Films et séries trans et non-binaires à voir

Ce guide s'adresse aux adultes trans et non-binaires qui se demandent quoi regarder. Ce n'est pas un classement. Pour chaque film ou série, tu trouveras qui l'a fait, de quoi il s'agit, pourquoi il pourrait te parler, les critiques qu'il a suscitées, et ce qu'on voit à l'écran qui mérite peut-être un avertissement. Rien ici ne dévoile une fin.

Nous avons cherché la diversité plutôt que le prestige : documentaires et fictions, œuvres des années 1960 à aujourd'hui, films et séries venus de Belgique, du Brésil, du Canada, du Chili, de France, du Japon, du Pakistan, des Philippines, d'Espagne, du Royaume-Uni et des États-Unis. Femmes trans, hommes trans et personnes non-binaires sont chacun au centre de quelque chose ici, tout comme beaucoup de personnes racisées. Nous avons aussi gardé des films célèbres que beaucoup de personnes trans n'aiment pas. On te posera la question, et savoir pourquoi ils ont été critiqués est utile en soi.

Quand une fiche indique qu'une personne trans ou non-binaire a écrit, réalisé ou produit une œuvre, ou qu'elle y joue, c'est que cette personne l'a dit publiquement, ou qu'elle a été décrite ainsi dans une interview ou un portrait cité dans les sources de la fiche. Nous ne devinons l'identité de personne d'après son travail, son apparence ou ses rôles. Quand quelqu'un n'en a jamais parlé, nous n'en disons rien. Cela laisse des trous, et nous préférons les trous.

Chaque fiche indique ses propres sources. Nous ne disons pas sur quelle plateforme voir quoi, parce que ça change tous les quelques mois. Les avertissements de contenu viennent de critiques et de descriptions, pas d'un relevé scène par scène : prends-les comme un point de départ, pas comme une garantie. Les noms et les pronoms sont ceux que les personnes utilisent aujourd'hui, donc un générique ancien peut afficher un autre nom.

Documentaires

Dans un documentaire, la personne qui tient la caméra fait toujours partie de l'histoire. Certains de ces films ont été réalisés par des cinéastes trans. D'autres l'ont été par des cinéastes qui ne se sont pas décrits comme trans et qui ont passé des années avec les personnes filmées, et quelques-uns assument ouvertement la tension que cela crée. Chaque fiche indique ce qui est documenté.

Si tu ne regardes qu'une seule chose sur cette page, Disclosure est un bon point de départ : le film met des mots sur des schémas que tu reconnaîtras dans presque tout le reste.

Southern Comfort (2001, film documentaire)

Créé par: Réalisé, produit, filmé et monté par Kate Davis, États-Unis. Son sujet, Robert Eads, était un homme trans, et le film montre aussi sa compagne Lola Cola, une femme trans, et la famille choisie qu'il formait avec des amis trans, dont Max et Cas.

Robert Eads était un homme trans qui vivait dans les collines de la Géorgie rurale : barbu, pipe à la main, fier de se dire hillbilly. Gravement malade d'un cancer, il avait été refoulé par des médecins qui ne voulaient pas d'un patient trans. Kate Davis a filmé la dernière année de sa vie.

Au fil des saisons, on le voit tomber amoureux de Lola, passer du temps avec la famille choisie qu'il s'est construite, recevoir la visite de ses parents et de son fils, et rêver de tenir jusqu'à la Southern Comfort Conference d'Atlanta, un grand rassemblement de personnes trans.

Pourquoi c'est important. C'est une histoire d'amour entre un homme trans et une femme trans, et le portrait d'une famille choisie dans le Sud rural des États-Unis, deux choses encore rares à l'écran. Eads a accepté de rendre son histoire publique pour la première fois pour ce film parce que, comme il l'a dit à Davis, si cela aidait ne serait-ce qu'un autre homme trans à aller voir un médecin, ça en valait la peine. C'est aussi un témoignage dur sur ce que coûte la discrimination médicale.

Bon à savoir. Avec le recul, en 2026, Blake Peterson, critique, a rejoint l'autrice Sally Jane Black pour dire que le film n'est pas assez en colère au nom d'Eads : Davis s'attache à qui il était plutôt qu'à nommer les médecins qui l'ont refusé. Peterson souligne aussi la tension qu'il y a à voir son histoire présentée par quelqu'un d'extérieur, doté d'un pouvoir social plus grand. Les notes de production de Davis indiquent que plusieurs participants étaient dans le placard, ce qui a limité le tournage pendant la conférence.

Avertissements de contenu: refus de soins médicaux, maladie en phase terminale et mort, mégenrage par la famille, références au Ku Klux Klan

Screaming Queens: The Riot at Compton's Cafeteria (2005, film documentaire)

Créé par: Réalisé, écrit et produit par Susan Stryker et Victor Silverman, en association avec ITVS et KQED pour la télévision publique américaine. Stryker, historienne et femme trans, apparaît à l'écran, et parmi les personnes interviewées figurent des femmes trans qui vivaient dans le Tenderloin dans les années 1960, dont Felicia Elizondo, Amanda St. Jaymes et Tamara Ching.

Une nuit d'août 1966, dans le quartier du Tenderloin à San Francisco, la police entre au Gene Compton's Cafeteria, un établissement ouvert toute la nuit où se retrouvaient des femmes trans, des drag queens et des jeunes qui se prostituaient dans la rue. Quand un policier empoigne l'une des clientes, elle lui jette son café au visage et la cafétéria s'embrase. C'était trois ans avant Stonewall, et c'est presque tombé dans l'oubli.

Des décennies plus tard, l'historienne Susan Stryker en retrouve une trace et part à la recherche des personnes qui étaient là. Le film est construit à partir de leurs témoignages, ainsi que de ceux d'un sergent de police, de pasteurs d'une église du quartier et de militants locaux, et il replace l'émeute dans le contexte de la pauvreté de la ville, de la rénovation urbaine et des mouvements pour les droits civiques des années 1960.

Pourquoi c'est important. Si on t'a appris que l'histoire trans commence à Stonewall, ce film rectifie le récit, raconté en grande partie par les femmes trans du Tenderloin elles-mêmes. Il est court, moins d'une heure, et clairement fait pour la télévision publique, mais il a contribué à réinscrire Compton's dans l'histoire. Il relie aussi la survie des personnes trans à l'emploi, au logement et aux pratiques policières, au lieu de faire de l'identité toute l'histoire.

Bon à savoir. L'émeute n'a laissé presque aucune trace écrite. La presse n'en a pas parlé à l'époque, la nuit exacte n'est pas connue, et selon NPR, le seul récit écrit qui a survécu est un court article publié en 1972 par le militant Raymond Broshears. Le film repose sur des souvenirs recueillis des décennies plus tard, ce qui fait à la fois sa force et sa limite.

Avertissements de contenu: harcèlement et violences policières, travail du sexe, consommation de drogues, pauvreté

Bambi (2013, film documentaire)

Créé par: Réalisé par Sébastien Lifshitz, France, en français, un portrait d'environ une heure. Son sujet, Marie-Pierre Pruvot, connue sur scène sous le nom de Bambi, est l'une des premières femmes trans en France à avoir fait sa transition et à l'avoir vécue publiquement.

Marie-Pierre Pruvot est née en 1935 en Algérie française et s'est sentie fille dès l'enfance, même si on l'obligeait à vivre comme un garçon. Adolescente, elle voit sur scène l'artiste trans Coccinelle et décide de vivre en femme. Sous le nom de Bambi, elle devient une vedette des cabarets parisiens comme Le Carrousel dans les années 1950 et 1960.

Puis, passé 30 ans, elle reprend ses études, devient professeure de français et enseigne pendant des décennies dans un établissement hors de Paris. Lifshitz s'assoit face à elle et la laisse raconter. Le film a remporté le Teddy Award du meilleur documentaire au Festival international du film de Berlin 2013.

Pourquoi c'est important. Bambi a traversé des décennies où, comme le dit Lifshitz, les mots pour la désigner n'existaient pas encore, et elle raconte sa vie avec un vrai talent de conteuse. C'est une occasion rare d'entendre une aînée trans décrire une vie publique dans le Paris du milieu du siècle, puis une longue carrière ordinaire et respectée. Le film rappelle que les femmes trans avaient déjà des vies entières à l'époque, pas seulement des scandales.

Bon à savoir. La version de 2013 dure moins d'une heure, et Lifshitz a dit plus tard avoir eu le sentiment de ne pas être « allé jusqu'au bout » et vouloir « réparer le film ». Une version de 90 minutes a été diffusée sur Canal+ en 2021. Dans les deux cas, c'est avant tout le témoignage d'une femme, et c'est ce qui fait sa force.

Avertissements de contenu: hostilité et rejet dans la France et l'Algérie coloniale du milieu du siècle, pression dans l'enfance pour vivre comme un garçon

Kumu Hina (2014, film documentaire)

Créé par: Réalisé et produit par Dean Hamer et Joe Wilson, États-Unis (Hawaï), en anglais et en hawaïen, diffusé en 2015 dans Independent Lens sur PBS. Hinaleimoana Wong-Kalu, enseignante māhū autochtone hawaïenne, est créditée comme haku moʻolelo (conteuse) et narratrice, et la cinéaste autochtone hawaïenne Connie M. Florez l'a coproduit.

Hinaleimoana Wong-Kalu, connue sous le nom de Kumu (enseignante) Hina, est une māhū autochtone hawaïenne, un mot qui, selon PBS, désigne les personnes qui incarnent à la fois l'esprit masculin et l'esprit féminin. Elle est directrice culturelle d'une école à charte en langue hawaïenne à Honolulu.

Le film la suit alors qu'elle s'appuie sur la culture traditionnelle pour encourager une élève, Hoʻonani, à prendre sa place à la tête de la troupe de hula de l'école, entièrement masculine. Dans sa propre vie, elle aspire à l'amour et à l'engagement, et elle est mariée à un homme tongien. C'est un film subtil, d'observation, raconté par la voix de Hina elle-même.

Pourquoi c'est important. Il montre un genre extérieur aux catégories occidentales comme une réalité profondément enracinée, qui a une place respectée dans sa propre culture, et non comme une idée nouvelle qu'il faudrait expliquer. Hina n'est pas présentée comme une sainte : dans sa critique, IndieWire a salué le film de la montrer courageuse et sûre d'elle mais aussi en proie au doute, respectée au travail et en difficulté à la maison. Il montre une facette d'Hawaï rarement vue à l'écran.

Bon à savoir. Attention aux étiquettes. PBS et le site du film traduisent māhū par « transgenre », mais la critique publiée par IndieWire en 2014 estimait que qualifier Hina de femme trans revenait à lui imposer un terme du continent américain, puisque māhū est son propre mot. La même critique relevait que le film ne masque pas les fissures de son mariage.

Avertissements de contenu: tensions et conflits dans un mariage

Bixa Travesty (2018, film documentaire)

Créé par: Réalisé par Claudia Priscilla et Kiko Goifman, avec la participation de Linn da Quebrada au scénario, Brésil, en portugais. Linn, chanteuse et performeuse noire brésilienne, se définit comme travesti, un mot portugais qui, dit-elle, porte beaucoup d'histoire et qu'elle revendique avec fierté ; on y voit aussi Jup do Bairro, proche de Linn et partenaire de scène, autre personne trans noire qui fait de la musique.

Linn da Quebrada a grandi en périphérie de São Paulo et fait une musique nourrie de baile funk qui démonte le machisme, le racisme et les normes de genre. Bixa Travesty la suit sur scène avec Jup do Bairro, sur un plateau façon podcast où elle parle face caméra, et chez elle avec sa mère, avec qui elle parle de genre et de pauvreté.

C'est moins un portrait classique qu'un mélange de performance, de conversation et de scènes jouées, une forme que Linn ne qualifie pas de fiction mais de « friction ». Le film a été présenté en première au Festival international du film de Berlin et a remporté le Teddy Award du meilleur documentaire.

Pourquoi c'est important. Linn a dit que le cinéma avait « contribué à construire l'absence de la travesti », et qu'elle voulait un film qui porte son propre regard sur elle-même. C'est exactement ça : une travesti noire qui fixe elle-même les termes de la façon dont on la voit, bruyante, drôle et politique, dans un pays où, selon le Guardian, plus de personnes trans ont été tuées en 2019 que partout ailleurs.

Bon à savoir. Les cinéastes ne sont pas le sujet du film, et Linn a abordé la question de front : elle a dit ne pas vouloir un film sur elle mais un film fait avec elle, et parle de « notre film ». Priscilla a déclaré à Veja que Linn avait suivi chaque étape du montage et avait eu autant son mot à dire que les deux cinéastes.

