, questo è un film fatto dall'interno di quella sensazione.

Da sapere. È un'allegoria, lenta e volutamente scomoda, non una visione rassicurante. Una parte della critica l'ha trovato faticoso: Amy Nicholson (Los Angeles Times) lo ha definito «una raccolta di scene plumbee che potrebbero far venire al pubblico voglia di strapparsi la pelle di dosso».

Avvertenze sui contenuti: autolesionismo mostrato in modo esplicito, depressione e crollo psicologico, un genitore controllante, malattia e morte di un genitore, immagini di sepoltura

Serie TV

La televisione dà spazio a un personaggio: più stagioni per avere amicizie, un lavoro, giornate storte e una vita sentimentale. Queste serie sono qui per quello che hanno fatto con i personaggi trans e non binari. In alcune quei personaggi sono tutta la storia; in altre sono un filo tra tanti, e ogni scheda dice in quale dei due casi siamo.

Orange Is the New Black (2013, serie TV)

Chi c'è dietro: Creata da Jenji Kohan per Netflix, Stati Uniti, a partire dal memoir di Piper Kerman sulla sua detenzione; sette stagioni, dal 2013 al 2019. Laverne Cox, che si è descritta come «una donna transgender afroamericana, e orgogliosa di esserlo», interpreta Sophia Burset, un personaggio ricorrente.

La serie segue Piper Chapman, una donna bianca privilegiata finita in un carcere femminile, poi allarga lo sguardo alle donne che la circondano. Questa scheda riguarda una di loro: Sophia Burset, la parrucchiera del carcere, ex vigile del fuoco che sconta una pena per frode con carte di credito. Sua moglie, Crystal, ha accettato la sua transizione. Suo figlio, Michael, fatica ad accettarla e ha smesso di parlarle.

Uno dei primi episodi torna alla vita di Sophia prima del carcere, compresa una scena tenera in cui Crystal la aiuta a vestirsi da donna per la prima volta. Nelle stagioni successive, dietro le sbarre, Sophia deve affrontare prove molto più dure.

Perché conta. Nel 2013 TV Guide ha definito una prima volta, per la televisione generalista, il fatto che una donna trans razzializzata interpretasse una donna trans razzializzata. Sophia è un genitore, una moglie, un'amica e una donna d'affari, non una battuta. Cox è diventata la prima persona trans candidata a un Emmy, nel 2014, e la prima persona trans sulla copertina di Time. TV Guide ha ipotizzato che per buona parte del pubblico fosse probabilmente la prima persona trans mai vista, in TV o altrove.

Da sapere. Sophia è un personaggio secondario in una serie costruita attorno a Piper; Kohan ha definito Piper il suo «cavallo di Troia» per portare in TV le storie di donne nere, latine e più anziane. Per questo lo spazio di Sophia sullo schermo è discontinuo nel corso delle sette stagioni, e diverse delle sue trame successive ruotano attorno a ciò che il sistema carcerario le fa.

Avvertenze sui contenuti: carcere, misgendering, derisione e minacce, un carcere che nega a una donna trans le cure di cui ha bisogno, un'aggressione transfobica, un lungo periodo di isolamento, violenza sessuale che coinvolge altri personaggi, tossicodipendenza

Boy Meets Girl (2015, serie TV)

Chi c'è dietro: Creata e scritta da Elliott Kerrigan, prodotta da Tiger Aspect per BBC Two, Regno Unito; due stagioni, 2015 e 2016. Rebecca Root, che interpreta Judy, è una donna trans, e la BBC si è impegnata fin dall'inizio ad affidare il ruolo a una persona trans.

Leo ha 26 anni, ha appena perso di nuovo il lavoro e sua madre non gli dà tregua. Judy ne ha 40. Al primo appuntamento gli dice di essere trans. Lui è ancora interessato, e la sitcom li segue mentre si innamorano e fanno i conti con le rispettive famiglie, che non sempre sono pronte.

Nella forma è una sitcom familiare britannica tradizionale: madri, fratelli e sorelle, cene imbarazzanti e battute grossolane, il tutto costruito attorno a una storia d'amore.

Perché conta. Root l'ha definita la prima sitcom britannica per il grande pubblico ad affidare un ruolo trans da protagonista a una persona trans, e la prima nel Regno Unito a mostrare una storia d'amore tra un'attrice trans in un ruolo trans e un uomo cis. La storia d'amore è il punto: è una donna trans sulla quarantina a essere corteggiata. La sceneggiatura è nata dal Trans Comedy Award, un concorso della BBC Writersroom alla ricerca di copioni comici che rappresentassero positivamente le persone trans.

Da sapere. Recensendo il primo episodio sul Telegraph, Jasper Rees lo ha definito un grande momento televisivo, ma ha detto che la serie faceva i salti mortali per piacere al grande pubblico con «cliché grossolani», comprese battute sul corpo di Judy. Quanto ti divertirà può dipendere da quanto ami l'umorismo delle sitcom familiari all'antica.

Avvertenze sui contenuti: battute sui corpi trans, commenti goffi e a volte transfobici dei familiari, usati per far ridere

Sense8 (2015, serie TV)

Chi c'è dietro: Creata da Lana Wachowski, Lilly Wachowski e J. Michael Straczynski per Netflix, Stati Uniti, girata in città di tutto il mondo; due stagioni dal 2015 al 2017 e un finale nel 2018. Lana e Lilly Wachowski sono entrambe trans, e Jamie Clayton, che interpreta Nomi Marks, è una donna trans.

Otto persone sconosciute sparse per il mondo, da San Francisco a Mumbai a Città del Messico, scoprono all'improvviso di essere legate mentalmente ed emotivamente. Possono sentire ciò che provano le altre, prendersi in prestito abilità e lingue a vicenda ed entrare l'una nella vita dell'altra. E un'organizzazione dà la caccia a persone come loro.

A San Francisco, Nomi Marks è un'hacker e blogger politica che vive con la sua fidanzata, Amanita. È una delle otto persone, e la sua storia non parla di transizione: parla d'amore, di pericolo e di come imparare a vivere in connessione con altre sette persone.

Perché conta. Nomi è stata scritta da una donna trans e interpretata da una donna trans. Clayton ha detto che lavorare con Lana Wachowski, una regista trans che aveva scritto un personaggio trans, era stato il motivo numero uno per accettare la parte, e che contava che la storia non ruotasse attorno alla transizione. L'intera serie si regge su un'empatia che attraversa i confini di genere, sessualità e nazione, e il fandom ci teneva abbastanza da mobilitarsi per ottenere un vero finale.