Avertissements de contenu: discussions franches sur le sexe et le corps, évocation d'images explicites, transphobie et racisme, tensions familiales autour du genre

Happy Birthday, Marsha! (2018, court métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Tourmaline (créditée à l'époque sous le nom de Reina Gossett) et Sasha Wortzel, États-Unis, avec Zackary Drucker comme productrice consultante ; Mya Taylor joue Johnson et Eve Lindley joue Rivera. Tourmaline s'est décrite comme une femme trans noire.

Ce n'est pas un documentaire mais un court métrage de fiction. Il imagine Marsha P. Johnson par une journée de chaleur de juin 1969 : elle organise une fête d'anniversaire et personne ne vient, tandis que son amie Sylvia Rivera a ses propres ennuis. Au fil d'une journée dure, faite de harcèlement et de solitude, les deux amies finissent par rejoindre le Stonewall Inn, le soir même où la police compte y faire une descente.

Tourmaline et Wortzel ont d'abord voulu faire un documentaire sur Johnson et Rivera, puis ont changé de cap pour un court métrage de fiction, financé sur Kickstarter, que le duo a présenté comme une preuve de concept pour un long métrage.

Pourquoi c'est important. C'est un hommage à deux personnes racisées au cœur de la libération queer et trans, fait par une femme trans noire qui a passé plus de dix ans à chercher l'histoire de Johnson dans les archives et chez les gens qui l'avaient connue. Il montre Johnson et Rivera comme deux amies qui vivent une journée ordinaire et difficile, pas seulement comme des symboles. Regarde-le comme un hommage, pas comme un livre d'histoire.

Bon à savoir. Il prend des libertés avec les faits : l'anniversaire de Johnson était en août, et dans une interview ultérieure, elle a dit que l'émeute avait déjà commencé à son arrivée. Le film est aussi pris dans une controverse publique avec le documentaire de David France The Death and Life of Marsha P. Johnson, détaillée plus bas dans la fiche consacrée à ce film.

Avertissements de contenu: harcèlement policier et descente de police, consommation de drogues, solitude et rejet

Disclosure (2020, film documentaire)

Créé par: Réalisé par Sam Feder, cinéaste trans, et produit par Feder et Amy Scholder, États-Unis ; Laverne Cox, qui apparaît aussi dans le film, fait partie de la production exécutive. Feder a expliqué à Deadline que plus de 150 personnes trans avaient travaillé sur le film, et que lorsqu'il était impossible d'engager une personne trans à un poste technique, une autre personne trans du cinéma bénéficiait d'un mentorat.

Disclosure revisite environ un siècle de cinéma et de télévision, surtout américains, à travers le regard des personnes trans qui ont grandi devant ces images. Laverne Cox, Jen Richards, Yance Ford, Lilly Wachowski, Angelica Ross, Brian Michael Smith, Chaz Bono, Susan Stryker et bien d'autres regardent des extraits et racontent ce que ces images leur ont appris, et ont appris à tout le monde, sur qui sont les personnes trans.

Il passe du douloureux, comme la « révélation » mise en scène pour susciter le dégoût, ou le personnage trans réduit à une blague ou à un tueur, à l'inattendu et au tendre, comme Cox qui se reconnaît un peu dans Yentl, ou Stryker et Wachowski dans Bugs Bunny.

Pourquoi c'est important. Beaucoup d'entre nous ont absorbé ces images avant d'avoir des mots pour se dire. Disclosure met un nom là-dessus, en laissant toute la parole à des acteurs, des scénaristes et des universitaires trans, avec aussi des personnes trans derrière la caméra. Feder a décrit la fabrication du film comme « à la fois insoutenable et validante », et le regarder peut faire le même effet.

Bon à savoir. Il porte presque entièrement sur la culture audiovisuelle américaine, et Feder a reconnu qu'il « manque encore beaucoup de choses » dans cette montagne d'images. Feder a aussi dit que la visibilité n'est pas un but en soi, puisque davantage de visibilité s'est accompagnée d'un plus fort retour de bâton, et le film tient cette tension sans la résoudre.

Avertissements de contenu: blagues transphobes et scènes de « révélation », extraits montrant les personnes trans comme trompeuses, répugnantes ou violentes, évocation des violences contre les femmes trans

No Ordinary Man (2020, film documentaire)

Créé par: Réalisé par Aisling Chin-Yee et Chase Joynt, écrit par Chin-Yee et Amos Mac, Canada. Joynt est trans, et Billy Tipton est incarné, en audition et dans des scènes, par des acteurs qui sont des hommes trans, dont Marquise Vilsón et Scott Turner Schofield.

Billy Tipton était un pianiste et chanteur de jazz qui a vécu en homme à partir de 1933, a joué dans des clubs de l'Ouest et du Midwest américains, puis s'est installé à Spokane avec sa femme Kitty et leurs trois fils adoptifs. À sa mort en 1989, on a appris qu'il avait été assigné femme à la naissance, et la presse à scandale et les talk-shows ont fait de la vie de sa famille un spectacle.

No Ordinary Man ne cherche pas à trancher qui Tipton était « vraiment ». Les cinéastes font passer des auditions à des acteurs hommes trans pour des scènes écrites à partir de sa vie, puis leur demandent ce que le rôle remue en eux. Des auteurs et des universitaires trans analysent la façon dont son histoire a été racontée, et son fils Billy Jr. parle de son père.

Pourquoi c'est important. Les films sur la masculinité trans restent rares, et celui-ci traite avec un vrai soin un homme qui n'a jamais parlé pour lui-même. Voir des hommes trans d'âges et de parcours différents se reconnaître dans une vie vécue avant nos mots actuels, et la discuter, est émouvant. Joynt a dit que le but était de remettre le récit « entre les mains du plus grand nombre possible de personnes s'identifiant comme transmasculines ».

Bon à savoir. Tipton ne s'est jamais expliqué publiquement, donc tout récit à son sujet est une interprétation. Le film conteste ouvertement le plus connu, la biographie de Diane Wood Middlebrook parue en 1998, qui selon les participants présentait sa vie comme un choix pratique pour pouvoir travailler dans la musique. Richard Brody, du New Yorker, qui a apprécié le film, note que son approche méta a ses limites et s'attarde rarement sur sa propre démarche.

Avertissements de contenu: outing après la mort, extraits d'archives de talk-shows et de presse à scandale présentant la vie de Tipton comme une imposture, questions intrusives posées à sa famille, évocation des circonstances de sa mort

Framing Agnes (2022, film documentaire)

Créé par: Réalisé par Chase Joynt, écrit par Joynt et Morgan M. Page, Canada. Joynt, qui est trans, joue l'intervieweur, et les personnes des dossiers sont incarnées par les interprètes trans Angelica Ross, Zackary Drucker, Jen Richards, Max Wolf Valerio, Silas Howard et Stephen Ira, avec l'historienne Jules Gill-Peterson pour guide.

Au début des années 1960, une jeune femme trans connue sous le pseudonyme d'Agnes a participé aux recherches sur le genre du sociologue Harold Garfinkel à l'UCLA, et elle est devenue un cas célèbre de la sociologie. Des décennies plus tard, Chase Joynt et la sociologue Kristen Schilt ont retrouvé, dans un classeur métallique rouillé, les transcriptions des entretiens de Garfinkel avec elle et avec d'autres personnes trans.

Framing Agnes rejoue ces entretiens sous la forme d'un talk-show en noir et blanc façon années 1960, puis passe aux interprètes, aux cinéastes et à l'historienne Jules Gill-Peterson, qui discutent de ce que signifie jouer ces personnes, de la façon dont on raconte les histoires trans, et de la raison pour laquelle on cherche des icônes. Le film est né du court métrage du même nom réalisé par Joynt en 2019.

Pourquoi c'est important. Une grande partie des débuts de notre histoire nous parvient par des dossiers médicaux et des talk-shows. Au lieu de prétendre retrouver la « vraie » Agnes, ce film confie l'archive à des personnes trans et les laisse la discuter, elle et l'idée même d'icône trans. Comme le dit Angelica Ross dans le film : « Nous avons entendu les histoires racontées par le chasseur, et pas par le lion. »

Bon à savoir. Les critiques étaient partagées sur la forme. Dans Paste, Shayna Maci Warner l'a trouvé « formellement incomplet et heurté », a estimé qu'il puisait trop peu dans ces transcriptions extraordinaires, et a jugé son approche théorique assez inaccessible pour un projet fondé sur le témoignage de personnes trans ordinaires. Si tu cherches une histoire racontée simplement, ce n'est pas ce film.

Avertissements de contenu: entretiens de recherche rejoués sur le genre et le corps, examen des personnes trans façon talk-show, extraits où la presse dissèque des célébrités trans

Kokomo City (2023, film documentaire)

Créé par: Réalisé, produit, filmé et monté par D. Smith, États-Unis, avec Lena Waithe et Rishi Rajani parmi les producteurs exécutifs. Smith est une femme trans et une productrice de musique récompensée aux Grammy Awards, et les quatre femmes au centre du film sont des femmes trans noires.

Quatre femmes trans noires qui font ou ont fait du travail du sexe, Daniella Carter et Dominique Silver à New York, Koko Da Doll et Liyah Mitchell à Atlanta, parlent à la caméra de D. Smith dans leur chambre, leur voiture et chez elles. Elles sont drôles, directes et acérées sur les clients, le danger, la famille, et la façon dont les hommes cis noirs qui les désirent en privé les humilient souvent en public.

Smith filme en noir et blanc avec l'énergie d'un clip, ajoute des reconstitutions pleines d'ironie, et interroge aussi quelques hommes noirs sur le désir, le genre et la masculinité.

Pourquoi c'est important. Il ne réduit pas les femmes trans noires à leurs traumatismes. Ces femmes racontent leur propre histoire, selon leurs propres termes, à une réalisatrice qui, d'après ses propres mots, a perdu sa carrière musicale et son logement après sa transition. Le film refuse la respectabilité et les éléments de langage prudents habituels, et c'est exactement ce que certaines personnes adoreront et que d'autres trouveront difficile.

Bon à savoir. La critique du Hollywood Reporter a trouvé que les entretiens avec des hommes noirs cohabitent parfois maladroitement avec le témoignage des femmes. Peter Debruge, dans Variety, a relevé qu'une séquence vers la fin, centrée sur le corps des femmes, est un choix que certaines personnes trans jugent controversé. Koko Da Doll a été tuée par balle à Atlanta en avril 2023, quelques mois après la première, et le film lui est dédié.

Avertissements de contenu: discussions sexuelles crues, nudité, une rencontre violente avec un client impliquant une arme à feu, insultes employées par les femmes filmées, rejet familial, évocation des violences contre les femmes trans

Orlando, ma biographie politique (2023, film documentaire)

Créé par: Écrit et réalisé par Paul B. Preciado, France, en français, produit par Les Films du Poisson avec 24 Images et ARTE France. Preciado, philosophe né en Espagne et installé à Paris, présenté par ses producteurs comme écrivain et militant transgenre, a réuni 26 personnes trans et non-binaires âgées de 8 à 70 ans, pour la plupart non professionnelles.

Quand on lui demande pourquoi il n'a jamais écrit sa propre biographie, Paul B. Preciado répond que Virginia Woolf l'a déjà fait, en 1928. L'Orlando de Woolf est un poète qui change de sexe et traverse les siècles. Le film de Preciado est une lettre filmée à Woolf : son Orlando est sorti du livre et vit aujourd'hui, sous les traits de 26 personnes trans et non-binaires qui se présentent chacune comme Orlando.

Elles lisent des passages du roman, parlent de leur propre vie, de leur famille et de leurs démêlés avec la psychiatrie, et jouent des scènes dans des décors volontairement faits maison, avec des apparitions des artistes Pierre et Gilles et de la romancière Virginie Despentes. Le film a été présenté en première au Festival international du film de Berlin 2023, où il a remporté le Teddy Award du meilleur documentaire.

Pourquoi c'est important. Il donne à un groupe large et varié de personnes trans et non-binaires, des enfants aux aînés, le même premier rôle, et laisse chacune se l'approprier. Il est à la fois joueur et furieux, traite le genre comme une question politique autant que personnelle, et lit un classique de la littérature comme notre histoire, racontée par nous. Si tu préfères les essais aux intrigues, commence par celui-ci.