Da sapere. All'inizio è lenta e dispersiva. Recensendo i primi episodi per Variety, Brian Lowry ha scritto che la serie «non ha molto senso» e l'ha trovata sconnessa. Netflix l'ha cancellata nel 2017, sostenendo che il pubblico era troppo ridotto rispetto ai costi; dopo le campagne del fandom, nel 2018 è uscito un finale di due ore, «Amor Vincit Omnia».

Avvertenze sui contenuti: una donna trans trattenuta in ospedale contro la sua volontà, una madre che la rifiuta, violenza e persone braccate

Pose (2018, serie TV)

Chi c'è dietro: Creata da Ryan Murphy, Brad Falchuk e Steven Canals per FX, Stati Uniti; tre stagioni, dal 2018 al 2021. Janet Mock, donna trans, ha scritto, diretto e prodotto per la serie; Our Lady J, autrice trans, faceva parte della writers' room; il regista trans Silas Howard è stato co-produttore esecutivo; e fanno parte del cast fisso MJ Rodriguez, Indya Moore, Dominique Jackson, Hailie Sahar e Angelica Ross, interpreti trans.

New York, 1987. Blanca di giorno fa le unghie e di notte sfila ai ball, le competizioni in cui le house di persone queer e trans si sfidano per trofei e gloria. Stanca della crudeltà di Elektra, la sua house mother, fonda una house tutta sua e accoglie giovani che non hanno nessun altro posto dove andare. Intorno a lei ci sono Angel, una sex worker che si innamora di un cliente sposato, e Pray Tell (Billy Porter), che presenta i ball.

La serie si muove tra la ballroom, le house e i reparti ospedalieri nel pieno della crisi dell'AIDS. È un melodramma, apertamente e per scelta: grandi emozioni, grandi abiti, famiglia scelta.

Perché conta. Pose ha affidato ruoli fissi a più interpreti trans di qualsiasi serie di finzione venuta prima, e mette donne trans nere e latine al centro della loro stessa storia. Con Pose, Janet Mock è diventata la prima donna trans razzializzata a scrivere e dirigere un episodio televisivo. Se conosci la ballroom solo attraverso Paris Is Burning, qui trovi lo stesso mondo immaginato dall'interno, con tanto spazio per la gioia quanto per il dolore.

Da sapere. Ben Travers di IndieWire l'ha trovata a tratti troppo didascalica, con scene che si fermano per istruire il pubblico sulle questioni trans. Alla prima dell'ultima stagione, nel 2021, Janet Mock ha tenuto un discorso in cui criticava il proprio compenso («Perché guadagno 40.000 dollari a episodio?»), il fatto che i primi episodi fossero stati scritti da uomini e un'industria che, con le sue parole, «ci ha calpestato».

Avvertenze sui contenuti: HIV e AIDS, malattia e lutto, lavoro sessuale, giovani a cui la famiglia ha chiuso la porta di casa

Veneno (2020, serie TV)

Chi c'è dietro: Creata da Javier Calvo e Javier Ambrossi per Atresplayer Premium, Spagna, in spagnolo; una stagione di otto episodi, tratta dal libro della giornalista Valeria Vegas su Cristina Ortiz. I due autori hanno voluto affidare i ruoli trans a donne trans: Cristina è interpretata in età diverse da Jedet, Daniela Santiago e Isabel Torres, e Valeria da Lola Rodríguez, che è trans.

Negli anni Novanta Cristina Ortiz, conosciuta come La Veneno, irruppe nella televisione notturna spagnola e diventò una star nazionale, divertente, schietta e senza vergogna. Anni dopo, quando era ormai sparita dai riflettori, Valeria Vegas, una giovane studentessa di giornalismo che sta facendo i conti con la propria transizione, va a cercarla, e tra le due nasce un'amicizia che diventa un libro.

La serie si muove tra l'infanzia difficile di Cristina in un piccolo paese, gli anni a Madrid, la fama e il presente di Valeria, e attraverso di loro racconta una storia della vita LGBT in Spagna dagli anni Sessanta in poi. È chiassosa, divertente e tenera, e non finge che la vita di Cristina sia stata facile.

Perché conta. Veneno parla di donne trans, interpretate da donne trans, ed è firmata da due autori che hanno detto che le storie LGBT vanno fatte insieme alle persone LGBT. Restituisce a Cristina Ortiz tutta la sua umanità, e mostra come una donna sullo schermo di un televisore possa cambiare la vita di chi guarda da casa. Isabel Torres, che interpreta Cristina negli ultimi anni, era stata lei stessa la prima persona trans delle Canarie a cambiare legalmente nome e genere.

Da sapere. Nelle fonti che abbiamo letto non abbiamo trovato critiche significative. Torres è morta nel 2022, e questo rende la sua interpretazione anche una testimonianza del suo lavoro.

Avvertenze sui contenuti: un'infanzia violenta e il rifiuto, uso del deadname, lavoro sessuale, malattia e morte

Sort Of (2021, serie TV)

Chi c'è dietro: Creata da Zaiba Baig e Fab Filippo, che ne sono stati anche showrunner e autori, per CBC, Canada; tre stagioni, dal 2021 al 2023. Baig, persona queer, transfemminile e musulmana, è anche protagonista nel ruolo di Sabi.

Sabi Mehboob è una persona millennial non binaria di Toronto, con genitori immigrati dal Pakistan, che usa i pronomi they/them e divide le giornate tra il lavoro da barista in un locale LGBTQ e quello da baby-sitter per i due bambini di una coppia sempre di corsa. Sabi sta per trasferirsi a Berlino con 7ven, l'amicizia più stretta che ha, quando la madre dei bambini, Bessy, ha un grave incidente, e Sabi decide di restare.

Gli episodi durano circa 20 minuti. Alla serie interessano meno i grandi eventi che il fluire della vita quotidiana: una madre che prova a capire chi ha cresciuto, un fidanzato complicato, litigi perché i bambini mangiano troppi zuccheri, un'amicizia che deve fare spazio a tutto.

Perché conta. Sort Of non tratta il genere di Sabi come un problema da risolvere. È una commedia in cui una persona non binaria figlia di immigrati sta semplicemente al centro di una vita ordinaria e disordinata, co-creata e interpretata da una persona queer e transfemminile. La sua idea gentile, con le parole della rete stessa, è che «ognuna e ognuno di noi è in transizione». Ha vinto un Peabody Award.