Bon à savoir. Il tient de l'essai et assume son petit budget, avec des décors filmés au-delà de leur cadre. Redmond Bacon, de Journey Into Cinema, qui l'a aimé, l'a tout de même trouvé « un peu théâtral et répétitif par moments ». Preciado a dit vouloir éviter de donner « une image figée de ce qu'est la transidentité », alors attends-toi à des idées et à des voix plus qu'à une histoire.

Avertissements de contenu: évocation du contrôle psychiatrique sur les parcours trans, rejet familial et transphobie, discussions franches sur la transition

The Stroll (2023, film documentaire)

Créé par: Réalisé par Kristen Lovell et Zackary Drucker pour HBO Documentary Films, États-Unis. Les deux réalisatrices sont des cinéastes trans, et Lovell, qui est noire, a elle-même fait du travail du sexe sur The Stroll dans les années 1990 ; elle est l'une des voix du film.

Pendant des décennies, le tronçon de West 14th Street près de l'Hudson, aujourd'hui occupé par des boutiques de luxe et la High Line, a été l'endroit où beaucoup de femmes trans noires et latinas gagnaient leur vie grâce au travail du sexe. Elles l'appelaient The Stroll. Kristen Lovell était l'une d'elles. Elle a commencé à y filmer d'autres femmes vers 19 ans, et des années plus tard, avec Zackary Drucker, elle est retournée chercher celles qui avaient survécu.

Le film entrelace leurs conversations avec des images d'actualité qui les traitaient autrefois comme un problème, de l'animation en papier découpé, et le récit de la façon dont la police et la gentrification les ont chassées, dont le meurtre d'Amanda Milan en 2000 et la réaction de la communauté.

Pourquoi c'est important. C'est l'histoire trans racontée depuis la rue, par les femmes qui l'ont vécue, et le film refuse de s'excuser du travail du sexe ou d'en faire un récit édifiant. Drucker a dit que le cliché de la travailleuse du sexe a poussé les gens à mettre en avant d'autres histoires, ce qui a effacé ces femmes de notre histoire. L'héritage de Sylvia Rivera traverse tout le film.

Bon à savoir. Fionnuala Halligan, dans Screen Daily, note que ce n'est pas une histoire bâtie sur les faits : pas de liste nominative des mortes, peu de choses sur ce que sont devenues celles qui ont disparu, et aucune mention explicite du sida ou de l'épidémie de crack. Le film inclut aussi un vieil extrait où RuPaul se moque des femmes du quartier, que les réalisatrices ont choisi de montrer.

Avertissements de contenu: le meurtre d'Amanda Milan, violences policières, incarcération, violences de clients, consommation de drogues, images d'archives qui se moquent de femmes trans

Films de fiction avec des personnes trans au centre

Des fictions où des personnages trans sont au cœur de l'histoire, joués pour la plupart par des interprètes trans. Certaines sont écrites et réalisées par des cinéastes trans ; d'autres viennent de cinéastes qui ne se sont pas décrits comme trans et qui confient le rôle principal à des interprètes trans. La plupart sont de petits films indépendants, plusieurs ne sont pas en anglais, et tous ne sont pas tendres.

By Hook or by Crook (2001, long métrage)

Créé par: Écrit, réalisé et produit par Silas Howard et Harry Dodge, qui tiennent aussi les rôles principaux, avec Stanya Kahn au coscénario (États-Unis). Howard est un réalisateur trans et utilise le pronom he. Dodge utilise he lui aussi, s'est décrit comme « une sorte de butch macho », et a dit avoir longtemps évité de parler de genre tout court.

Shy (Howard), que les cinéastes décrivent comme « un beau butch de petite ville qui brouille les genres », quitte le Kansas pour San Francisco après la mort de son père. Il y rencontre Valentine (Dodge), adopté et à la recherche de sa mère biologique, et les deux deviennent meilleurs amis et complices dans de petits larcins, avec l'amante de Val, Billie (Kahn). Ils sont fauchés, un peu perdus, et absolument sûrs l'un de l'autre.

Pourquoi c'est important. Tourné avec presque rien par deux artistes de la scène punk et performance queer de San Francisco, c'est un buddy movie sur deux marginaux butch dans lequel, comme l'a écrit IndieWire, Shy et Val ne remettent jamais en question le genre l'un de l'autre. IndieWire l'a aussi rangé parmi les films trans les plus influents jamais réalisés. C'est un morceau d'histoire trans et butch qui paraît toujours vivant.

Bon à savoir. Il a été tourné en mini DV et l'image est brute. Les critiques de l'époque étaient partagées : Robert Koehler, dans Variety, l'a trouvé ennuyeux, et Wesley Morris (Boston Globe) l'a jugé « pas particulièrement bon ». En 2022, Howard et Dodge ont dit à Filmmaker Magazine qu'ils cherchaient des fonds pour le restaurer.

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Tangerine (2015, long métrage)

Créé par: Réalisé par Sean Baker et écrit par Baker et Chris Bergoch (États-Unis), tourné avec des iPhone 5s. Les deux actrices principales, Kitana Kiki Rodriguez et Mya Taylor, sont des actrices trans, et selon Variety, elles ont apporté une contribution importante au scénario.

C'est la veille de Noël à Hollywood. Sin-Dee Rella (Rodriguez), travailleuse du sexe trans, sort tout juste de 28 jours de prison quand sa meilleure amie Alexandra (Taylor) laisse échapper que le petit ami de Sin-Dee, qui est aussi son proxénète, la trompe. Sin-Dee traverse le quartier en furie pour le retrouver, lui et l'autre femme, pendant qu'Alexandra distribue des flyers pour un concert où elle espère que quelqu'un viendra vraiment.

C'est rapide, bruyant et très drôle, et une intrigue parallèle suit un chauffeur de taxi arménien qui a lui aussi un secret.

Pourquoi c'est important. Deux femmes trans racisées portent tout le film, et elles ont le droit d'être mesquines, loyales, furieuses et hilarantes plutôt que de servir de leçon tragique à quelqu'un d'autre. Ses producteurs et son distributeur ont mené ce qui a été présenté comme la première campagne pour les prix en faveur d'actrices trans, et Mya Taylor est devenue la première femme trans à remporter un Gotham Award. La vraie histoire d'amour, c'est l'amitié entre Sin-Dee et Alexandra.

Bon à savoir. The Advocate a rapporté des critiques reprochant au film de montrer, une fois de plus, des femmes trans comme travailleuses du sexe. Rodriguez a répondu : « Je dirais que c'est réaliste. » Taylor, qui avait elle-même fait du travail du sexe, a profité de l'attention pour dénoncer la stigmatisation qui l'entoure.

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Karera ga honki de amu toki wa (2017, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Naoko Ogigami (Japon, en japonais). Rinko, la femme trans au cœur du film, est jouée par Toma Ikuta, que la critique de Seventh Row décrit comme un acteur cisgenre. Les sources que nous avons trouvées ne documentent aucune personne trans parmi les rôles principaux ni aux postes clés de l'équipe.

Tomo a 11 ans et a l'habitude de se débrouiller seule. Chaque fois que sa mère part avec un nouvel homme, Tomo va chez son oncle Makio. Cette fois, Makio vit avec sa compagne Rinko, une femme trans qui tient leur foyer avec beaucoup de soin et qui tricote. Rinko accueille Tomo avec une chaleur que la fillette n'a jamais connue, et tous les trois commencent à former une famille, même si tout le monde autour d'eux ne voit pas ça d'un bon œil.

Pourquoi c'est important. C'est un film familial japonais grand public, tout en douceur, où une femme trans est aimée, respectée et indispensable. Elena Lazic (Seventh Row) y a vu une étape marquante pour un cinéma national qui reconnaît très rarement l'existence des personnes trans, et encore moins sous un jour positif. Il a remporté le Teddy Award spécial du jury à la Berlinale.

Bon à savoir. Rinko est jouée par un homme cis. Lazic a écrit qu'« il est bien sûr dommage que Rinko soit jouée par l'acteur cisgenre Toma Ikuta », et a trouvé le film « d'un conservatisme décevant », avec « une approche résolument non conflictuelle de la transphobie ». La même critique saluait sa chaleur.

Avertissements de contenu: négligence envers une enfant, hostilité transphobe et homophobe d'un parent, un garçon qui cache qu'il est gay

Una mujer fantástica (Une femme fantastique) (2017, long métrage)

Créé par: Réalisé par Sebastián Lelio, écrit par Lelio et Gonzalo Maza. Un film chilien coproduit avec l'Allemagne et l'Espagne, en espagnol. Daniela Vega, qui joue Marina, est une femme trans ; elle a d'abord rejoint le projet comme consultante sur le scénario avant que Lelio ne lui propose le rôle principal.

Marina est chanteuse et serveuse à Santiago et vit avec son compagnon plus âgé, Orlando. Quand il meurt subitement une nuit, sa famille à lui et la police la traitent non pas comme une compagne en deuil mais comme une suspecte et un problème à gérer. Elle est interrogée, sommée de ne pas venir aux obsèques et chassée du logement qu'ils partageaient, et elle continue de chercher une façon de lui dire adieu à sa manière.

Pourquoi c'est important. Vega joue Marina avec une dignité obstinée qui ne réclame jamais la pitié du public, et le film reste de son côté. Il a remporté l'Oscar du meilleur film en langue étrangère, le premier du Chili dans cette catégorie, et Vega est devenue la première personne trans à monter sur scène pour présenter lors de la cérémonie des Oscars. Au Chili, où un projet de loi sur l'identité de genre avançait lentement au Congrès, des militants trans voyaient en elle un modèle.

Bon à savoir. Lelio et Maza ont dit au Guardian qu'ils ne connaissaient aucune personne trans au Chili quand ils ont commencé à écrire, et que c'est pour cette raison qu'ils ont fait appel à Vega. Certains critiques ont trouvé que le film s'intéresse davantage à ce qu'on fait subir à Marina qu'à qui elle est : Emily Yoshida (Vulture) aurait voulu que Vega et Lelio « nous laissent entrer un peu plus pour la voir comme une personne, au-delà de l'hostilité qu'elle affronte », et Christopher Gray (Slant) l'a jugé régressif.

Avertissements de contenu: deuil, hostilité transphobe de la famille d'un compagnon, mégenrage et usage du deadname par la police, examen policier forcé et humiliant, agression et enlèvement par des membres de la famille

Lingua Franca (2019, long métrage)

Créé par: Écrit, réalisé, produit et monté par Isabel Sandoval, qui joue aussi le rôle principal (production philippine et américaine, surtout en anglais). Sandoval est une femme trans philippine immigrée qui vit à Brooklyn, comme son personnage, et a dit que c'était le premier film qu'elle faisait après sa transition.

Olivia est une femme trans philippine sans papiers qui travaille comme aide à domicile logée chez Olga, une vieille dame juive d'origine russe de Brighton Beach, à Brooklyn, dont la mémoire commence à flancher. Olivia envoie de l'argent au pays et paie un Américain pour un mariage qui pourrait lui obtenir une carte verte. Puis Alex, le petit-fils adulte d'Olga, tout juste sorti de cure de désintoxication, vient s'installer, et quelque chose de lent et d'incertain naît entre Olivia et lui, tandis que la peur des descentes des services de l'immigration ne quitte jamais la pièce.

Pourquoi c'est important. C'est une femme trans racisée qui raconte avec sa propre voix une histoire de désir, de travail et de papiers, et qui la joue elle-même. La transidentité d'Olivia fait partie de sa vie, sans être toute l'intrigue. Sandoval a dit avoir emprunté volontairement la forme d'un mélodrame familier, pour que le film puisse montrer qu'Olivia est « plus qu'une femme trans en quête d'amour, ou qu'une immigrée sans papiers ». Si tu as déjà dû mettre en balance ta sécurité et l'intimité, ce film te parlera de près.

Bon à savoir. Il est calme et retenu par choix, et tous les critiques n'ont pas suivi : Stephen Dalton (The Hollywood Reporter) y a vu « une déception poussive et amateur », et Jeannette Catsoulis (The New York Times) l'a trouvé « trop timide sur le plan dramatique et trop mince dans son récit pour émouvoir ».

Avertissements de contenu: peur des descentes de l'immigration et de l'expulsion, moqueries transphobes, alcool et addiction, outing et atteinte à la vie privée, contenu sexuel

Port Authority (2019, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Danielle Lessovitz (États-Unis et France), produit avec la société de Martin Scorsese. Leyna Bloom, qui joue Wye, est une actrice trans racisée issue de la communauté ballroom ; Lessovitz a dit n'avoir jamais envisagé de confier ce rôle à quelqu'un qui ne soit pas trans.