Da sapere. John Powers di NPR ne ha lodato la modestia, e questo dice anche che cosa la serie non è: niente grandi colpi di scena, solo piccoli spostamenti. Chi l'ha co-creata e la interpreta oggi usa il nome Zaiba Baig, quindi i crediti più vecchi e molti articoli sulla serie riportano un nome diverso.

Avvertenze sui contenuti: un grave incidente e un personaggio in coma, tensioni familiari legate al genere

Dead End: Paranormal Park (2022, serie TV)

Chi c'è dietro: Creata da Hamish Steele, adattata dai suoi fumetti DeadEndia, prodotta da Blink Industries a Londra per Netflix; due stagioni, entrambe uscite nel 2022. Barney, il protagonista, ha la voce di Zach Barack, che è trans ed ebreo come il suo personaggio.

Barney, un adolescente trans, gay ed ebreo, scappa da una casa difficile e trova un lavoro estivo a Phoenix Parks, un parco a tema costruito attorno a una star del cinema alla Dolly Parton. Lo stesso fa Norma, una superfan ansiosa con una conoscenza enciclopedica della star. La casa infestata del parco nasconde un passaggio verso il mondo dei demoni, e un frammento dell'anima di un signore dei demoni finisce dentro Pugsley, il carlino di Barney, che all'improvviso sa parlare.

È una commedia horror animata con mascotte zombie, conduttori demoniaci di quiz televisivi, un episodio musical e le prime cotte, pensata per un pubblico più giovane di quello dei fumetti.

Perché conta. Un ragazzo trans è il protagonista di un cartone animato per tutte le età, doppiato da un attore trans, e l'essere trans fa parte di lui ma non è tutta la trama: ha una cotta, un cane, degli amici e dei demoni da combattere. Barack ha definito interpretare un ragazzo trans in una serie per l'infanzia «un sogno che si avvera». Le difficoltà di Norma sono ispirate alla vita di Steele come persona autistica, e la recensione di Paste, firmata da una persona autistica, ha trovato il personaggio scritto in modo molto autentico.

Da sapere. Reuben Baron di Paste ha apprezzato la scrittura ma ha trovato che l'animazione perdesse il fascino visivo dei fumetti, e ha notato che alcuni elementi più cupi sono stati attenuati. Prima della messa in onda, un gruppo di membri del Senato statunitense l'ha citata tra le serie per bambini su cui voleva avvertenze sui contenuti. Netflix l'ha cancellata nel gennaio 2023; Steele ha indicato al fandom il terzo e ultimo libro di DeadEndia per avere una conclusione.

Avvertenze sui contenuti: una famiglia che non accetta, demoni e horror da cartone animato, ansia

Classici che contano ancora

Film meno recenti che tornano ancora nelle conversazioni e che vale ancora la pena guardare. Ognuno arriva con il suo contesto: che cosa aveva di nuovo all'epoca e che cosa oggi si legge in modo diverso. Le parole usate sullo schermo, e nelle recensioni di quegli anni, spesso non sono quelle che si usano oggi.

The Queen (1968, documentario)

Chi c'è dietro: Regia di Frank Simon, Stati Uniti, con Flawless Sabrina (Jack Doroshow), che organizzava il concorso, alla conduzione e come voce narrante. Tra chi partecipa al concorso ci sono Rachel Harlow, che ha fatto la transizione dopo il film, e Crystal LaBeija, che in seguito ha fondato la House of LaBeija.

Nel 1967 drag queen da tutti gli Stati Uniti arrivarono alla Town Hall di New York per il Miss All-America Camp Beauty Contest, organizzato da Flawless Sabrina. Frank Simon filmò tutto: le riunioni organizzative, una visita da un fornitore di costumi, le prove e le chiacchiere nelle stanze d'albergo sui fidanzati, sulla chiamata alle armi per il Vietnam e sull'eventualità di fare la transizione, se fosse stato possibile. Poi il concorso vero e proprio, con Andy Warhol tra i giudici.

Quando arrivano i risultati non c'è accordo unanime, e una concorrente lo dice con parole che vengono citate ancora oggi.

Perché conta. È uno dei primi film a lasciare che delle drag queen raccontino davanti alla macchina da presa la propria vita, compreso il proprio genere, in un'epoca in cui, come nota Richard Brody sul New Yorker, a New York il drag stesso era illegale. Si vedono persone che cercano, per parlare di genere, parole che non esistevano ancora. E il momento di Crystal LaBeija porta dritto alle house della ballroom di Paris Is Burning e di Pose.

Da sapere. È un documento del 1967: le parole che le persone usano sul genere e su sé stesse sono quelle di allora, e le vite drag, gay e trans non sono separate come spesso lo sono oggi. Nel 2019 Harlow ha detto a Rolling Stone che «molte delle storie trans e drag che vengono alla luce adesso nascono in qualche modo da The Queen».

Avvertenze sui contenuti: linguaggio d'epoca su genere e sessualità, discorsi sulla leva militare, nudità parziale, un'accusa rabbiosa di concorso truccato

Paris Is Burning (1990, documentario)

Chi c'è dietro: Regia e produzione di Jennie Livingston, Stati Uniti, girato a New York tra la metà e la fine degli anni Ottanta. Nel 2020 Livingston ha detto: «Ora mi identifico come genderqueer». Sullo schermo ci sono uomini gay neri e latini, drag queen e donne trans della scena dei ball, tra cui Dorian Corey, Pepper LaBeija, Venus Xtravaganza, Octavia St. Laurent e Willi Ninja.

Nella New York degli anni Ottanta, persone queer e trans nere e latine costruirono un mondo tutto loro: i ball, dove chi gareggia sfila in categorie giudicate su stile, atteggiamento e «realness», in rappresentanza di house che funzionano come famiglie scelte, ognuna guidata da una mother, una madre. Livingston ha passato anni ai ball e a registrare interviste con le persone che li animavano.

Il film è in parte una celebrazione, in parte storia orale. Spiega il linguaggio (house, mother, shade, reading, voguing) e lascia parlare le persone protagoniste, spesso in modo molto divertente, di soldi, razza, genere, fama e di come sopravvivono.

Perché conta. È la testimonianza più nota di una cultura creata da persone queer e trans razzializzate, girata quando potevano ancora parlare per sé; la maggior parte di loro è morta nei decenni successivi, per violenza transfobica, povertà e AIDS. Tanto linguaggio della ballroom è entrato nell'uso comune che vale la pena sentirlo prima da loro. Il film ha anche influenzato Pose, serie a cui Livingston ha poi lavorato. Nel 2016 la Library of Congress lo ha inserito nel National Film Registry.

Da sapere. Se ne discute da quando è uscito. bell hooks si è chiesta se Livingston, persona bianca di classe media dietro la macchina da presa, non stesse offrendo i ball come uno spettacolo. Nel 1993 alcune delle persone che vi avevano partecipato ritenevano di non aver avuto la loro parte dei guadagni del film; le loro richieste sono cadute, ma la produzione ha diviso circa 55.000 dollari tra 13 di loro. Livingston ha detto che il film ha privilegiato la performance e la famiglia scelta, lasciando fuori molto altro.

Avvertenze sui contenuti: violenza transfobica, compreso l'omicidio di una donna che compare nel film, povertà, AIDS, lavoro sessuale, rifiuto da parte della famiglia

Ma vie en rose (La mia vita in rosa) (1997, film)

Chi c'è dietro: Regia di Alain Berliner, sceneggiatura di Berliner e Chris Vander Stappen; coproduzione belga, francese e britannica, in francese.

Ludovic, sette anni, si è appena trasferita con la famiglia in un quartiere residenziale ordinato, dove nella casa accanto abita il capo del padre. Ludo è calma e sicura: è una bambina, e c'è solo un pasticcio con i cromosomi da sistemare. Mette i vestitini, progetta di sposare il suo amico Jérôme, il figlio del capo, e si rifugia in un luminoso mondo di fantasia governato da Pam, una principessa televisiva che sembra una bambola.

I vicini non la prendono bene e, mentre la pressione cresce, i suoi genitori, che le vogliono bene, faticano a capire che cosa fare.

Perché conta. Prende sul serio la certezza di una bambina piccola e la mostra in gran parte dal suo punto di vista, attraverso la fantasia e il colore invece che attraverso cartelle cliniche. Scrivendo per il BFI, Juliet Jacques lo ha definito uno dei film trans più sensibili degli anni Novanta e ha lodato la capacità di Berliner di cogliere quanto i segni del genere siano semplici, e importanti, nell'infanzia. Ha vinto il Golden Globe per il miglior film straniero.

Da sapere. È stato girato e recensito con il linguaggio del 1997: Roger Ebert, come buona parte della critica di allora, descriveva Ludovic come un bambino con un'idea sbagliata. Chi ne ha scritto in seguito, come Jacques, parla di Ludo come di una bambina, ed è così che la descrive questa guida. Il film è delicato, ma non nasconde quanto possano essere crudeli le persone adulte.

Avvertenze sui contenuti: una comunità che si rivolta contro una famiglia, una bambina presa di mira e aggredita da altri bambini, un tentativo di suicidio di una bambina, un genitore che picchia la figlia, un taglio di capelli imposto

Todo sobre mi madre (Tutto su mia madre) (1999, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Pedro Almodóvar; Spagna e Francia, in spagnolo. Agrado è interpretata da Antonia San Juan e Lola da Toni Cantó.

Manuela, infermiera a Madrid, perde il figlio adolescente in un incidente la sera del suo diciassettesimo compleanno. Va a Barcellona per trovare l'altro genitore del ragazzo, Lola, una donna trans che non ha mai saputo della sua esistenza. Lì ritrova la sua vecchia amica Agrado, donna trans e sex worker, e viene attirata in una cerchia di donne: una celebre attrice di teatro, l'amante tormentata dell'attrice e una giovane suora che lavora in un centro di accoglienza per sex worker.

È un melodramma sul lutto, sulla maternità e sulle famiglie che le persone si costruiscono, pieno di teatro, di colore e di battute.

Perché conta. Agrado è calorosa, arguta e perfettamente a suo agio con sé stessa, e le spetta la scena più amata del film: un monologo divertente e fiero su quanto le è costato diventare chi è, che si chiude sull'idea che «una è più autentica quanto più somiglia a ciò che ha sognato di essere». Come ha scritto Rebecca Bodenheimer per RogerEbert.com, una donna trans che giudica la femminilità di una donna cis, e non il contrario, era una posizione che raramente veniva concessa alle donne trans.

Da sapere. Il film è più gentile con Agrado che con Lola, l'altra donna trans, che resta quasi sempre fuori scena e che Bodenheimer descrive come una presenza «sconsiderata e narcisista». Le recensioni dell'epoca, comprese quelle di Variety e del New York Times, usavano per entrambe le donne parole e pronomi che oggi la maggior parte delle persone trans non userebbe.

Avvertenze sui contenuti: la morte improvvisa di un adolescente, una donna trans picchiata, lavoro sessuale, HIV e AIDS, tossicodipendenza

Hedwig and the Angry Inch (Hedwig - La diva con qualcosa in più) (2001, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da John Cameron Mitchell, che interpreta anche Hedwig, tratto dal musical teatrale del 1998 che ha creato con Stephen Trask, autore delle canzoni; Stati Uniti.

Hedwig è cresciuta a Berlino Est, si è innamorata di un soldato americano e, per sposarlo e andarsene, ha accettato sotto pressione qualcosa che è stato fatto male e che dà il titolo al film. Abbandonata in un campo di roulotte in Kansas, si innamora di Tommy, figlio di un generale, che la lascia e diventa una rockstar da stadio con canzoni scritte da lei.

Ora Hedwig gira per catene di ristoranti economici con la sua band, gli Angry Inch, seguendo come un'ombra il tour di Tommy e raccontando la sua storia in canzoni sull'amore, sul genere e sull'interezza. È un musical glam rock: divertente, furioso, con una sequenza animata, un momento da cantare in coro e grandi numeri musicali.

Perché conta. Molte persone trans e con un'espressione di genere non conforme hanno ritrovato qualcosa di sé in Hedwig, artista affascinante, ferita e arrabbiata il cui genere non entra in nessuna casella, e i due autori hanno detto di essere contenti che le persone trans si siano riconosciute in lei. Appartiene a una categoria rara, quella del musical rock originale, e le sue canzoni sostengono, sul genere e sull'interezza, una tesi che colpisce ancora.

Da sapere. Hedwig non è scritta come una donna trans. Nel 2020, dopo che militanti trans avevano sostenuto che in una produzione di Sydney il ruolo andasse affidato a una persona trans, Mitchell e Trask hanno detto che il percorso di genere del personaggio viene imposto a «un giovane ragazzo gay dai modi femminili» da un fidanzato e da un governo, e che il ruolo è più vicino al drag, «una maschera alla portata di tutti». Alcune persone trans leggono Hedwig in modo diverso.