Paul, 20 ans et nulle part où dormir, arrive au terminal de bus de Port Authority à New York et se sent attiré par Wye, une jeune femme qui fait du voguing sur le trottoir avec sa famille du ballroom. Il se retrouve partagé entre deux mondes : une bande de types machos qui lui trouvent du travail dans les expulsions locatives, et la house de la scène kiki à laquelle appartient Wye. Leur histoire d'amour commence avant qu'il sache qu'elle est trans, et le film suit ce qu'il fait de cette découverte.

Pourquoi c'est important. Bloom est devenue la première actrice trans racisée à tenir le premier rôle d'un film présenté à Cannes, et elle apporte à l'écran la vraie vie du ballroom : « Je suis une femme trans du ballroom qui joue un personnage », a-t-elle dit au Los Angeles Times. Même les critiques qui n'ont pas aimé le film l'ont saluée, et les scènes avec sa famille de la house sont la raison de le voir.

Bon à savoir. L'histoire est racontée du point de vue de Paul, et la critique l'a relevé. Odie Henderson (RogerEbert.com) a écrit que Wye est « parfois presque secondaire » et qu'« il est dommage que ce film ne parle pas vraiment d'eux ». Robert Daniels (The Playlist) y a vu « encore un film à courte vue qui se sert de personnes noires comme d'une leçon pour des Blancs ignorants venus de l'extérieur ».

Avertissements de contenu: insultes homophobes et transphobes, un vol avec agression, violences homophobes, expulsions locatives, mensonges et une relation cachée

Joyland (2022, long métrage)

Créé par: Réalisé par Saim Sadiq, écrit par Sadiq et Maggie Briggs (Pakistan, en ourdou et en pendjabi). Alina Khan, qui joue Biba, est une actrice trans de Lahore qui avait aussi joué dans Darling, le court métrage de Sadiq.

À Lahore, Haider, le fils cadet sans emploi d'un patriarche qui veut un petit-fils, accepte en secret un travail de danseur d'accompagnement dans un théâtre de danse érotique. La vedette du spectacle est Biba, une danseuse trans à la langue bien pendue et aux grandes ambitions, et Haider tombe amoureux d'elle. À la maison, sa femme Mumtaz est sommée de renoncer à son emploi au salon de beauté, qu'elle adore. Le film montre ce que cette maison pleine de règles fait à chacun de ceux qui y vivent.

Pourquoi c'est important. Biba est fière, drôle, exigeante et bien décidée à devenir une star, et elle est jouée par une actrice trans de la ville où se déroule le film. Sadiq a dit : « C'est tout simplement rafraîchissant de voir un personnage trans très affirmé qui se trouve avoir la peau brune, être musulman, et vivre dans un pays comme le Pakistan. » Le film a remporté le prix du jury d'Un Certain Regard et la Queer Palm à Cannes.

Bon à savoir. Le gouvernement pakistanais l'a interdit en novembre 2022 après des plaintes de religieux intransigeants qui le jugeaient « répugnant ». L'interdiction fédérale a été levée, mais la province du Pendjab, où se trouve Lahore, a maintenu sa propre interdiction ; en août 2025, Dawn a annoncé qu'il serait enfin projeté à Lahore, dans un lieu événementiel. À noter : le personnage principal est Haider, pas Biba.

Avertissements de contenu: violences contre les femmes trans (un meurtre est évoqué), attouchements et harcèlement sexuel, questions grossières sur le corps d'une femme trans, contrôle patriarcal, contenu sexuel, une mort soudaine dans la famille

Monica (2022, long métrage)

Créé par: Réalisé par Andrea Pallaoro, écrit par Pallaoro et Orlando Tirado (États-Unis et Italie). Trace Lysette, qui joue Monica, est une actrice trans ; elle a auditionné pour la première fois pour le rôle en 2016.

Monica, une femme trans, reçoit un appel de sa belle-sœur : sa mère, qui l'a rejetée à l'adolescence, est gravement malade. Monica retourne dans la maison familiale pour aider à s'occuper d'elle. Sa mère, qui ne l'a pas vue depuis avant sa transition et dont la maladie affecte l'esprit, ne la reconnaît pas, et Monica décide de ne pas dire qui elle est.

Pourquoi c'est important. C'est un premier rôle rare pour une femme trans, et Lysette le porte presque sans discours, par des regards et des souffles retenus. Le film comprend la rupture familiale de l'intérieur : revenir chez soi comme quelqu'un qu'on ne connaît plus, prendre soin de quelqu'un qui t'a fait du mal, désirer quelque chose qu'on ne peut pas demander. Il a été présenté en compétition à Venise, où, selon Out, il a reçu une ovation debout de 11 minutes.

Bon à savoir. Sa retenue ne fonctionne pas pour tout le monde : Jon Frosch (The Hollywood Reporter) y a vu « un exercice de formalisme poussif » qui « donne l'impression d'un film qui peine sans cesse à créer un lien ». Il est calme et lent, et explique très peu de choses.

Avertissements de contenu: rejet par un parent, maladie grave d'un parent, rupture familiale, solitude

Something You Said Last Night (2022, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Luis De Filippis (Canada et Suisse, en anglais et en italien). De Filippis est une femme trans. L'actrice principale, Carmen Madonia, est trans et tournait son premier film, et De Filippis a mis en place un programme de mentorat qui a fait entrer cinq jeunes trans dans l'équipe technique.

Ren, au milieu de la vingtaine, rêve d'écrire et vient de perdre son emploi, et elle a été entraînée dans une semaine de vacances d'été avec ses parents italo-canadiens et sa sœur, dans un complexe balnéaire de l'Ontario. C'est à peu près toute l'histoire : chamailleries, ennui, une mère qui s'inquiète trop, deux sœurs qui se disputent un chapeau ringard. Ren est tiraillée entre l'envie d'une vie à elle, indépendante, et la facilité de laisser sa famille s'occuper à nouveau d'elle.

Pourquoi c'est important. Pas de coming out, pas d'intrigue de transition, pas de violence qui attend au tournant. De Filippis a dit être lasse des films trans racontés d'un point de vue cis et obsédés par la transition ou le coming out. Mel Woods, dans sa critique pour Xtra, a raconté avoir attendu en se crispant un mégenrage ou une remarque cruelle qui ne sont jamais arrivés. Ren a le droit d'être boudeuse, aimante et un peu perdue, comme n'importe qui en vacances en famille.

Bon à savoir. Sa discrétion est aussi sa limite pour certains : Lovia Gyarkye (The Hollywood Reporter) a estimé que, faute d'en montrer davantage sur Ren, il « peut parfois sembler involontairement impénétrable », et Erik Piepenburg (The New York Times) aurait voulu que le film repose sur autre chose que le naturalisme et la tendresse.

Avertissements de contenu: disputes et tensions familiales (les critiques notent qu'il évite la violence transphobe et le mégenrage)

20.000 especies de abejas (20 000 espèces d'abeilles) (2023, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Estibaliz Urresola Solaguren, dont c'est le premier long métrage (Espagne, en espagnol, en basque et en français). La réalisatrice a travaillé avec Naizen, une association de familles de mineurs trans, pour rendre au plus juste l'expérience de l'enfant.

Le temps d'un été au Pays basque, une enfant de huit ans qui se fait appeler par un surnom et qui, en secret, se voit comme Lucía, séjourne chez sa grand-mère avec sa mère Ane et sa fratrie. La maison est liée à l'apiculture, et Ane, sculptrice en pleine crise de milieu de vie, travaille leur cire d'abeille. Tandis que Lucía cherche à se faire comprendre, les femmes de trois générations qui l'entourent se mettent elles aussi à regarder leur propre vie en face.

Pourquoi c'est important. Il pose sur une enfant trans un regard patient et doux, et fait du lent cheminement de la famille vers la compréhension le cœur du drame, pas de l'existence de l'enfant. Sofía Otero est devenue la plus jeune lauréate de l'histoire de l'Ours d'argent de la meilleure interprétation principale à la Berlinale. Si tu te souviens d'avoir su, enfant, avant tout ton entourage, certains passages te frapperont de plein fouet.

Bon à savoir. Leigh Monson (The A.V. Club) a souligné qu'Urresola Solaguren n'est pas elle-même trans, ce qui limite la profondeur avec laquelle le film peut entrer dans les sentiments de Lucía, et a relevé des faiblesses de rythme et de profondeur, tout en saluant son empathie.

Avertissements de contenu: mégenrage et prénom de naissance d'une enfant utilisé dans la famille, déni d'un parent, allusions à l'intolérance d'un grand-parent, peur du rejet chez une enfant

Mutt (2023, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Vuk Lungulov-Klotz (États-Unis, en anglais et en espagnol). Lungulov-Klotz est un homme trans et s'est inspiré de sa propre vie d'enfant de parents chilien et serbe. Lío Mehiel, dans le rôle principal, est trans, utilise les pronoms they/them, et se décrit comme ayant des « genres mêlés » ainsi que des racines portoricaines et grecques.

Le temps d'une journée mouvementée à New York, Feña, un jeune homme trans, se heurte à trois personnes avec qui il a perdu le contact après sa transition : son ex-petit ami hétéro, sa demi-sœur cadette dont il s'est éloigné, et son père, qui arrive du Chili en avion et qu'il faut aller chercher à l'aéroport. Chacun doit rencontrer la personne que Feña est aujourd'hui, et lui doit décider jusqu'où il est prêt à continuer de s'expliquer.

Pourquoi c'est important. Les hommes trans sont encore rarement au centre d'un film, et celui-ci a été fait de l'intérieur, avec une distribution et une équipe en majorité trans et queer. Mehiel a été la première personne trans à remporter le prix spécial du jury pour l'interprétation dans la compétition U.S. Dramatic de Sundance. Le film est honnête sur les petits coûts du quotidien, comme être mégenré à la banque, et tout aussi honnête sur la tendresse et le désir.

Bon à savoir. Clayton Dillard (Slant) a écrit que « Feña souffre pour que d'autres personnes trans n'aient pas à souffrir », ce qui, selon cette critique, « réduit Mutt à un téléfilm éducatif pour ados ». Lungulov-Klotz a dit que le public trans trouve en général le film équilibré et tendre, alors que les personnes qui ne sont pas trans ont l'impression qu'il en fait beaucoup subir à son personnage.

Avertissements de contenu: mégenrage, un père qui questionne et invalide la transition de son enfant, rupture familiale, intimité sexuelle

I Saw the TV Glow (2024, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Jane Schoenbrun (États-Unis), avec Justice Smith et Jack Haven. Schoenbrun est trans, utilise les pronoms they/them, et a écrit le film après son coming out. Haven, qui apparaît au générique sous son ancien nom, Brigette Lundy-Paine, a fait son coming out non-binaire en 2019 et a annoncé le nom Jack Haven en 2025.

En 1996, deux ados solitaires d'une banlieue pavillonnaire, Owen (Smith) et Maddy (Haven), se lient autour de The Pink Opaque, une série diffusée tard le soir où deux filles unies par un lien psychique combattent un méchant. Owen n'a pas le droit de veiller pour la regarder, alors Maddy la partage avec lui. Au fil des années, la série finit par leur sembler plus réelle que leur propre vie, et la frontière entre les deux commence à se brouiller.

Pourquoi c'est important. Schoenbrun l'a décrit comme un film sur l'éclosion de l'œuf et sur la dysphorie telle que Schoenbrun l'a vécue pendant 30 ans avant d'avoir les mots pour la dire : intérieure, subliminale, parfois terrifiante. Pas de scène de coming out ni d'histoire de transition, seulement la sensation. Si tu as passé des années à sentir que quelque chose n'allait pas sans savoir quoi, ce film est fait depuis l'intérieur de cette sensation.

Bon à savoir. C'est une allégorie, lente et volontairement inconfortable, pas un film réconfortant. Certains critiques l'ont trouvé éprouvant : Amy Nicholson (Los Angeles Times) y a vu « une succession de scènes plombées qui pourraient donner au public envie de s'arracher la peau ».

Avertissements de contenu: automutilation montrée crûment, dépression et effondrement psychique, un parent contrôlant, maladie et mort d'un parent, images d'enterrement

Séries

La télévision laisse de la place à un personnage : plusieurs saisons pour avoir des amis, un travail, des mauvais jours et une vie amoureuse. Ces séries sont là pour ce qu'elles ont fait de leurs personnages trans et non-binaires. Dans certaines, ces personnages sont toute l'histoire ; dans d'autres, ils sont un fil parmi d'autres, et chaque fiche précise ce qu'il en est.

Orange Is the New Black (2013, série)

Créé par: Créée par Jenji Kohan pour Netflix, États-Unis, d'après les mémoires de prison de Piper Kerman ; sept saisons, de 2013 à 2019. Laverne Cox, qui s'est décrite comme « une femme transgenre afro-américaine, et fière de l'être », joue Sophia Burset, un personnage récurrent.

La série suit Piper Chapman, une femme blanche privilégiée envoyée dans une prison pour femmes, puis s'élargit aux femmes qui l'entourent. Cette fiche porte sur l'une d'elles : Sophia Burset, la coiffeuse de la prison, ancienne pompière condamnée pour fraude à la carte de crédit. Sa femme, Crystal, a accepté sa transition. Son fils, Michael, a du mal à l'accepter et ne lui adresse plus la parole.

Un des premiers épisodes revient sur la vie de Sophia avant la prison, avec une scène tendre où Crystal l'aide à s'habiller en femme pour la première fois. Les saisons suivantes lui font traverser des épreuves bien plus dures derrière les barreaux.

Pourquoi c'est important. En 2013, TV Guide présentait le fait qu'une femme trans racisée joue une femme trans racisée comme une première à la télévision grand public. Sophia est un parent, une épouse, une amie et une femme d'affaires, pas un ressort comique. Cox est devenue en 2014 la première personne trans nommée aux Emmy Awards, et la première personne trans en couverture de Time. TV Guide estimait qu'elle était probablement la première personne trans que beaucoup de téléspectateurs voyaient de leur vie, à la télévision ou ailleurs.

Bon à savoir. Sophia est un personnage secondaire dans une série construite autour de Piper ; Kohan a qualifié Piper de « cheval de Troie » pour faire entrer à la télévision des histoires de femmes noires, latinas et plus âgées. Du coup, le temps d'écran de Sophia est inégal sur sept saisons, et plusieurs de ses intrigues ultérieures portent sur ce que le système carcéral lui fait subir.

Avertissements de contenu: prison, mégenrage, moqueries et menaces, une prison qui refuse à une femme trans les soins dont elle a besoin, une agression transphobe, un long isolement cellulaire, agressions sexuelles impliquant d'autres personnages, addiction à la drogue

Boy Meets Girl (2015, série)

Créé par: Créée et écrite par Elliott Kerrigan, produite par Tiger Aspect pour BBC Two, Royaume-Uni ; deux saisons, en 2015 et 2016. Rebecca Root, qui joue Judy, est une femme trans, et la BBC s'est engagée dès le départ à confier le rôle à une personne trans.

Leo a 26 ans, vient encore de perdre son emploi, et sa mère ne le ménage pas. Judy a 40 ans. Lors de leur premier rendez-vous, elle lui dit qu'elle est trans. Il reste intéressé, et la sitcom les suit tandis qu'ils tombent amoureux et font face à leurs familles, qui ne sont pas toujours prêtes.

Dans la forme, c'est une sitcom familiale britannique traditionnelle : mères, frères et sœurs, dîners gênants et humour appuyé, le tout autour d'une histoire d'amour.

Pourquoi c'est important. Root l'a présentée comme la première sitcom britannique grand public à confier un premier rôle trans à une personne trans, et la première au Royaume-Uni à montrer une histoire d'amour entre une actrice trans dans un rôle trans et un homme cis. L'histoire d'amour est le cœur du propos : c'est une femme trans d'une quarantaine d'années qu'on courtise. Le scénario est issu du Trans Comedy Award, un appel de la BBC Writersroom pour trouver des scénarios de comédie qui montrent les personnes trans sous un jour positif.

Bon à savoir. Dans sa critique du premier épisode pour The Telegraph, Jasper Rees y voyait un grand moment de télévision, mais trouvait que la série se pliait en quatre pour plaire au grand public avec des « clichés grossiers », dont des blagues sur le corps de Judy. Ton plaisir dépendra peut-être de ton goût pour l'humour des sitcoms familiales à l'ancienne.

Avertissements de contenu: blagues sur les corps trans, remarques maladroites et parfois transphobes de membres de la famille, jouées pour faire rire

Sense8 (2015, série)

Créé par: Créée par Lana Wachowski, Lilly Wachowski et J. Michael Straczynski pour Netflix, États-Unis, tournée dans des villes du monde entier ; deux saisons de 2015 à 2017 et un épisode final en 2018. Lana et Lilly Wachowski sont toutes deux trans, et Jamie Clayton, qui joue Nomi Marks, est une femme trans.

Huit inconnus dispersés à travers le monde, de San Francisco à Mumbai en passant par Mexico, découvrent soudain qu'ils sont liés mentalement et émotionnellement. Ils peuvent ressentir ce que ressentent les autres, emprunter leurs compétences et leurs langues, et entrer dans leur vie. Et une organisation traque les gens comme eux.

À San Francisco, Nomi Marks est hackeuse et blogueuse politique et vit avec sa petite amie, Amanita. Elle fait partie des huit, et son histoire ne porte pas sur la transition : elle parle d'amour, de danger, et d'apprendre à vivre connectée à sept autres personnes.

Pourquoi c'est important. Nomi a été écrite par une femme trans et jouée par une femme trans. Clayton a dit que travailler avec Lana Wachowski, une réalisatrice trans qui avait écrit un personnage trans, était sa première raison d'accepter le rôle, et que ça comptait pour elle que l'histoire ne soit pas centrée sur la transition. Toute la série repose sur une empathie qui franchit les frontières du genre, de la sexualité et des nations, et les fans y tenaient assez pour faire campagne afin d'obtenir une vraie fin.

Bon à savoir. Elle est lente et éparpillée au début. Dans sa critique des premiers épisodes pour Variety, Brian Lowry a écrit que la série « n'a pas beaucoup de sens » et l'a trouvée décousue. Netflix l'a annulée en 2017, estimant que son audience était trop faible au regard de son coût ; après des campagnes de fans, un épisode final de deux heures, « Amor Vincit Omnia », est sorti en 2018.

Avertissements de contenu: une femme trans retenue à l'hôpital contre sa volonté, une mère qui la rejette, violence et personnes traquées

Pose (2018, série)

Créé par: Créée par Ryan Murphy, Brad Falchuk et Steven Canals pour FX, États-Unis ; trois saisons, de 2018 à 2021. Janet Mock, une femme trans, a écrit, réalisé et produit ; Our Lady J, scénariste trans, faisait partie de l'atelier d'écriture ; le réalisateur trans Silas Howard était coproducteur exécutif ; et les interprètes trans MJ Rodriguez, Indya Moore, Dominique Jackson, Hailie Sahar et Angelica Ross font partie de la distribution principale.

New York, 1987. Blanca fait des manucures le jour et défile dans les balls la nuit, ces compétitions où des houses de personnes queer et trans s'affrontent pour des trophées et la gloire. Lassée de la cruauté d'Elektra, la mère de sa house, elle fonde sa propre house et accueille des jeunes qui n'ont nulle part où aller. Autour d'elle, il y a Angel, travailleuse du sexe qui tombe amoureuse d'un client marié, et Pray Tell (Billy Porter), qui anime les balls.

La série circule entre le ballroom, les houses et les services hospitaliers au plus fort de l'épidémie de sida. C'est un mélodrame, ouvertement et volontairement : grands sentiments, grandes robes, famille choisie.

Pourquoi c'est important. Pose a réuni plus d'interprètes trans dans des rôles réguliers qu'aucune série de fiction avant elle, et elle place des femmes trans noires et latinas au centre de leur propre histoire. C'est sur Pose que Janet Mock est devenue la première femme trans racisée à écrire et réaliser un épisode de série télévisée. Si tu ne connais le ballroom que par Paris Is Burning, c'est le même monde imaginé de l'intérieur, avec autant de place pour la joie que pour le deuil.

Bon à savoir. Ben Travers, d'IndieWire, l'a trouvée parfois trop appuyée, avec des scènes qui s'arrêtent pour faire la leçon au public sur les questions trans. Lors de la première de la dernière saison, en 2021, Janet Mock a prononcé un discours critiquant son salaire (« Pourquoi est-ce que je gagne 40 000 dollars par épisode ? »), l'écriture des débuts confiée à des hommes, et une industrie qui, selon ses mots, « nous a marché dessus ».

Avertissements de contenu: VIH et sida, maladie et deuil, travail du sexe, jeunes mis à la porte par leur famille

Veneno (2020, série)

Créé par: Créée par Javier Calvo et Javier Ambrossi pour Atresplayer Premium, Espagne, en espagnol ; une saison de huit épisodes, d'après le livre de la journaliste Valeria Vegas sur Cristina Ortiz. Les créateurs ont tenu à confier les rôles trans à des femmes trans : Cristina est jouée à différents âges par Jedet, Daniela Santiago et Isabel Torres, et Valeria par Lola Rodríguez, qui est trans.

Dans les années 1990, Cristina Ortiz, surnommée La Veneno, fait irruption dans les émissions de fin de soirée de la télévision espagnole et devient une star nationale, drôle, directe et sans complexe. Des années plus tard, alors qu'elle a disparu des écrans, Valeria Vegas, jeune étudiante en journalisme qui apprivoise sa propre transition, part à sa recherche, et les deux femmes nouent une amitié qui deviendra un livre.

La série alterne entre l'enfance difficile de Cristina dans un petit village, ses années à Madrid, sa célébrité et le présent de Valeria, et raconte à travers elles une histoire de la vie LGBT en Espagne depuis les années 1960. C'est bruyant, drôle et tendre, et la série ne prétend pas que sa vie a été facile.

Pourquoi c'est important. Veneno parle de femmes trans, jouées par des femmes trans, et a été faite par des créateurs pour qui les histoires LGBT doivent se faire avec des personnes LGBT. Elle rend à Cristina Ortiz toute son humanité, et montre comment une femme sur un écran de télévision peut changer la vie de quelqu'un qui regarde depuis chez soi. Isabel Torres, qui joue Cristina dans ses dernières années, avait elle-même été la première personne trans des îles Canaries à changer légalement de nom et de genre.

Bon à savoir. Nous n'avons pas trouvé de critique significative dans les sources que nous avons lues. Isabel Torres est décédée en 2022, ce qui fait aussi de son interprétation ici une trace de son travail.

Avertissements de contenu: enfance violente et rejet, usage du deadname, travail du sexe, maladie et mort

Sort Of (2021, série)

Créé par: Créée par Zaiba Baig et Fab Filippo, qui en ont aussi été les showrunners et les scénaristes, pour CBC, Canada ; trois saisons, de 2021 à 2023. Baig, une personne queer, transféminine et musulmane, joue aussi Sabi.

Sabi Mehboob est une personne non-binaire de la génération Y qui vit à Toronto, enfant d'immigrés pakistanais, utilise les pronoms they/them et partage ses journées entre le comptoir d'un bar LGBTQ et la garde de deux enfants pour un couple débordé. Sabi s'apprête à partir vivre à Berlin avec son inséparable complice 7ven quand la mère des enfants, Bessy, a un grave accident, et Sabi décide de rester.

Les épisodes durent une vingtaine de minutes. La série s'intéresse moins aux grands événements qu'au cours de la vie quotidienne : une mère qui essaie de comprendre son enfant, un petit ami compliqué, des disputes parce que les enfants mangent trop de sucre, une amitié qui doit s'élargir.

Pourquoi c'est important. Sort Of ne traite pas le genre de Sabi comme un problème à résoudre. C'est une comédie où l'enfant non-binaire d'une famille immigrée est tout simplement au centre d'une vie ordinaire et désordonnée, cocréée et jouée par Baig, artiste queer et transféminine. Son idée douce, selon les mots mêmes de la chaîne, c'est que « chacun et chacune d'entre nous est en transition ». La série a remporté un Peabody Award.

Bon à savoir. John Powers, sur NPR, l'a saluée pour sa modestie, ce qui dit aussi ce qu'elle n'est pas : pas de grands rebondissements, seulement de petits glissements. La personne qui l'a cocréée et qui y joue s'appelle désormais Zaiba Baig, donc les anciens génériques et beaucoup d'articles sur la série utilisent un autre prénom.

Avertissements de contenu: un grave accident et un personnage dans le coma, tensions familiales autour du genre

Dead End: Paranormal Park (2022, série)

Créé par: Créée par Hamish Steele, d'après ses bandes dessinées DeadEndia, produite par Blink Industries à Londres pour Netflix ; deux saisons, toutes deux sorties en 2022. Barney, le personnage principal, a pour voix Zach Barack, qui est trans et juif comme son personnage.