Avvertenze sui contenuti: coercizione da parte di un partner e di uno Stato, abbandono, lavoro sessuale, contenuti sessuali

Famosi ma criticati

Probabilmente ne hai sentito parlare, e molte persone trans provano verso questi titoli sentimenti contrastanti o ostili. La critica più nota riguarda il casting: interpreti cis, di solito uomini, nei panni di donne trans, mentre le persone trans che recitano faticano a ottenere gli stessi ruoli.

Nel 2018 Scarlett Johansson si è ritirata da Rub & Tug, un film in progetto in cui avrebbe dovuto interpretare Dante «Tex» Gill, dopo le critiche di interpreti trans tra cui Trace Lysette, e nel suo comunicato ha detto di capire «perché molte persone ritengono che lui debba essere interpretato da una persona transgender».

Il casting non è l'unico problema. Alcune di queste opere trasformano il corpo di un personaggio trans in un colpo di scena, una è stata realizzata da un regista trans ed è stata boicottata lo stesso, e una ha innescato una disputa pubblica su a chi spetti il merito per la storia trans. Sono qui perché qualcuno te ne chiederà, perché alcune meritano ancora di essere viste a occhi aperti e perché le polemiche fanno parte della storia.

The Crying Game (La moglie del soldato) (1992, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Neil Jordan, Regno Unito. Stephen Rea interpreta Fergus, Forest Whitaker interpreta Jody, e Jaye Davidson, al debutto e senza alcuna esperienza di recitazione, interpreta Dil.

Un thriller che si trasforma in una storia d'amore. Fergus, volontario in un'unità dell'IRA in Irlanda del Nord, è incaricato di sorvegliare Jody, un soldato britannico nero rapito, e tra i due uomini nasce un legame inatteso. Jody chiede a Fergus di andare a trovare a Londra la sua amante, Dil, se dovesse succedergli qualcosa.

In seguito Fergus va a Londra sotto falso nome, trova Dil e si innamora di lei mentre cerca di restare un passo avanti al proprio passato. Il film affronta razza, sessualità e identità, ed è stato realizzato con un mosaico traballante di finanziamenti.

Perché conta. È stato un successo al botteghino e un film da Oscar con una donna trans in un ruolo principale: ha vinto l'Oscar per la migliore sceneggiatura originale, e Davidson ha ottenuto una candidatura. La sua scena centrale è stata poi parodiata in Ace Ventura, quindi anche se non l'hai mai visto probabilmente hai già incontrato battute nate da lì. Il documentario Disclosure lo tratta come uno dei film che pesano di più su come le donne trans sono state viste sullo schermo, e questo lo rende un titolo da conoscere, qualunque cosa tu decida sul guardarlo.

Da sapere. Negli Stati Uniti Miramax ha venduto il film puntando su un segreto: un ex membro della dirigenza ha raccontato all'Hollywood Reporter che chiamavano «giornalista per giornalista» per mantenerlo. Il segreto era che Dil è trans, così il suo corpo, e il disgusto del suo amante davanti a quel corpo, sono diventati il colpo di scena. Oliver Whitney, su Vulture, lo colloca nella tradizione dell'«inganno trans». Il documentario Disclosure (2020) si sofferma sulla scena; Sam Feder, che lo ha diretto, dice che chi ha partecipato al documentario l'ha trovata disturbante, mentre Zackary Drucker dice nel film che all'epoca non vedeva il problema e vedeva soltanto una donna bellissima. Per Feder si possono «amare le cose in modo critico».

Avvertenze sui contenuti: rapimento e violenza armata, una donna trans accolta con disgusto da un partner e colpita accidentalmente, nudità, pensieri suicidi

Boys Don't Cry (1999, film)

Chi c'è dietro: Regia di Kimberly Peirce, sceneggiatura di Peirce e Andy Bienen, Stati Uniti. Hilary Swank, che è cisgender, interpreta Brandon Teena, e Chloë Sevigny interpreta Lana Tisdel.

La trasposizione romanzata della vita di Brandon Teena, un giovane uomo trans del Nebraska rurale ucciso nel 1993. Brandon si trasferisce a Falls City, entra in un giro di giovani del posto e si innamora di Lana.

Il film segue ciò che accade quando le persone intorno a lui scoprono che è trans. È basato su fatti reali, e Peirce ha romanzato parti della storia: prendilo come la sua versione della vita di Brandon, non come una cronaca.

Perché conta. Per molte persone del pubblico, nel 1999, è stata la prima rappresentazione sensibile di una persona trans che avessero mai visto. Jude Dry di IndieWire scrive che per molti aspetti ha dato il via al dibattito sulla rappresentazione trans nel cinema, che è ancora in corso. Swank racconta che c'è chi le ha scritto e chi l'ha avvicinata in lacrime per ringraziarla. Nel 2019 è stato inserito nel National Film Registry degli Stati Uniti.

Da sapere. Nel novembre 2016 una parte della comunità studentesca del Reed College ha protestato contro la visita di Peirce nel campus, interrompendo il suo intervento dopo una proiezione. Secondo Willamette Week, le contestazioni riguardavano il fatto che una persona non trans alla regia traesse profitto dal rappresentare la violenza contro le persone trans, la scelta di Swank al posto di una persona trans e la scena di stupro esplicita; il college ha criticato il modo in cui l'intervento è stato interrotto. Nel 2019 Swank ha detto di essere «felice che i tempi stiano cambiando» e che le persone possano raccontare le proprie storie. Altre obiezioni riguardavano l'accuratezza: Peirce ha tagliato Philip DeVine, un uomo nero ucciso insieme a Brandon, dicendo di non avere spazio, e la vera Lana Tisdel ha fatto causa per il modo in cui era stata rappresentata.

Avvertenze sui contenuti: molestie e violenza transfobiche, un uomo trans esposto con la forza, una scena di stupro esplicita, la polizia che interroga una vittima sul suo genere, omicidio (basato su fatti reali)

Transamerica (2005, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Duncan Tucker, Stati Uniti. Felicity Huffman interpreta Bree, con Kevin Zegers nel ruolo di Toby. Per prepararsi, Huffman ha lavorato con due donne trans, Andrea James e Calpernia Addams, che l'hanno seguita nel lavoro sulla voce.

Bree, una donna trans di Los Angeles, è vicina a una tappa a lungo attesa della sua transizione quando arriva una telefonata da un carcere di New York: un adolescente scappato di casa, Toby, cerca un genitore che non ha mai conosciuto, e quel genitore è Bree. La persona che la segue in terapia non le darà il via libera per andare avanti finché non affronterà la cosa.

Così Bree vola a New York, paga la cauzione di Toby senza dirgli chi è, e i due finiscono per attraversare il paese in auto insieme, con una sosta dalla famiglia da cui lei è lontana da tempo.

Perché conta. È una commedia drammatica on the road con una donna trans come protagonista, non come vittima o come cattiva, e Huffman è stata candidata all'Oscar per il ruolo. Scrivendo su IndieWire nel 2014, Dominic Clarke lo ha definito «talmente avanti rispetto ai suoi tempi» che il mondo del cinema non l'aveva ancora raggiunto, ha notato quanto di rado i film mostrino una persona qualunque che si dà il caso sia trans, e ha lodato l'umanità con cui Tucker tratta Bree, anche quando la sua famiglia la rifiuta.

Da sapere. Su questo film abbiamo trovato meno critiche scritte da persone trans rispetto agli altri titoli di questo gruppo, e la maggior parte riguarda il casting. Paris Lees, donna trans, scrivendo sull'Independent nel 2014 ha definito l'interpretazione di Huffman un'«approssimazione di una donna trans» e ha indicato una scena che trovava poco plausibile, nonostante la produzione avesse lavorato con consulenti trans. Huffman stessa ha detto nel 2014 di capire e sostenere l'idea che i ruoli trans vadano affidati a interpreti trans, perché le persone trans sono state «emarginate per molto tempo».

Avvertenze sui contenuti: uso del deadname, il rifiuto transfobico di una famiglia, compreso un momento invadente da parte della madre di Bree, riferimenti ad abusi sessuali subiti durante l'infanzia e al suicidio di un genitore nel passato di Toby, lavoro sessuale, uso di droghe

Dallas Buyers Club (2013, film)

Chi c'è dietro: Regia di Jean-Marc Vallée, sceneggiatura di Craig Borten e Melisa Wallack, Stati Uniti. Matthew McConaughey interpreta Ron Woodroof, e Jared Leto, che non è trans, interpreta Rayon, una donna trans inventata per il film.

Tratto dalla storia vera di Ron Woodroof, elettricista texano eterosessuale a cui viene diagnosticato l'HIV a metà degli anni Ottanta. Comincia a introdurre negli Stati Uniti farmaci contro l'AIDS non approvati e a distribuirli attraverso un club riservato ai soci, sfidando l'establishment medico.

In ospedale conosce Rayon, una donna trans che vive con l'AIDS, e dopo un inizio ostile lei diventa sua socia in affari e, poco a poco, sua amica. Woodroof è esistito davvero; Rayon è stata inventata per il film.

Perché conta. È un film molto visto sui primi anni della crisi dell'AIDS negli Stati Uniti, e ha dato alla storia di una donna trans un posto di rilievo in un film apprezzato da milioni di persone. Per questo ruolo Leto ha vinto un Golden Globe e poi un Oscar. Paris Lees, donna trans, è andata a vederlo aspettandosi di sentirsi offesa e non lo è stata: ha detto che è ottimo, che Leto l'ha fatta piangere e che probabilmente conviene vederlo, con un sopracciglio alzato.

Da sapere. Le critiche riguardavano soprattutto chi interpretava Rayon e come era stata scritta. All'uscita del film, un articolo d'opinione di Susan Rohwer sul Los Angeles Times ha sostenuto che il ruolo sarebbe dovuto andare a una persona trans, citando Shawna Virago del San Francisco Transgender Film Festival, che lo definiva un'occasione mancata. Il discorso di Leto ai Golden Globe, in cui chiamava Rayon una «bellissima creatura» e scherzava sul radersi le gambe, ha suscitato rabbia. Paris Lees ha scritto che Rayon è meno una persona che «una funzione», in silenzio mentre perfino le persone a lei vicine la chiamano «lui». A un festival del 2014 una donna ha detto a Leto che «la transmisoginia non merita un premio»; lui ha ribattuto, e dopo ha parlato con lei.

Avvertenze sui contenuti: malattia e morte per AIDS, uso di droghe, misgendering continuo, ostilità omofoba e transfobica

Transparent (2014, serie TV)

Chi c'è dietro: Creata da Joey Soloway per Amazon, Stati Uniti; cinque stagioni, dal 2014 al 2019. Soloway è una persona non binaria, usa i pronomi they/them e, all'epoca della lavorazione, compariva nei crediti come Jill Soloway. Jeffrey Tambor, che è cisgender, ha interpretato Maura fino al licenziamento, nel 2018. Tra le persone trans che hanno lavorato alla serie ci sono Our Lady J, nello staff di sceneggiatura, Zackary Drucker e Rhys Ernst, nella produzione, e l'attrice Trace Lysette.

I Pfefferman sono una famiglia ebrea di Los Angeles. Quando Maura, professoressa in pensione e genitore di tre figli adulti, fa coming out come donna trans, la vita di tutta la famiglia cambia, e lei e i suoi figli non sempre affrontano la cosa con grazia.

La serie segue l'intera famiglia, spesso con flashback nella sua storia, e si chiude con un finale musical nel 2019. Per il personaggio di Maura, Soloway ha preso liberamente spunto dalla transizione del proprio genitore.

Perché conta. Nel suo momento migliore veniva portata ad esempio, con le parole dell'Hollywood Reporter, come «un faro del progressismo sociale», era lodata da associazioni come GLAAD e ha vinto dei Golden Globe. Ha anche cercato di cambiare chi faceva la serie: Soloway ha scelto Our Lady J in un gruppo di donne trans che si erano candidate per scriverla, e persone trans hanno lavorato davanti e dietro la macchina da presa. Se ti interessa come l'industria ha cominciato ad assumere talenti trans, fa parte di quella storia.

Da sapere. La scelta di Tambor, un uomo cis, è stata messa in discussione fin dall'inizio; a una delle prime proiezioni una persona del pubblico l'ha paragonata alla blackface. Ritirando l'Emmy nel 2016, Tambor ha chiesto all'industria di «dare una possibilità ai talenti transgender» e ha detto che «non sarebbe infelice di essere l'ultimo uomo cisgender a interpretare una donna transgender in televisione». Lo stesso anno Soloway ha definito «assolutamente inaccettabile» affidare a un uomo cis il ruolo di una donna trans. Alla fine del 2017 la sua ex assistente Van Barnes e l'attrice Trace Lysette, entrambe donne trans, hanno accusato Tambor di molestie sessuali. Lui ha negato le loro versioni, ed è stato licenziato dalla serie nel febbraio 2018.