Barney, un ado trans, gay et juif, fuit un foyer difficile et prend un job d'été à Phoenix Parks, un parc d'attractions construit autour d'une star de cinéma à la Dolly Parton. Norma aussi, une superfan anxieuse qui connaît tout de la star. La maison hantée du parc cache en fait un passage vers le monde des démons, et un morceau de l'âme d'un seigneur démon se retrouve dans le carlin de Barney, Pugsley, qui se met soudain à parler.

C'est une comédie d'horreur animée, avec des mascottes zombies, des animateurs de jeux télévisés démoniaques, un épisode musical et des premiers béguins, destinée à un public plus jeune que les bandes dessinées.

Pourquoi c'est important. Un garçon trans est le héros d'un dessin animé tout public, doublé par un acteur trans, et être trans fait partie de lui sans être toute l'intrigue : il a un béguin, un chien, des amis et des démons à combattre. Barack a qualifié le fait de jouer un enfant trans dans une série pour enfants de « rêve devenu réalité ». Les difficultés de Norma s'inspirent de la vie de Steele en tant que personne autiste, et la critique de Paste signée par une personne autiste a trouvé ce personnage écrit de façon très authentique.

Bon à savoir. Reuben Baron, de Paste, a aimé l'écriture mais a trouvé que l'animation perdait le charme visuel des bandes dessinées, et a noté que certains éléments plus sombres avaient été atténués. Avant sa diffusion, un groupe de sénateurs américains l'a citée parmi les séries pour enfants auxquelles ils voulaient voir ajouter des avertissements de contenu. Netflix l'a annulée en janvier 2023 ; Steele a renvoyé les fans vers le troisième et dernier livre DeadEndia pour avoir une forme de conclusion.

Avertissements de contenu: une famille qui n'accepte pas, démons et horreur de dessin animé, anxiété

Des classiques qui comptent toujours

Des films plus anciens dont on parle encore et qui valent toujours d'être vus. Chacun est remis dans son contexte : ce qu'il avait de nouveau à l'époque, et ce qui se lit autrement aujourd'hui. Les mots employés à l'écran, et dans les critiques de l'époque, ne sont souvent pas ceux qu'on emploie aujourd'hui.

The Queen (1968, film documentaire)

Créé par: Réalisé par Frank Simon, États-Unis, avec Flawless Sabrina (Jack Doroshow), qui organisait le concours et en assure la présentation et la narration. Parmi les personnes en lice figurent Rachel Harlow, qui a fait sa transition après le film, et Crystal LaBeija, qui a ensuite fondé la House of LaBeija.

En 1967, des drag queens venues de tous les États-Unis se retrouvent au Town Hall de New York pour le Miss All-America Camp Beauty Contest, organisé par Flawless Sabrina. Frank Simon filme tout : les réunions d'organisation, une visite chez un fournisseur de costumes, les répétitions, et les conversations dans les chambres d'hôtel sur les petits amis, la conscription pour le Vietnam, et la question de savoir si elles feraient leur transition si elles le pouvaient. Puis le concours lui-même, avec Andy Warhol parmi les membres du jury.

À l'annonce des résultats, tout le monde n'est pas d'accord, et une candidate le fait savoir en des termes qu'on cite encore aujourd'hui.

Pourquoi c'est important. C'est l'un des tout premiers films à laisser des drag queens parler face caméra de leur vie, y compris de leur genre, à une époque où, comme le rappelle Richard Brody dans le New Yorker, le drag lui-même était illégal à New York. On y voit des personnes chercher, pour parler du genre, des mots qui n'existaient pas encore. Et le moment de Crystal LaBeija mène tout droit aux houses du ballroom de Paris Is Burning et de Pose.

Bon à savoir. C'est un document de 1967 : les mots que les gens emploient sur le genre et sur eux-mêmes sont ceux de l'époque, et les vies drag, gay et trans n'y sont pas séparées comme elles le sont souvent aujourd'hui. Harlow a dit à Rolling Stone en 2019 que « beaucoup des histoires trans et drag qui émergent aujourd'hui découlent d'une manière ou d'une autre de The Queen ».

Avertissements de contenu: vocabulaire d'époque sur le genre et la sexualité, discussions sur la conscription militaire, nudité partielle, accusation furieuse de concours truqué

Paris Is Burning (1990, film documentaire)

Créé par: Réalisé et produit par Jennie Livingston, États-Unis, tourné à New York du milieu à la fin des années 1980. Livingston a déclaré en 2020 : « Je me définis désormais comme genderqueer. » Les personnes à l'écran sont des hommes gays, des drag queens et des femmes trans, noirs et latinos, de la scène des balls, dont Dorian Corey, Pepper LaBeija, Venus Xtravaganza, Octavia St. Laurent et Willi Ninja.

Dans le New York des années 1980, des personnes queer et trans noires et latinos se sont construit un monde à elles : les balls, où l'on défile dans des catégories jugées sur le style, l'attitude et la « realness », en représentant des houses qui fonctionnent comme des familles choisies, chacune dirigée par une mère. Livingston a passé des années dans les balls et à enregistrer des entretiens avec celles et ceux qui les faisaient vivre.

Le film est à la fois une célébration et une histoire orale. Il explique le vocabulaire (houses, mothers, shade, reading, voguing) et laisse ses sujets parler, souvent avec beaucoup d'humour, d'argent, de race, de genre, de célébrité et de la façon dont ils survivent.

Pourquoi c'est important. C'est le témoignage le plus connu d'une culture créée par des personnes queer et trans racisées, filmé pendant qu'elles pouvaient encore parler pour elles-mêmes ; la plupart sont mortes dans les décennies suivantes, de violences transphobes, de pauvreté et du sida. Tant de mots du ballroom sont passés dans le langage courant que ça vaut la peine de les entendre d'abord de leur bouche. Le film a aussi influencé Pose, sur laquelle Livingston a ensuite travaillé. La Bibliothèque du Congrès l'a inscrit au National Film Registry en 2016.

Bon à savoir. Il fait débat depuis sa sortie. bell hooks s'est demandé si Livingston, cinéaste de la classe moyenne blanche, n'offrait pas les balls en spectacle. En 1993, certains participants ont estimé avoir été privés des recettes du film ; leurs réclamations ont été abandonnées, mais les producteurs ont partagé environ 55 000 dollars entre 13 d'entre eux. Livingston a dit que le film penchait vers la performance et la famille choisie, et laissait de côté beaucoup d'autres choses.

Avertissements de contenu: violences transphobes, dont le meurtre d'une femme du film, pauvreté, sida, travail du sexe, rejet familial

Ma vie en rose (1997, long métrage)

Créé par: Réalisé par Alain Berliner, écrit par Berliner et Chris Vander Stappen ; coproduction belge, française et britannique, en français.

Ludovic, sept ans, vient d'emménager avec sa famille dans une banlieue proprette où le patron du père habite la maison voisine. Ludo est calme et sûre d'elle : elle est une fille, et une erreur de chromosomes doit simplement être corrigée. Elle porte des robes, compte épouser son ami Jérôme, le fils du patron, et s'évade dans un monde imaginaire éclatant où règne Pam, une princesse de télévision aux allures de poupée.

Les voisins le prennent mal, et à mesure que la pression monte, ses parents, qui l'aiment, peinent à savoir quoi faire.

Pourquoi c'est important. Il prend au sérieux la certitude d'une jeune enfant et la montre en grande partie de son point de vue à elle, par l'imaginaire et la couleur plutôt que par des comptes rendus cliniques. Dans un texte pour le BFI, Juliet Jacques l'a qualifié de l'un des films trans les plus sensibles des années 1990, et a salué la façon dont Berliner saisit à quel point les marqueurs de genre sont simples, et importants, pour les enfants. Il a remporté le Golden Globe du meilleur film étranger.

Bon à savoir. Il a été fait et critiqué avec les repères de 1997 : Roger Ebert, comme beaucoup de critiques à l'époque, décrivait Ludovic comme un garçon qui se fait une idée fausse. Plus tard, des critiques comme Jacques parlent de Ludo comme d'une fille, et c'est ainsi que ce guide la décrit. Le film est doux, mais il ne cache pas à quel point les adultes peuvent être cruels.

Avertissements de contenu: un voisinage qui se retourne contre une famille, une enfant harcelée et agressée par d'autres enfants, une tentative de suicide d'une enfant, un parent qui frappe une enfant, une coupe de cheveux forcée

Todo sobre mi madre (Tout sur ma mère) (1999, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Pedro Almodóvar ; Espagne et France, en espagnol. Agrado est jouée par Antonia San Juan et Lola par Toni Cantó.

Manuela, infirmière à Madrid, perd son fils adolescent dans un accident le soir de ses dix-sept ans. Elle part à Barcelone retrouver l'autre parent du garçon, Lola, une femme trans qui n'a jamais su qu'il existait. Sur place, elle recroise sa vieille amie Agrado, femme trans et travailleuse du sexe, et se laisse entraîner dans un cercle de femmes : une célèbre actrice de théâtre, l'amante tourmentée de cette actrice, et une jeune religieuse qui travaille dans un foyer pour travailleuses du sexe.

C'est un mélodrame sur le deuil, la maternité et les familles qu'on se construit, plein de théâtre, de couleurs et d'humour.

Pourquoi c'est important. Agrado est chaleureuse, vive et parfaitement à l'aise avec elle-même, et c'est à elle que revient la scène la plus aimée du film : un monologue drôle et fier sur ce qu'il lui en a coûté de devenir qui elle est, qui se termine sur l'idée qu'« on est d'autant plus authentique qu'on ressemble à ce qu'on a rêvé d'être ». Comme l'a écrit Rebecca Bodenheimer pour RogerEbert.com, une femme trans qui juge la féminité d'une femme cis, et non l'inverse, c'était une position que les femmes trans avaient rarement le droit d'occuper.

Bon à savoir. Le film est plus tendre avec Agrado qu'avec Lola, son autre femme trans, qui reste presque toujours hors champ et que Bodenheimer décrit comme une présence « imprudente et narcissique ». Les critiques de l'époque, dont celles de Variety et du New York Times, employaient pour ces deux femmes des mots et des pronoms que la plupart des personnes trans n'utiliseraient plus aujourd'hui.

Avertissements de contenu: mort soudaine d'un adolescent, une femme trans passée à tabac, travail du sexe, VIH et sida, addiction à la drogue

Hedwig and the Angry Inch (2001, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par John Cameron Mitchell, qui joue aussi Hedwig, d'après la comédie musicale de 1998 qu'il a créée sur scène avec Stephen Trask, auteur des chansons ; États-Unis.

Hedwig a grandi à Berlin-Est, est tombée amoureuse d'un soldat américain et, pour l'épouser et partir, a accepté sous la pression quelque chose qui a été mal fait et qui donne son titre au film. Abandonnée dans un parc de mobile homes du Kansas, elle tombe amoureuse de Tommy, fils d'un général, qui la quitte et devient une rock star des stades avec des chansons qu'elle a écrites.

Aujourd'hui, Hedwig tourne avec son groupe, the Angry Inch, dans des restaurants de chaînes bon marché, en suivant à la trace la tournée de Tommy et en racontant son histoire dans des chansons sur l'amour, le genre et la plénitude. C'est une comédie musicale glam rock : drôle, furieuse, avec une séquence animée, une chanson à reprendre en chœur et de grands numéros.

Pourquoi c'est important. Beaucoup de personnes trans et non conformes dans leur genre ont trouvé quelque chose d'elles-mêmes chez Hedwig, artiste glamour, blessée et en colère dont le genre n'entre dans aucune case, et les créateurs ont dit être heureux que des personnes trans se reconnaissent en elle. Le film appartient à une catégorie rare, la comédie musicale rock originale, et ses chansons défendent sur le genre et la plénitude un propos qui touche toujours.

Bon à savoir. Hedwig n'est pas écrite comme une femme trans. En 2020, après que des militants trans ont estimé qu'une personne trans aurait dû être choisie pour une production à Sydney, Mitchell et Trask ont déclaré que le parcours de genre du personnage est imposé à « un jeune garçon gay efféminé » par un petit ami et un gouvernement, et que le rôle est plus proche du drag, « un masque accessible à tous ». Certaines personnes trans lisent Hedwig autrement.