Avvertenze sui contenuti: misgendering e uso del deadname, esclusione transfobica dagli spazi per donne, discussione di pensieri suicidi, conflitti familiari

The Danish Girl (2015, film)

Chi c'è dietro: Regia di Tom Hooper, sceneggiatura di Lucinda Coxon, dal romanzo del 2000 di David Ebershoff; Regno Unito e Stati Uniti. Eddie Redmayne, uomo cis, interpreta Lili Elbe, e Alicia Vikander interpreta Gerda Wegener.

Un dramma romantico ambientato nella Copenaghen e nella Parigi degli anni Venti. Gerda e la persona con cui è sposata dipingono entrambe. Un giorno Gerda chiede a questa persona di posare al posto di una modella in ritardo, e quella piccola richiesta apre una porta: la persona che Gerda ha sposato comincia a vivere come Lili Elbe.

Il film segue la transizione di Lili e ciò che chiede a entrambe le donne e al loro matrimonio. Arriva alla vita di Lili attraverso un romanzo che l'ha trasformata profondamente in finzione, quindi è una versione della sua storia, non la storia.

Perché conta. Ha messo la vita di una donna trans al centro di un grande film da premi, ed è così che molte persone hanno sentito parlare per la prima volta di Lili Elbe. Vikander, che ha vinto un Oscar per il ruolo di Gerda, ha detto nel 2025 che il film sembra già «estremamente datato», ma che ha fatto sì che il tema fosse «almeno discusso». Perfino Casey Plett, a cui non è piaciuto, cita una donna trans di sua conoscenza che lo ha amato.

Da sapere. La critica trans è stata dura. Carol Grant, scrivendo su IndieWire come donna trans all'inizio della propria transizione, lo ha definito «regressivo, riduttivo e dannoso», sostenendo che la macchina da presa di Hooper indugia in modo morboso sui vestiti e sul corpo di Lili e riduce la sua femminilità a uno stereotipo. La scrittrice Casey Plett, su The Walrus, ha trovato la sceneggiatura «atroce e noiosa», ha contestato una scena inventata in cui Lili viene picchiata e ha detto che a interpretarla avrebbe dovuto essere una donna trans. Il film si prende anche molte libertà rispetto alla vita reale di Elbe. Nel 2021 Redmayne ha detto al Times che oggi non accetterebbe il ruolo: «Ho fatto quel film con le migliori intenzioni, ma credo sia stato un errore».

Avvertenze sui contenuti: un'aggressione transfobica per strada, maltrattamenti psichiatrici, compresa la minaccia di un internamento, misgendering, nudità, ambienti medici

The Death and Life of Marsha P. Johnson (2017, documentario)

Chi c'è dietro: Regia di David France, che l'ha scritto con Mark Blane, Stati Uniti. Segue Victoria Cruz, donna trans e investigatrice del New York City Anti-Violence Project. France conosceva Johnson e si era occupato della sua morte come giornalista.

Marsha P. Johnson, veterana della rivolta di Stonewall che aveva fondato insieme a Sylvia Rivera il gruppo attivista STAR, fu trovata nel fiume Hudson nel 1992. La polizia stabilì che si era trattato di suicidio; molte delle persone che la conoscevano non lo hanno mai accettato.

Il film segue Victoria Cruz mentre riapre le domande sulla morte di Johnson, va a trovare persone amiche di un tempo e sbatte contro porte chiuse, e intreccia filmati d'archivio di Johnson e Rivera negli anni del loro attivismo.

Perché conta. Ha portato Johnson e Rivera, con la loro voce e in immagini, davanti a un pubblico vastissimo, e collega la morte di Johnson alla poca attenzione che ancora oggi riceve la violenza contro le persone trans. Cruz regge il film: Eric Kohn di IndieWire descrive un'investigatrice trans che non rallenta mai. Se vuoi vedere e sentire Johnson invece di leggere soltanto di lei, il film raccoglie molti filmati che la ritraggono.

Da sapere. Mentre il film arrivava su Netflix, Tourmaline (allora conosciuta come Reina Gossett), cineasta trans nera che aveva passato anni a fare ricerca su Johnson, ha accusato France di aver tratto vantaggio dal suo lavoro d'archivio e da una domanda di finanziamento che lei aveva scritto per il proprio film su Johnson, e di guadagnare sulle vite trans mentre lei si faceva prestare soldi per pagare l'affitto. France ha negato di aver preso il suo lavoro, dicendo di aver fatto ricerche su quella storia per anni. Ha riconosciuto gli ostacoli molto più pesanti che lei affronta come donna trans razzializzata e ha detto che «è sbagliato che i nostri progetti non abbiano ricevuto la stessa attenzione». Un'inchiesta dell'Advocate del 2018 ha rilevato che France aveva ottenuto in licenza da altre fonti la maggior parte dei suoi filmati d'archivio, ma che l'uso di 14 secondi di filmato, visti da lui per la prima volta nel 2015 durante una presentazione di Tourmaline, avvalorava la sua accusa. Tourmaline ha inquadrato la disputa come una questione di chi trae profitto dal lavoro delle donne trans razzializzate mentre a loro non viene riconosciuto alcun merito.

Avvertenze sui contenuti: la morte mai chiarita di Marsha P. Johnson, l'indifferenza della polizia, violenza contro le persone trans, lutto

Girl (2018, film)

Chi c'è dietro: Regia di Lukas Dhont, sceneggiatura di Dhont e Angelo Tijssens; Belgio, in olandese e francese. Lara è interpretata da Victor Polster, che non è trans. Il film è ispirato a Nora Monsecour, ballerina professionista belga e donna trans, che ha lavorato al progetto con Dhont fin dall'inizio.

Lara, una ragazza trans di 15 anni, ottiene un posto in prova in un'esigente scuola di danza classica ad Anversa e ci si trasferisce con il fratellino e il padre, che la sostiene senza esitazioni.

Il film sta vicinissimo a Lara: le ore di lavoro sulle punte, il dolore nel corpo, l'impazienza che la sua transizione vada avanti e la durezza con cui tratta sé stessa.

Perché conta. Ha vinto la Caméra d'or per la migliore opera prima e la Queer Palm a Cannes. Per Monsecour è la sua storia: ha scritto che realizzarlo l'ha aiutata ad accettarsi e che mostra la casa piena d'amore che ha avuto la fortuna di avere. È anche un caso chiaro in cui la critica trans e la donna trans la cui vita ha ispirato un film vedono la stessa opera in modi opposti, e vale la pena saperlo prima di decidere se guardarlo.

Da sapere. Diverse voci della critica trans lo hanno visto in modo molto diverso dalla critica di Cannes. Oliver Whitney, sull'Hollywood Reporter, lo ha definito un pericolo per la comunità trans, citando «un inquietante fascino per i corpi trans», una macchina da presa che continua a insistere sulla parte inferiore del corpo di Lara, una scena di autolesionismo esplicita e un messaggio dannoso sulla transizione. È stata contestata anche la scelta di un attore cis in una storia raccontata da due uomini cis. Monsecour ha risposto sullo stesso giornale che il film «racconta la mia storia in un modo che non mente» e che liquidarlo perché Dhont e l'interprete principale sono cis «mi offende». Dhont ha detto che «tutti vogliamo talenti trans sullo schermo», ma ha difeso la scelta del cast in nome dell'empatia.

Avvertenze sui contenuti: autolesionismo esplicito, nudità ripetuta concentrata sul corpo di Lara, bullismo transfobico, uso del deadname da parte di un familiare, dolore fisico dovuto all'allenamento

Adam (2019, film)

Chi c'è dietro: Regia di Rhys Ernst, cineasta trans, da una sceneggiatura di Ariel Schrag che adatta il suo romanzo del 2014, Stati Uniti. Nicholas Alexander interpreta Adam, e nel cast del film ci sono diverse persone trans.

Nell'estate del 2006 Adam, un adolescente etero e timido, va a stare dalla sorella maggiore Casey a New York, dove il mondo di lei è queer e trans. A una festa conosce Gillian, una lesbica, che dà per scontato che lui sia un uomo trans.

Adam non la corregge, e porta avanti la bugia mentre la loro relazione cresce e lui viene accolto in spazi dove comunità lesbiche e trans si incontrano e si scontrano.

Perché conta. È il film di un regista trans che prende un'idea dannosa e molto radicata, quella per cui le persone trans ingannano chi hanno intorno, e la ribalta. Per Oliver Whitney, voce della critica trans che aveva affrontato la visione con diffidenza a causa del romanzo, il film sovverte con intelligenza la narrazione dell'«inganno trans», punzecchia la pressione sulle persone trans perché dichiarino di esserlo e mostra un giovane uomo cis che impara da un uomo trans una mascolinità più sana.

Da sapere. La premessa ha attirato un boicottaggio prima che la maggior parte delle persone avesse visto il film: petizioni con oltre 6.000 firme lo definivano omofobo e transfobico, riprendendo le critiche al romanzo di Schrag, che il recensore Tom Leger aveva definito «strano, offensivo e bizzarro» nel modo in cui tratta gli uomini trans. Anche un uomo trans che faceva la comparsa ha detto di aver subito misgendering sul set. Ernst ha detto che il film si discosta dal libro in modi importanti, Whitney ha notato che elimina la scena più criticata del romanzo, ed Ernst ha aggiunto che «in questo momento c'è una guerra contro le sfumature». Sulle accuse relative al set, ha detto che qualcuno «potrebbe aver subito misgendering per errore» nonostante la formazione data alla troupe.

Avvertenze sui contenuti: un personaggio cis che mente sull'essere trans, misgendering, discussioni tipiche di quegli anni sull'esclusione delle donne trans dagli spazi per donne

Emilia Pérez (2024, film)

Chi c'è dietro: Scritto e diretto da Jacques Audiard, Francia, in spagnolo. Karla Sofía Gascón, donna trans spagnola, interpreta il ruolo del titolo, con Zoe Saldaña nel ruolo dell'avvocata Rita e Selena Gomez.

Un musical criminale che il regista definisce un'opera. Rita, avvocata in difficoltà di Città del Messico che vince cause andando contro la propria coscienza, riceve un'offerta di lavoro segreta e pagatissima. Il cliente è un temuto boss di un cartello che vuole il suo aiuto per inscenare una morte, sparire e fare la transizione.

Il film mescola canzoni, melodramma e violenza dei cartelli a tutto volume, e segue ciò che accade dopo l'inizio della nuova vita.

Perché conta. È stato un enorme film da premi: ha vinto il Premio della giuria a Cannes e quattro Golden Globe, ha ottenuto 13 candidature agli Oscar, e Gascón è diventata la prima persona apertamente trans candidata a un Oscar per la recitazione. Qualunque cosa tu pensi del film, quella candidatura è stata una prima volta, e le polemiche che lo circondano fanno ormai parte della storia recente del cinema trans.

Da sapere. Le voci della critica trans sono state tra le più taglienti. GLAAD lo ha definito «una rappresentazione profondamente retrograda di una donna trans» e ha fatto notare che i primi elogi a Cannes venivano da una critica non trans; Drew Burnett Gregory, donna trans, scrivendo su Autostraddle lo ha definito «un disastro glorioso» costruito su cliché ben noti. In Messico molte persone del pubblico hanno deriso il suo spagnolo innaturale, i suoi stereotipi e il fatto che una sola persona del cast principale fosse messicana; Audiard ha risposto che è «un'opera, non una critica a qualcosa del Messico». All'inizio del 2025 sono riemersi vecchi post di Gascón sui musulmani, su George Floyd e sulla diversità agli Oscar. Lei si è detta profondamente dispiaciuta; Audiard li ha definiti «odiosi».

Avvertenze sui contenuti: violenza e omicidi dei cartelli, rapimenti, la ricerca di persone vittime di sparizione forzata, altri personaggi che si ritraggono davanti al corpo di una donna trans, misgendering

Per continuare

Alcuni di questi titoli si guardano meglio insieme ad altre persone trans che in solitudine, e la conversazione che viene dopo è metà del senso. Se stai ancora cercando quelle persone, come fare amicizia con altre persone trans e come trovare un gruppo di sostegno per persone trans sono buoni punti di partenza.

Per la storia che sta dietro ad alcuni di questi film, leggi i nostri articoli su Marsha P. Johnson, Sylvia Rivera e Lili Elbe. Se preferisci leggere invece di guardare, la guida gemella è quella dei libri scritti da persone trans e non binarie.

Un elenco come questo invecchia. Escono nuove opere, le persone cambiano il modo in cui si descrivono e il giudizio della critica si sposta. Se noti un errore, un credito sbagliato o qualcosa che dovrebbe stare qui, puoi scriverci dalla pagina dei contatti.