Avertissements de contenu: contrainte exercée par un partenaire et par un État, abandon, travail du sexe, contenu sexuel

Célèbres mais critiqués

Tu en as sans doute entendu parler, et beaucoup de personnes trans ont à leur égard des sentiments mitigés ou hostiles. Le reproche le plus connu porte sur le casting : des acteurs cis, en général des hommes, qui jouent des femmes trans, pendant que les interprètes trans peinent à décrocher les mêmes rôles.

En 2018, Scarlett Johansson s'est retirée de Rub & Tug, un projet de film où elle devait jouer Dante « Tex » Gill, après des critiques d'interprètes trans, dont Trace Lysette, et a dit dans sa déclaration comprendre « pourquoi beaucoup estiment qu'il devrait être interprété par une personne transgenre ».

Le casting n'est pas le seul problème. Certaines de ces œuvres font du corps d'un personnage trans un coup de théâtre, l'une a été réalisée par un cinéaste trans et boycottée malgré tout, et une autre a déclenché une controverse publique pour savoir à qui revient le mérite du travail sur l'histoire trans. Elles sont là parce qu'on te posera la question, parce que certaines valent encore d'être vues les yeux ouverts, et parce que ces débats font partie de l'histoire.

The Crying Game (1992, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Neil Jordan, Royaume-Uni. Stephen Rea joue Fergus, Forest Whitaker joue Jody, et Jaye Davidson, qui n'avait jamais joué, tient le rôle de Dil.

Un thriller qui se transforme en histoire d'amour. Fergus, volontaire dans une unité de l'IRA en Irlande du Nord, est chargé de garder Jody, un soldat britannique noir enlevé, et les deux hommes nouent un lien improbable. Jody demande à Fergus d'aller voir sa compagne, Dil, à Londres s'il lui arrive quelque chose.

Plus tard, Fergus part à Londres sous un nouveau nom, retrouve Dil et tombe amoureux d'elle tout en essayant de garder une longueur d'avance sur son passé. Le film aborde la race, la sexualité et l'identité, et il a été fait avec un financement bancal, assemblé pièce par pièce.

Pourquoi c'est important. Ce fut un succès en salles et un film oscarisé avec une femme trans dans un rôle principal : il a remporté l'Oscar du meilleur scénario original, et Davidson a reçu une nomination. Sa scène centrale a ensuite été parodiée dans Ace Ventura, donc même si tu ne l'as jamais vu, tu as sans doute croisé des blagues qui en viennent. Le documentaire Disclosure le traite comme l'un des films qui pèsent le plus lourd dans la façon dont les femmes trans ont été vues à l'écran, ce qui justifie de le connaître, que tu décides ou non de le regarder.

Bon à savoir. Aux États-Unis, Miramax a vendu le film sur un secret : un ancien cadre a raconté au Hollywood Reporter qu'on appelait « journaliste par journaliste » pour préserver ce secret. Le secret, c'était que Dil est trans : son corps, et le dégoût de son amant face à ce corps, sont devenus le coup de théâtre. Oliver Whitney, dans Vulture, l'inscrit dans la tradition de la « tromperie trans ». Le documentaire Disclosure (2020) s'attarde sur la scène ; Sam Feder explique que les personnes interviewées l'ont trouvée dérangeante, tandis que Zackary Drucker dit dans le film qu'à l'époque, elle ne voyait pas le problème et voyait simplement une belle femme. Pour Feder, on peut « aimer les choses de façon critique ».

Avertissements de contenu: enlèvement et violence par arme à feu, une femme trans accueillie avec dégoût par un partenaire et frappée accidentellement, nudité, pensées suicidaires

Boys Don't Cry (1999, long métrage)

Créé par: Réalisé par Kimberly Peirce, écrit par Peirce et Andy Bienen, États-Unis. Hilary Swank, qui est cisgenre, joue Brandon Teena, et Chloë Sevigny joue Lana Tisdel.

Une dramatisation de la vie de Brandon Teena, un jeune homme trans du Nebraska rural assassiné en 1993. Brandon s'installe à Falls City, se lie avec un groupe de jeunes du coin et tombe amoureux de Lana.

Le film suit ce qui arrive quand les gens autour de lui découvrent qu'il est trans. Il s'inspire de faits réels, et Peirce a romancé une partie de l'histoire : prends-le comme sa version de la vie de Brandon plutôt que comme un compte rendu fidèle.

Pourquoi c'est important. Pour une grande partie du public en 1999, c'était le premier portrait sensible d'une personne trans jamais vu. Jude Dry, d'IndieWire, écrit qu'à bien des égards, il a lancé le débat sur la représentation trans au cinéma, un débat qui se poursuit encore. Swank dit que des gens lui ont écrit et sont venus la voir en larmes pour la remercier. En 2019, il a été inscrit au National Film Registry des États-Unis.

Bon à savoir. En novembre 2016, des étudiants du Reed College ont protesté contre la venue de Peirce sur le campus, en perturbant sa conférence après une projection. Selon Willamette Week, ils reprochaient à une réalisatrice non trans de tirer profit de la représentation de violences contre les personnes trans, dénonçaient le choix de Swank plutôt que d'une personne trans, et la scène de viol explicite ; l'université a critiqué la façon dont la conférence a été perturbée. En 2019, Swank s'est dite « heureuse que les temps évoluent » et que les gens puissent raconter leur propre histoire. D'autres objections portaient sur l'exactitude : Peirce a supprimé Philip DeVine, un homme noir tué en même temps que Brandon, en expliquant qu'elle manquait de place, et la vraie Lana Tisdel a intenté un procès à cause de la façon dont elle était représentée.

Avertissements de contenu: harcèlement et violences transphobes, un homme trans déshabillé de force, une scène de viol explicite, la police qui interroge une victime sur son genre, meurtre (d'après des faits réels)

Transamerica (2005, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Duncan Tucker, États-Unis. Felicity Huffman joue Bree, avec Kevin Zegers dans le rôle de Toby. Pour se préparer, Huffman a travaillé avec deux femmes trans, Andrea James et Calpernia Addams, qui l'ont coachée sur sa voix.

Bree, une femme trans de Los Angeles, touche presque à une étape longtemps attendue de sa transition quand un appel arrive d'une prison de New York : un adolescent fugueur nommé Toby cherche un parent qu'il n'a jamais rencontré, et ce parent, c'est Bree. Sa thérapeute refuse de lui donner son feu vert tant qu'elle n'a pas affronté la situation.

Bree prend donc l'avion pour New York, paie la caution de Toby sans lui dire qui elle est, et tous deux finissent par traverser le pays en voiture ensemble, avec un arrêt dans la famille dont elle est éloignée depuis longtemps.

Pourquoi c'est important. C'est un road movie entre comédie et drame dont l'héroïne est une femme trans, ni victime ni méchante, et Huffman a été nommée à l'Oscar pour ce rôle. Dans IndieWire en 2014, Dominic Clarke l'a jugé « tellement en avance sur son temps » que le monde du cinéma ne l'avait toujours pas rattrapé, a souligné à quel point les films montrent rarement une personne ordinaire qui se trouve être trans, et a salué l'humanité avec laquelle Tucker traite Bree, y compris quand sa famille la rejette.

Bon à savoir. Nous avons trouvé moins de critiques publiées par des auteurs et autrices trans sur ce film que sur les autres de cette section, et la plupart portent sur le casting. Paris Lees, une femme trans qui écrivait dans The Independent en 2014, a qualifié l'interprétation de Huffman d'« approximation d'une femme trans » et a pointé une scène qu'elle trouvait invraisemblable, alors même que les producteurs avaient travaillé avec des consultants trans. Huffman elle-même a dit en 2014 comprendre et soutenir l'idée que les rôles trans devraient revenir à des interprètes trans, parce que les personnes trans ont été « marginalisées pendant longtemps ».

Avertissements de contenu: usage du deadname, rejet transphobe par la famille, dont un geste intrusif de la mère de Bree, évocation d'abus sexuels subis dans l'enfance et du suicide d'un parent dans le passé de Toby, travail du sexe, consommation de drogues

Dallas Buyers Club (2013, long métrage)

Créé par: Réalisé par Jean-Marc Vallée, écrit par Craig Borten et Melisa Wallack, États-Unis. Matthew McConaughey joue Ron Woodroof, et Jared Leto, qui n'est pas trans, joue Rayon, une femme trans fictive.

Inspiré de l'histoire vraie de Ron Woodroof, un électricien texan hétéro chez qui le VIH est diagnostiqué au milieu des années 1980. Il se met à faire entrer aux États-Unis des traitements contre le sida non autorisés et à les distribuer par l'intermédiaire d'un club de membres, au mépris de l'establishment médical.

À l'hôpital, il rencontre Rayon, une femme trans qui vit avec le sida, et après des débuts hostiles, elle devient son associée puis, peu à peu, son amie. Woodroof a réellement existé ; Rayon a été inventée pour le film.

Pourquoi c'est important. C'est un film très vu sur les débuts de l'épidémie de sida aux États-Unis, et il a donné à l'histoire d'une femme trans une place importante dans un film apprécié par des millions de gens. Leto a remporté un Golden Globe puis un Oscar pour ce rôle. Paris Lees, une femme trans, s'attendait à être choquée et ne l'a pas été : elle a dit que le film était excellent, que Leto l'avait fait pleurer, et qu'il fallait sans doute le voir, en haussant un sourcil.

Bon à savoir. Les critiques portaient surtout sur le choix de l'interprète de Rayon et sur la façon dont elle est écrite. À la sortie du film, une tribune de Susan Rohwer dans le Los Angeles Times estimait que le rôle aurait dû revenir à une personne trans, en citant Shawna Virago, du San Francisco Transgender Film Festival, qui parlait d'une occasion manquée. Le discours de Leto aux Golden Globes, où il qualifiait Rayon de « belle créature » et plaisantait sur le fait de se raser les jambes, a suscité la colère. Paris Lees a écrit que Rayon est moins une personne qu'« une fonction », silencieuse alors que même ses amis l'appellent « il ». Lors d'un festival en 2014, une femme a lancé à Leto que « la transmisogynie ne mérite pas de prix » ; il lui a répondu sur le moment, puis a discuté avec elle ensuite.

Avertissements de contenu: maladie et mort liées au sida, consommation de drogues, mégenrage constant, hostilité homophobe et transphobe

Transparent (2014, série)

Créé par: Créée par Joey Soloway pour Amazon, États-Unis ; cinq saisons, de 2014 à 2019. Soloway est non-binaire, utilise les pronoms they/them et figurait au générique sous le nom de Jill Soloway pendant la production de la série. Jeffrey Tambor, qui est cisgenre, a joué Maura jusqu'à son renvoi en 2018. Parmi les personnes trans qui ont travaillé sur la série figurent la scénariste Our Lady J, les producteurs Zackary Drucker et Rhys Ernst, et l'actrice Trace Lysette.

Les Pfefferman sont une famille juive de Los Angeles. Quand Maura, professeure à la retraite et parent de trois enfants adultes, fait son coming out en tant que femme trans, la vie de chacun bascule, et ni elle ni ses enfants ne gèrent toujours ça avec élégance.

La série suit toute la famille, souvent avec des retours en arrière dans son histoire, et se termine par un final musical en 2019. Pour Maura, Soloway a puisé librement dans la transition de son propre parent.

Pourquoi c'est important. À son apogée, elle était érigée, selon les mots du Hollywood Reporter, en « phare du progressisme social », saluée par des organisations comme GLAAD, et elle a remporté des Golden Globes. Elle a aussi essayé de changer qui faisait la série : Soloway a choisi Our Lady J parmi un groupe de femmes trans candidates pour y écrire, et des personnes trans ont travaillé devant et derrière la caméra. Si tu t'intéresses à la façon dont l'industrie a commencé à embaucher des talents trans, elle fait partie de cette histoire.

Bon à savoir. Le choix de Tambor, un homme cis, a été contesté dès le départ ; lors d'une des premières projections, une personne du public l'a comparé au blackface. En recevant son Emmy en 2016, Tambor a demandé à l'industrie de « donner sa chance aux talents transgenres » et a dit qu'il « ne serait pas malheureux d'être le dernier homme cisgenre à jouer une femme transgenre à la télévision ». La même année, Soloway a jugé « absolument inacceptable » de confier le rôle d'une femme trans à un homme cis. Fin 2017, son ancienne assistante Van Barnes et l'actrice Trace Lysette, deux femmes trans, ont accusé Tambor de harcèlement sexuel. Il a démenti leurs récits, et il a été renvoyé de la série en février 2018.

Avertissements de contenu: mégenrage et usage du deadname, exclusion transphobe des espaces réservés aux femmes, évocation de pensées suicidaires, conflits familiaux

The Danish Girl (2015, long métrage)

Créé par: Réalisé par Tom Hooper, scénario de Lucinda Coxon, d'après le roman de David Ebershoff paru en 2000 ; Royaume-Uni et États-Unis. Eddie Redmayne, un homme cis, joue Lili Elbe, et Alicia Vikander joue Gerda Wegener.

Un drame romantique qui se déroule à Copenhague et à Paris dans les années 1920. Gerda est peintre, tout comme la personne qu'elle a épousée. Un jour, elle lui demande de poser à la place d'un modèle en retard, et cette petite demande ouvre une porte : la personne que Gerda a épousée commence à vivre en tant que Lili Elbe.

Le film suit la transition de Lili et ce qu'elle exige des deux femmes et de leur mariage. Il aborde la vie de Lili à travers un roman qui l'a largement romancée : c'est donc une version de son histoire, pas son histoire.

Pourquoi c'est important. Il a placé la vie d'une femme trans au centre d'un grand film à Oscars, et c'est par lui que beaucoup de gens ont entendu parler de Lili Elbe pour la première fois. Vikander, qui a remporté un Oscar pour le rôle de Gerda, a dit en 2025 qu'il paraît déjà « extrêmement daté », mais qu'il a permis que le sujet soit « au moins discuté ». Même Casey Plett, qui ne l'a pas aimé, mentionne une femme trans de sa connaissance qui l'a adoré.

Bon à savoir. La critique trans a été sévère. Carol Grant, qui écrivait dans IndieWire en tant que femme trans au début de sa propre transition, l'a jugé « régressif, réducteur et nocif », estimant que la caméra de Hooper lorgne les vêtements et le corps de Lili et réduit sa féminité à des stéréotypes. L'autrice Casey Plett, dans The Walrus, a trouvé le scénario « atroce et ennuyeux », a dénoncé une scène inventée où Lili est passée à tabac, et a dit qu'une femme trans aurait dû la jouer. Le film prend aussi de nombreuses libertés avec la vraie vie d'Elbe. En 2021, Redmayne a dit au Times qu'il n'accepterait pas le rôle aujourd'hui : « J'ai fait ce film avec les meilleures intentions, mais je pense que c'était une erreur. »

Avertissements de contenu: une agression transphobe dans la rue, maltraitance psychiatrique dont une menace d'internement, mégenrage, nudité, cadres médicaux

The Death and Life of Marsha P. Johnson (2017, film documentaire)

Créé par: Réalisé par David France, qui l'a coécrit avec Mark Blane, États-Unis. Le film suit Victoria Cruz, femme trans et enquêtrice au New York City Anti-Violence Project. France connaissait Johnson et a couvert sa mort en tant que journaliste.

Marsha P. Johnson, vétérane du soulèvement de Stonewall qui avait cofondé le groupe militant STAR avec Sylvia Rivera, a été retrouvée dans l'Hudson en 1992. La police a conclu à un suicide ; beaucoup de gens qui la connaissaient ne l'ont jamais accepté.

Le film suit Victoria Cruz qui rouvre les questions autour de la mort de Johnson, rend visite à de vieux amis et se heurte à des portes closes, et il entremêle des images d'archives de Johnson et de Rivera datant de leurs années de militantisme.

Pourquoi c'est important. Il a mis Johnson et Rivera, avec leurs propres voix et à l'image, devant un très large public, et il relie la mort de Johnson au peu d'attention que reçoivent encore les violences contre les personnes trans. Cruz porte le film : Eric Kohn, d'IndieWire, décrit une enquêtrice trans qui ne ralentit jamais. Si tu veux voir et entendre Johnson plutôt que seulement lire à son sujet, le film rassemble beaucoup d'images d'elle.

Bon à savoir. Au moment où le film arrivait sur Netflix, Tourmaline (alors connue sous le nom de Reina Gossett), cinéaste trans noire qui avait passé des années à faire des recherches sur Johnson, a accusé France d'avoir profité de son travail d'archives et d'un dossier de demande de subvention qu'elle avait monté pour son propre film sur Johnson, et de tirer profit de vies trans pendant qu'elle-même empruntait de l'argent pour payer son loyer. France a nié avoir pris son travail, en affirmant avoir enquêté sur cette histoire pendant des années. Il a reconnu les obstacles bien plus lourds auxquels elle fait face en tant que femme trans racisée et a déclaré qu'« il n'est pas juste que nos projets n'aient pas reçu la même attention ». Une enquête publiée par The Advocate en 2018 a établi que France avait obtenu sous licence la plupart de ses images d'archives auprès d'autres sources, mais que son utilisation de 14 secondes d'images qu'il avait vues pour la première fois lors d'une présentation de Tourmaline en 2015 appuyait ce qu'elle affirmait. Tourmaline a présenté la controverse comme une question de savoir qui tire profit du travail des femmes trans racisées pendant qu'elles-mêmes ne sont pas créditées.

Avertissements de contenu: la mort inexpliquée de Marsha P. Johnson, indifférence de la police, violences contre les personnes trans, deuil

Girl (2018, long métrage)

Créé par: Réalisé par Lukas Dhont, écrit par Dhont et Angelo Tijssens ; Belgique, en néerlandais et en français. Lara est jouée par Victor Polster, qui n'est pas trans. Le film s'inspire de Nora Monsecour, danseuse professionnelle belge et femme trans, qui a travaillé avec Dhont sur le projet dès le début.

Lara, une adolescente trans de 15 ans, obtient une place à l'essai dans une école de ballet exigeante à Anvers et s'y installe avec son petit frère et son père, qui la soutient sans hésiter.

Le film reste tout près de Lara : les heures de travail sur pointes, la douleur dans son corps, son impatience de voir sa transition avancer, et sa dureté envers elle-même.

Pourquoi c'est important. Il a remporté la Caméra d'or du meilleur premier film et la Queer Palm à Cannes. Pour Monsecour, c'est son histoire : elle a écrit que faire ce film l'avait aidée à s'accepter, et qu'il montre le foyer aimant qu'elle a eu la chance d'avoir. C'est aussi un cas net où des critiques trans et la femme trans dont la vie a inspiré un film voient la même œuvre de manières opposées, ce qui est bon à savoir avant de décider de le regarder.

Bon à savoir. Plusieurs critiques trans l'ont vu tout autrement que la critique à Cannes. Oliver Whitney, dans The Hollywood Reporter, l'a qualifié de danger pour la communauté trans, en citant « une fascination troublante pour les corps trans », une caméra qui ne cesse de revenir sur le bas du corps de Lara, une scène d'automutilation explicite et un message nocif sur la transition. D'autres voix ont aussi contesté le choix d'un acteur cis dans une histoire racontée par deux hommes cis. Monsecour a répondu dans le même journal que le film « raconte mon histoire d'une manière qui ne ment pas », et s'est dite « offensée » qu'on le rejette parce que Dhont et l'acteur principal sont cis. Dhont a dit que « nous voulons tous des talents trans à l'écran », mais a défendu un casting fondé sur l'empathie.

Avertissements de contenu: automutilation explicite, nudité répétée centrée sur le corps de Lara, harcèlement transphobe, usage du deadname par un membre de la famille, douleur physique liée à l'entraînement

Adam (2019, long métrage)

Créé par: Réalisé par Rhys Ernst, cinéaste trans, sur un scénario d'Ariel Schrag qui adapte son propre roman de 2014, États-Unis. Nicholas Alexander joue Adam, et le film compte plusieurs personnes trans dans sa distribution.

À l'été 2006, Adam, un adolescent hétéro timide, part séjourner à New York chez sa grande sœur Casey, qui évolue dans un monde queer et trans. Lors d'une fête, il rencontre Gillian, une lesbienne, qui suppose qu'il est un homme trans.

Adam ne la détrompe pas, et entretient le mensonge à mesure que leur relation grandit et qu'on l'accueille dans des lieux où les communautés lesbiennes et trans se croisent et débattent.

Pourquoi c'est important. C'est le film d'un réalisateur trans qui reprend une vieille idée nocive, celle selon laquelle les personnes trans tromperaient les autres, et la retourne. Oliver Whitney, critique trans qui l'abordait avec méfiance à cause du roman, a trouvé qu'il subvertit habilement le récit de la « tromperie trans », qu'il égratigne la pression exercée sur les personnes trans pour qu'elles se dévoilent, et qu'il montre un jeune homme cis apprenant d'un homme trans une masculinité plus saine.

Bon à savoir. Le point de départ a provoqué un boycott avant que la plupart des gens aient vu le film : des pétitions réunissant plus de 6 000 signatures le qualifiaient d'homophobe et de transphobe, dans le prolongement des critiques visant le roman de Schrag, dont le critique Tom Leger jugeait le traitement des hommes trans « étrange, blessant et bizarre ». Un figurant trans a aussi dit avoir été mégenré sur le tournage. Ernst a dit que le film s'écarte du livre sur des points importants, Whitney a noté qu'il abandonne la scène la plus critiquée du roman, et Ernst a ajouté qu'« il y a en ce moment une guerre contre la nuance ». Sur les accusations liées au tournage, il a dit que quelqu'un « a pu être mégenré par accident » malgré la formation donnée à l'équipe.

Avertissements de contenu: un personnage cis qui ment en se faisant passer pour trans, mégenrage, débats d'époque sur l'exclusion des femmes trans des espaces réservés aux femmes

Emilia Pérez (2024, long métrage)

Créé par: Écrit et réalisé par Jacques Audiard, France, en espagnol. Karla Sofía Gascón, une femme trans espagnole, joue le rôle-titre, avec Zoe Saldaña dans le rôle de l'avocate Rita, et Selena Gomez.

Une comédie musicale criminelle que son réalisateur qualifie d'opéra. Rita, avocate à la peine à Mexico qui gagne des procès contre sa propre conscience, reçoit une offre d'emploi secrète et très bien payée. La commande vient d'une personne redoutée, à la tête d'un cartel, qui veut son aide pour simuler une mort, disparaître et faire sa transition.

Le film mêle chansons, mélodrame et violence des cartels à plein volume, et suit ce qui se passe une fois la nouvelle vie commencée.

Pourquoi c'est important. Ce fut un énorme film à récompenses : il a remporté le prix du jury à Cannes et quatre Golden Globes, a obtenu 13 nominations aux Oscars, et Gascón est devenue la première personne ouvertement trans nommée à un Oscar d'interprétation. Quoi que tu penses du film, cette nomination était une première, et les polémiques qui l'entourent font désormais partie de l'histoire récente du cinéma trans.

Bon à savoir. Certaines des critiques les plus acérées sont venues de personnes trans. GLAAD l'a qualifié de « portrait profondément rétrograde d'une femme trans » et a noté que les premiers éloges à Cannes venaient de critiques qui n'étaient pas trans ; Drew Burnett Gregory, une femme trans qui écrit dans Autostraddle, y a vu « un glorieux désastre » bâti sur des clichés bien connus. Au Mexique, beaucoup de spectateurs se sont moqués de son espagnol guindé, de ses stéréotypes et du fait qu'une seule personne de la distribution principale soit mexicaine ; Audiard a répondu que c'est « un opéra, pas une critique de quoi que ce soit au Mexique ». Début 2025, d'anciens messages de Gascón sur les musulmans, George Floyd et la diversité aux Oscars ont refait surface. Elle s'est dite profondément désolée ; Audiard les a qualifiés de « haineux ».

Avertissements de contenu: violences et meurtres liés aux cartels, enlèvement, recherche de personnes victimes de disparition forcée, personnages qui ont un mouvement de recul face au corps d'une femme trans, mégenrage

Pour aller plus loin

Certains de ces films se regardent plus facilement avec d'autres personnes trans qu'en solitaire, et la discussion d'après compte pour moitié. Si tu cherches encore ces personnes, comment se faire des amis trans et comment trouver un groupe de soutien trans sont de bons points de départ.

Pour l'histoire derrière certains de ces films, lis nos articles sur Marsha P. Johnson, Sylvia Rivera et Lili Elbe. Si tu préfères lire plutôt que regarder, le guide qui accompagne celui-ci porte sur les livres d'auteurs et d'autrices trans et non-binaires.

Une liste comme celle-ci vieillit. De nouvelles œuvres sortent, les gens changent la façon dont ils se décrivent, et l'avis de la critique évolue. Si tu repères une erreur, un crédit mal attribué ou une œuvre qui aurait sa place ici, tu peux nous écrire depuis la page de contact.